Dalia D´Leon Adams

LOS BAÑOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

LOS BAÑOS nuevamente regresan con un escenario poco común, pero que termina siendo el ideal para esta enigmática e interesante obra teatral. Original de Paul Walker y bajo la dirección escénica del maestro Enrique Singer, (quien funge además actualmente como director de la CNT ) el día de ayer 28 de diciembre, fue presentada a la prensa local.

Como anteriormente estaba mencionando, el espacio para escenificar es nada menos que los hermosos baños de mármol y accesorios al estilo Art Decó, con que cuenta el recinto del Palacio de las Bellas Artes, siendo dos de ellos en donde se efectúan las representaciones.

El Señor Enrique Singer hace doce años atrás, ya se había dado a la tarea de presenta ésta magnífica puesta en escena. Hoy día en funciones limitadas que van del 29 de diciembre al 27 de enero entrante, ha vuelto a programar el cupo para tan sólo veinticinco espectadores en cada uno de esos espacios.

De dicho modo los espectadores tienen la oportunidad de ver caracterizar muy de cerca los personajes, a actores con grandes tablas como lo son Arturo Ríos, Ana Graham, Hernán Mendosa, Antonio Vega, quienes se presentan junto con Romanni Villacaña, Tania Ruiz, Tania Ruiz, Mari Carmen Núñez y Belén Aguilar.

La compañía encargada de representa se denomina “Por Piedad Teatro”, empresa la cual esta por cumplir sus 20 años de recrear a múltiples espectadores, por lo que a manera de festejo, celebran con el regreso de la puesta en de Paul Walter de LOS BAÑOS.

-“Por Piedad Teatro se ha caracterizado por ser una compañía de profesionales con inquietud en común: presentar en México a las más brillantes voces de teatro contemporáneo internacional mediante puestas en escena de calidad artística, innovación y riesgo, con un discurso urgente, capaz de entablar una conversación con nuestra comunidad.”-

Discurso que utiliza literalmente la Compañía “Por Piedad Teatro” y qué porsupuesto cumple sus expectativas contando con un teatro innovador de gran talento artístico, con magníficas direcciones y, por su puesto, con selectos textos o dramaturgias de calidad internacional.

Desde LOS BAÑOS Usted Podrá presenciar dos historias cortas de terror, las cuales además se empalman, dando continuidad y lógica a la trama de LOS BAÑOS, enmarcadas bajo un estilo periodístico, el cual le brinda mayor verosimilitud y elocuencia a la trama. ¡EN HORA BUENA “POR PIEDAD TEATRO”!

EL PADRE, EL HIJO, EL CHICHIFO Y LA TRANSPÍRITU SANTA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Es un compendio de cuentos, que la misma Compañía nomina “antinavideños” debido a no ser parte del clásico reestreno de la historia religiosa en donde la Trinidad forma parte protagónica de la trama muy ad-hoc a la época de Sembrinas.

EL PADRE, EL HIJO, EL CHICHIFO Y LA TRANSPÍRITU SANTO suena un tanto irreverente, pero en realidad forman parte de una realidad que hoy día se habla de manera abierta, aún cuando siempre ha existido de manera oculta o callada.

El director del Teatro “La Capilla” en donde ya se ha estrenado dicha obra teatral, es el también director artístico general de ésta puesta en escena peculiar, es decir, el también franco-mexicano Boris Schoemann, y digo franco-mexicano porque tras de muchos años de residir en México laborando en el medio teatral, decidió nacionalizarse.

Boris Schoemann, quien a-priori se dio a la tarea de convocar a jóvenes escritores para participar en esta puesta en escena, comentó en entrevista con otras palabras qué EL PADRE, EL HIJO, EL CHICHIFO Y LA TRANSESPÍRITU SANTO no son los clásicos cuentos navideños, en donde durante la época, finalmente se viven circunstancias benévolas y agradables para todos los feligreses creyentes. En éste caso se trata de mostrar las vicisitudes que en ocasiones padecen algunas personas, justo en la época del natalicio de Jesús Cristo Redentor.

Para llevar acabo el montaje, compitieron con su texto un poco más de cincuenta personas, entre las cuales fueron seleccionados solamente cuatro cuentos, siendo el primero el que se intitula “Un buen padre” original de José Carlos Illanes, dirigido por Mario Alberto Monroy, con Mauricio Llera.

En él, un hombre haciendo remembranzas de su niñez y en especial de la época navideña, narra las frustraciones que le causaron la manera cruenta en que su madre a la edad de los nueve años de edad, le hicieron saber que no existía Santa Claus, rompiéndole sus ilusiones y confianza respecto a la gente cercana, quienes le parecieron que con burla durante años siguieron el engaño de sus padres. Dichos sentimientos repercutirían posteriormente en su desenvolvimiento como padre de familia.

El Segundo cuento seleccionado es “Intercambio” de Zoé Méndez, dirigida por Gabriela Guraieb, con Meraqui Pradis. Es una breve historia en donde aparece protagonizándola una cándida niña, quien narra con ingenuidad las circunstancias adversas en las cuales sus padres se separaron justo en Navidad, haciendo que dicho momento no fuese el hermoso día esperado con ansias e ilusión, momento en el cual además, quedaría marcado en su alma, con la ausencia invaluable de su padre.

El tercero en selección es “Navitrans” original de Martín Quetzal, bajo la dirección de Luis Rodríguez, con Ix Maya Pérez. Es un cuento en el cual un joven chichifo, tras circunstancias adversas es obligaron a vender su cuerpo, tiene un encuentro peculiar con un hombre maduro, quien se muestra amable y benévolo con él, justo en la Noche Navideña. Tras de muchas preguntas, corre el tiempo. El joven chichifo recibe un gran pago, pese a no haber sido realmente solicitado para vender su cuerpo en dicho encuentro. Una cruel realidad desembocara el final de la historia.

Finalmente se presenta “Me C… Chingué al Santa Clos” narrado por la visión y sentimientos de un (a) joven transgénero. Sus constantes cartas en la infancia así como peticiones navideñas, jamás le fueron concedidas. Ante su ingenuidad imagino posibles errores de interpretación en sus cartas por el eminente Santa Claus, pero año, tras año, todo fue igual. Dramaturgia de Gustavo A. Ambrosio, bajo la dirección de Boris Schoemann con Guillermo Villegas.

EL PADRE, EL HIJO, EL CHICHIFO Y LA TRANSESPÍRITU SANTO se esta presenta del 20 al 30 de diciembre, en el Teatro “La Capilla” en la Ciudad de México.

DRAG OPERA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Hermosas voces se conjugan por primera vez para dar vida a la historia romántica de DRAG Opera. Y digo por primera vez, pues el libreto fue escrito actualmente para ser presentado en Debut. En él, mujeres y mayoritariamente hombres DRAG con un llamativo vestuario a la usanza del siglo XVI europeo, recrean la vida difícil de una mujer que vive en el cuerpo de un hombre.

La historia es actuada tanto en lenguaje coloquial español, como en italiano mediante grandes voces operísticas que interpretan en el idioma italiano (con la presentación de subtítulos en nuestro idioma en la parte superior del escenario).

Los cántico narran los sufrimientos que un joven vive, tras de esposarse con una doncella núbil, llevando una vida de barón, la cual no coincide con su esencia femenina. Así un buen día decide hacer patente su intimo secreto, por lo cual es rechazado rotundamente por su madre y la corte en que habita. Una especie de ninfas o acompañantes le llevarán ante la presencia de Aike, con el fin de que intente resolver su dilema.

De dicho modo se muestran las vicisitudes que enfrenta el joven en apariencia. Así se va desarrollando ésta trama, bajo matices un poco chuscos que hacen que el público pase un momento muy agradable, además de gozar de la bellísima música clásica que interpretan, de algunos grandes autores de fama internacional, haciéndolo en vivo.

“DRAG OPERA” es una idea original de Yreh Morales, bajo el libreto de Oscar Illescas. La representación operística tendrá lugar a inicios del Año entrante 2019, el Teatro Wilberto Cantón del SOGEM tras de haber sido estrenada para la prensa el pasado martes 18 de diciembre, con L’Arte della Perla. Esta es una Compañía creativa que incluye mediante hermosas voces operísticas, cánticos italianos, dando inicio con la Opertura denominada “L’Olimpiada de Vivaldi (1678-1741).

DRAG OPERA es un montaje escénico el cual cuenta de dos actos mediante los cuales también se incluye música de Monteverdi (1567-1643) , de Giacomelli (1694-17409) y Handel (1685-1759).

La música tocada por el Maestro Edwin Calderón es interpretada por los cantantes Italo Greco (contratenor), Irene Rodríguez (soprano), Yreh Morales (bajo), Alma Angélica Santos (soprano), Oscar Dávila (contratenor) y Christian Alvarado (tenor). Todos ellos junto con César Borge, Oscar Illescas y Adán Luna interpretando Una, Dua e Tria, bajo la musicalización del maestro Edwin Calderón (continuo).

La idea original del montaje operístico es de Yreh Morales, quien concretó su proyecto con la colaboración en la elaboración del libreto, de Oscar Illescas, como a-priori comenté. “DRAG Opera” se presentó para prensa e invitados el día martes 18 de diciembre, gracias al apoyo del Maestro Klaus Muehaeeusser en la realización y por el patrocinio de la Compañía Eliezer BenLiezer.

Finalmente le comentaré qué “DRAG Opera” fue muy ovacionada con los calurosos aplausos de los espectadores, iniciándose la función como coloquialmente se dice “CON EL PIE DERECHO”. ¡En hora buena L’ART DELLA PERLA!

PRODUCTO FARMACÉUTICO PARA IMBÉCILES

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

¿Qué vemos cuando nada ni nadie nos mira de vuelta? Es la pregunta que Catalino Risperdal, un ex guardia del museo, hoy convertido en artista, nos hará al conducirnos por los límites entre la línea Blanca que delimita la frontera entre la obra y ese acto de fe que nos convoca a señalar algo como “arte”.

Bajo ésta tónica que se expresa en el programa, es que gira la trama en torno a un museo cualquiera de la época actual, en donde el custodio, tras el paso del tiempo decide convertirse en el “artista plástico” bajo premisas absurdas en donde se ve envuelta un roedor al que rescata y decide alojar en dicho recito cultural, en calidad de acompañante y vigilante.

El custodio cuyo nombre es Catalino Risperdal (Mario Alberto Monroy) bajo la tónica artística del 2intervensionismo” alojado en la corriente pictórica contemporánea, decide instalar dentro de una de las salas del museo una constante caída de arena, desde el techo hasta un recuadro marcado en el piso. Esto justificándolo como su auto-retrato.

Además ubica otra de sus pretendidas obras de arte al extremo contrario de la sala, que consiste en una silla en miniatura junto a un supuesto excremento, limitando el paso de los visitantes, como se suele acostumbrar con el contorno de “una línea” la cual constantemente vigila de no ser excedida por persona alguna, en aras del resguardo de su obra artística.

Pero en ésta simulacro no podía faltar la presentación de un crítico de arte, el cual es caracterizado bajo el rol del actor Alonso Iñiguez, ni por supuesto para complementar el cuadro, el personaje de una adinerada y compulsiva compradora de arte, caracterizada por Romina Coccío y/o Carmen Ramos.

Esta obra original de Verónica Bujeiro cuyos matices son farsicos , bajo la dirección escénica de Angélica Roel, termina siendo una sátira no sólo al arte contemporáneo o abstracto, en donde la premisa consiste en ser un acto absurdo pero creativo o ingenioso, producto más allá de las normas, las cuales por supuesto se pueden romper sin mesura. Es bajo esas premisas que el artista, en algunas ocasiones llega al absurdo de crear cosas carentes de toda estética y lógica alguna.

Pero entonces ser tan afamados ¿cómo lo logran?. Es una de las respuestas más difíciles hoy en día para responder, sin embargo hay quienes aseguran qué es el criterio de los críticos y de “los curadores de arte” en definitiva, determinan con su apoyo o rechazo el futuro del pretendido artista.

Por ello, aludiendo un poco al posible responsable de dicho movimiento, es decir al reconocido artista plástico Andy Warhol (Pittsburgh, Pensilvania 1928-1987) le comentaremos qué su arte y fama comenzaron con la decoración de latas de alimento que introdujo en un museo newyorkino en calidad de “pieza de arte creativo”; hecho que le envió directamente al éxito y por supuesto, a ser coronado como el padre de el entonces nuevo movimiento artístico denominado ”Pop Art” o “Expresionismo Abstracto”, catapultándolo definitivamente de manera internacional, con su “obra maestra”.

PRODUCTO FARMACÉUTICO PARA IMBÉCILES bajo la producción de teatro INBA continuará presentándose en el Teatro El Granero, Xavier Rojas, los fines de semana hasta el domingo 16 de diciembre..

UN BANQUETE PARA EL DIFUNTO DON QUIJOTE.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“Don Quijote de la Mancha” el clásico de Miguel d Cervantes Saavedra nacido en Alcalá de Henares (1547-1616) ha sido una de las obras más importantes de la Literatura universal y de la Época del Siglo de Oro Español. Escrita en dos partes, la primera vez fue publicada bajo el título de “El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha” en el año de 1615, en tanto que por segunda vez se intituló simplemente como “Don Quijote de la Mancha”.

La historia a manera de un brevísimo resumen trata de lo siguiente, como se puede leer de manera textual en la página Internet de Google (Inondik Inora, 2008 -05-12).

-“Alonso Quijano es un hidalgo pobre de la Mancha, que de tanto leer novelas de caballería acaba enloqueciendo y creyendo ser un caballero andante, nombrándose a sí mismo como Don Quijote de la Mancha. Sus intenciones son ayudar a los pobres y desfavorecidos, y lograr el amor de la supuesta Dulcinea del Toboso, que es en realidad es una campesina llamada Aldonza Lorenzo. La primera salida la hace solo, pero regresa en poco tiempo a casa y decide nombrar a Sancho Panza, un empleado suyo, escudero. Juntos realizan la segunda salida, en la que viven más de una aventura: Don Quijote ve y ataca a unos gigantes que en realidad resultan ser molinos de viento, confunde un rebaño con un ejército, tiene más de una disputa, una de ellas con un vizcaíno, y llega a enfrentarse a unos leones. Finalmente, y tras hacer penitencia en un bosque, es capturado por el cura y el barbero de su pueblo y llevado a casa en una jaula tra ser engañado para ayudar a la supuesta princesa Micomicona.

En la tercera y última salida, las aventuras más destacadas son las de La cueva de Montesinos, donde Don Quijote sueña mil maravillas, el rebuzno de Sancho Panza, y para finalizar, la derrota de Don Quijote ante el Caballero de la Blanca Luna, razón por la que se retira su hogar, donde, tras adquirir de nuevo la cordura, fallece.”-

Pero en ésta ocasión bajo la autoría de Alejandro Román y Luis Martín Solís, tan importante obra ha sido la inspiración de la puesta en escena de UN BANQUETE PARA EL DIFUNTO DON QUIJOTE bajo la dirección artística de éste ultimo, en donde parte de la historia es recreada de manera muy peculiar por parte de la compañía “La Bomba Teatro”.

De tal modo que la dramaturgia escrita para el divertimento de toda la familia, es una propuesta escénica muy creativa que parte del supuesto del sepelio de Don Alonso de Quijano, el tan afamado español quien se auto-nominara “Don Quijote de la Mancha” tras perder su cordura leyendo en demasía, libros de caballeros andantes e Hidalgos en pos del bien común de su pueblo.

Todo surge entre bebidas, jolgorio, banquete, chismes, burlas e intrigas por parte de los dolientes, mientras se proponen darle sagrada sepultura al cadáver de tan afamado personaje. Así surge una propuesta escénica muy peculiar en donde acrobacias, magia, baile y cantos, amenizan la obra teatral entre risas de UN BANQUETE PARA EL DIFUNTO DON QUIJOTE.

Con músicos en vivo a cargo de Alejandro Preisser y Gary Anzures, el colorido montaje escenográfico de Vladimir Maislin inició su periodo de representaciones en el Teatro Julio Castillo con horario matinée a partir de pasado sábado 17 de noviembre, teniendo como reparto estelar a Kenia Delgadillo, Judit Inda, Paola Herrera, Edgar Alonso, Horacio Arango, Cristóbal Salcedo y Giulio Robert.

DOGVILLE

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

“Ciudad de Perro” traducida al español DOGVILLE es un filme danés que fue grabado en enero del año 2003 bajo la dirección artística de Lars von Tries. Fue protagonizada por Nicole Kidman, Lauren Bacall, Chloë Sevigny, Paul Bettany y Stella Skarsgard entre otros grandes actores que la hicieron merecedora al premio Bodil como la mejor película danesa, además por supuesto por su texto de gran calidad.

Huyendo de unos gángsteres, una mujer acepta trabajar para los residentes de un pueblo a cambio de un refugio.

Esta es la leyenda mostrada en Google sobre la trama de la película, historia qué por su popularidad también ha sido llevada al escenario teatral. En esta ocasión en el Centro Cultural Helénico se ha estado presentando llenando foro, cada día lunes.

El tiempo en escenario de más o menos tres horas, al igual que en la pantalla grande que es exactamente de 2 horas con 59 minutos. Sin embargo, no solamente es parecida en dicho aspecto, sino que además el texto es respetado también con mucha fidelidad; es decir qué tanto los diálogos traducidos al español, como las escenas, son en lo posible al ser representarlas, muy parecidas.

Esto si tomamos en cuenta qué muchas de las puestas en escena de obras tanto literarias como fílmicas populares, al ser adaptadas en escenarios teatrales les realizan tantos cambios que incluso, acaban por ser tan sólo un fragmento o un remedo de la obra original, cuyo título pareciera ser solamente un pretexto para atraer al público a un montaje totalmente diferente.

La miseria humana, el abuso, la incomprensión y la prepotencia, son los elementos medulares que comprenden la historia de DOGVILLE cuyo título incluye el nombre del pequeño pueblo estadounidense, en donde se recrea la historia a mediados del siglo pasado como según se establece de manera ficcionalizada en la trama de ésta obra.

Grace, caracterizada por Ximena Romo, es una joven mujer que porta un ropaje muy elegante. Va huyendo de un grupo de gángsters quienes la persiguen en lujosos automóviles. Ella casualmente llega a un pequeño pueblo llamado DOGVILLE prácticamente desconocido, cuyas viviendas antiguas hablan de la sencillez de sus habitantes.

Poco poblado DOGVILLE esta ocupado por un pequeño grupo de buenas y respetuosas personas, quienes se conocen perfectamente entre ellas. Esa noche Grace se encuentra con un hombre joven, cuyo nombre es Tomás Edison jr. (Sergio Bonilla).

Tom al ver a la mujer en apuros, le ofrece esconderla en su pueblo, presentarla con el resto de sus habitantes, a quienes deberá convencer para poder alojarse temporalmente en DOGVILLE. Para lo cual deberá ser aceptada de manera unánime, como requisito elemental.

Grace, tras de ser acogida por un periodo tan sólo 15 días, se ofrece en ayudar a cada uno de los pobladores en sus tareas cotidianas. El tiempo irá cambiando la amabilidad y honestidad de los pobladores, quienes por ciertas circunstancias y mal entendidos, se irán convirtiendo poco a poco en una verdadera pesadilla para la chica, a quien incluso encadenan, rodeando con un collarín su cuello, para impedir de ese modo que ella escape.

En la obra actúan también Rodolfo Arias, Claudia Ramírez, Pablo Perroni, Luis Miguel Lombana, Carmen Delgado, Gerardo González, Mercedes Olea, Judith Inda, Francisco de la Reguera, Ana Kupfer, Christopher Aguilasocho, Diego Cooper, Francisco Hernández Castelán, Jerónimo Suárez Inda, Carlos Fernández y Allán Téllez, todos ellos mostrando gran talento histriónico, bajo la magnífica dirección y versión en español de Fernándo Canex.

TODOS LOS SANTOS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Este monólogo aborda la temática de la mujer indígena contemporánea. La mujer trabaja sembrando preguntas, abriendo la tierra con esperanza. Es una obra donde hablará la tierra y el sentido de identidad.

María fue desplazada de su hogar y tuvo qué convertirse en empleada doméstica para sobrevivir. Trabaja haciéndole la limpieza a una mujer muy ocupada con quien está agradecida por haberle permitido vivir en su hogar. María desea ir a su pueblo para estar en la festividad de Todos Santos, para honrar así a sus muertos. El viaje que hará será largo y dejará todo listo en la casa para que su patrona no sienta tanto su ausencia

Con la actuación estelar de Mayra Sérbulo y la música en vivo de Ariel Torres, ambos también productores de la obra teatral, el monólogo TODOS LOS SANTOS cuya autora es Mónica Perea, bajo la dirección de Sixto Castro Santillán, se presentó como única función, en el Teatro Santa Catarina en Coyoacán. Ello fue el pasado sábado 17 de noviembre a las 19:00 horas de manera gratuita.

Bajo dichas premisas, la Compañía Productora escribió los párrafos con las cuales doy inicio a la presente nota, como Ustedes bien pudieron leer al inicio. Aseveraciones las cuales sirven de sinopsis a la trama de la obra TODOS LOS SANTO, la cual tiene como consigna el ser una puesta en escena de denuncia en contra del abuso de algunos pueblos indígenas, lo cual la convierte en una obra del género indianista, por su tratamiento controversial y la visión vulnerable con la cual mira al pueblo indígena.

Para entender un poco más la historia, le comentaré qué el día de TODOS LOS SANTOS es una festividad de la iglesia católica latina, cuyo mito bizantino es conmemorado el primer día de la Pentecostés de la iglesia Ortodoxa en fecha del 1ª de noviembre. Rito que no es lo mismo que el de los fieles difuntos, con el cual suele confundirse.

Este comentario viene a colación, pues es en torno a éste rito, que se desenvuelve la trama. Mismo que sirve un poco de pretexto a la escritora de la obra, para hacer remembranzas del pasado por parte del único personaje narrador, que viene a ser en la historia María, quien cuenta su propia historia partiendo del día en que se enamorara y contrajera nupcias con Pedro, su marido, el cual tiempo más tarde fuese asesinado por las fuerzas armadas que un día se avecinaran a su pueblo, cometiendo arbitrariedades, y entre otras cosas, sometiéndola con golpes, a una violación.

Sin embargo por azares del destino, su único hijo Pedrito ingresaría a formar parte de dicha armada en la cual por cierto, encontraría también la muerte. María sepulta a sus dos difuntos uno junto al otro y con el paso del tiempo, tras de haber dejado su pueblo, intentará volver para rendir homenaje a sus muertos acudiendo, para ello al ritual de TODOS LOS SANTOS.

Regresa a escena CASA CALABAZA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Escribir es un acto de fe, un afán de narrarse a sí mismo, siempre persiguiendo el hilo de su propia existencia; ya lo dijo en su momento en su momento Paul Auster, al recordarnos que escribir no es una cuestión de libre albedrío, es un acto de supervivencia; sin embargo, pienso en aquellos escritores que practican su oficio desde territorios verdaderamente marginales ¿que combate interno puede generarse en un autor que acaba de cometer un crimen?

Estos escritores macbethianos, han sido protagonistas del horror, han hecho de lo trágico un elemento constitutivo para escribir, desafiando sus propio demonio interior, tal como lo describe Edipo frente al horror de su acto parricida. Este es el caso de María Elena Moreno Márquez. –Maye- como la apodan sus compañeras de celda.

Denise Anzures.

Seguramente Usted se pregunta ¿quién es María Elena Moreno Márquez? Pues bien, le contestaré que es la escritora de la obra CASA CALABAZA (y de otros textos más) un drama que desafortunadamente no nació solo de la pluma y la imaginación de la autora, sino que constituye un hecho de la vida real. Bien se dice que la realidad supera a la ficción.

Es una tragedia que sucedió en el seno de una familia mexicana de más o menos buena posición económica; posición adquirida por parte maternal, según se deja entreveer durante la trama escénica, en donde una mujer, debido a haber sido preñada por un buen hombre, toma la decisión de contraer nupcias con él.

Dicho suceso la atormentará, destruyéndole la vida a dicha mujer, quien en consecuencia aborrecerá toda su vida a su hija sin tomar consciencia de ello, culpándola por su desafortunio y tachándola constantemente de inútil y poco inteligente, entre otras muchas agresiones psicológicas. La vida de la hija se torna gris, pese al amor y comprensión que siempre le brinda su padre, un hombre opacado y vejado constantemente por su mujer.

Por otro lado en la obra teatral surge un personaje ficticio, en el sentido en que si bien, siempre parece estar presente mediante los diálogos de la trama, nunca aparece en escena. Dicho personaje es la abuela paterna, quien empero, toma gran importancia en el desenlace de la historia.

La obra al parecer se dio a conocer en el año 2014 y ha sido traducida al inglés por Alicia Escárcega, Fernando Sánchez y Erick Sedano. Debido al éxito obtenido con acuerdo con el director del reclusorio femenino en donde aún se aloja a la autora de CASA CALABAZA cuyo texto fue transformado en obra teatral por parte del dramaturgo Luis Eduardo Lee.

De este modo CASA CALABAZA fue presentada bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y la Secretaría de Cultura, en el teatro El Galeón, cerrando ciclo con 50 representaciones, motivo por el cual fue ovacionada con una debelación de una placa el día domingo 17 de junio en presencia de su misma escritora Maye, a quien permitieron salir de su celda, para asistir al evento.

En dicha ocasión ella se mostró muy agradecida y evidentemente conmovida por el apoyo brindado y por la puesta en escena teatral bajo la dirección artística de Isael Almanza, la cual comentó con otras palabras, que le pareció estupenda.

En CASA CALABAZA actuaron la primera actriz Ángeles Marín junto con buenos actores como Manuel Domínguez y Patricia Hernández, Mireya González y Gloria Castro; éstas tres últimas caracterizando el rol protagónico.

Hoy en día se planea iniciar temporada en el Foro del Teatro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico, los días domingos a las 18:00 horas a partir del próximo día domingo 25 de noviembre.

Vuelve WENSES Y LALA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

Ovacionada como la Mejor Obra Teatral de la 1ª Edición de los Premios Metropolitanos *, la puesta en escena WENSES Y LALA volverá a tocar escenario, siendo en esta ocasión en la Sala A, de la Teatrería. Las representaciones comenzarán este martes 20 de noviembre en horario de las 20:30 horas con la Compañía productora “Tres Tristes Tigres”.

Ya con fecha del día 23 de febrero del año antepasado, en el teatro BANAMEX Santa Fe de la Plaza Comercial Zentrika, se había estado representando WENSES Y LALA. Acudiendo para tan importante ocasión en la revelación de placa, la Señora Paty Chapoy con todo su equipo de ventaneando, en compañía de su entonces productor teatral, el Señor Morris Gilbert.

La obra fue elogiada por la crítica periodística por su esplendida actuación y su texto muy bien escrito, llenando totalmente el foro del Teatro Xavier Villaurrutia, en el Centro Cultural del Bosque, bajo la producción del Instituto Nacional de Bellas Artes, en donde inicialmente comenzó una breve temporada.

La obra es original de Adrián Vázquez quien además de dirigir actúa en compañía de la actriz Teté Espinoza, quien aparece en escena protagonizando la obra, como su pareja sentimental dentro del melodrama.

La obra ya había tenido gran audiencia llenando el foro Xavier Villaurrutia en el Centro Cultural del Bosque en donde cubrió temporada en dos ocasiones, debido a la gran audiencia que logró reunir.

Es una dramaturgia con una trama en donde surge una historia de amor y amistad que es narra ante el encuentro de dos niños, quienes ante la adversidad se enfrentan solos en el mundo, tras el trágico fin que tiene sus progenitores, hecho que les llevará a unir sus destinos ante la soledad.

La adolescencia llega, con ella el amor y la pasión; empero a ello aparece otro hombre disputando la pasión y la compañía de la joven.

La historia es narrada a detalle por ambos personajes, haciendo desde reír, hasta llorar y conmover a gran parte del público asistente, con sus diálogos sencillos de manera coloquial y local acorde a la provincia en que se sugiere surge el drama.

Todo ello enmarcado con cantos ocasionales que brindan los personajes durante el tiempo escénico presentado en un solo cuadro escenográfico, en donde solamente se presentan como apoyo escénico una banca, desde donde la pareja cuentan los pormenores de sus vivencias de manera amena.

El amor triunfal no impiden un final desgarrador para algunos, en tanto que bello para otros espectadores, ello es sólo cuestión de enfoque.

* Fue premiada por APT AGrupación de Periodistas Teatrales, dos año antes.

LOS FRAGMENTOS DE MARY

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“Impromtu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein” como es denominada la obra teatral intitulada LOS FRAGMENTOS DE MARY que se acaba de estrenar en el foro del Teatro“La Capilla. Dramaturgia la cual es interpretada bajo la aparente primicia de la escritora Mary Shelley (1797-1852) quien como es sabido es la autora de una de las más controvertidas obras literarias Universales, como lo es FRANKENSTEIN or The Modern Prometheus.

Sin embargo la trama, aún cuado esta inspirada en la creación artística de Mary Shelley, ésta le da un vuelco al intentar indagar minuciosamente en la mente creativa de su autora, hecho por el cual aparecen en escena tres jóvenes actrices, quienes bajo un dejo de rebeldía y exclusión social, intentan matizar la psiquis femenina de la autora británica que va más allá del personaje de Elizabeth.

Por supuesto que no podían faltar en escena la escenificación y temperamento agonizante y superdotado del joven científico y su creación monstruosa. Con dicho personaje se inicia la trama teatral introducida mediante un breve monólogo efectuado fuera del foro, mismo personaje que invita al público presente a abordar sus butacas.

Como Usted sabe, en 1816 se dio a conocer ésta innovadora novela científica o de terror escrita bajo la autoría, como a-priori menciono, de la inglesa Mary Sheller, la cual, no solamente sorprendió y cautivó a sus lectores catapultándose como una de las grandes figuras literarias del siglo XIX, sino que además, su obra sería llevada a la pantalla cinematográfica y con ello, a ser una de las películas más taquilleras, además de ser de las novelas más traducidas en diferentes idiomas y publicadas en el mundo entero.

Los personajes protagónicos por supuesto son Víctor y su monstruo creado a base de algunas partes de los cadáveres, desenterradas del cementerio por parte de algunos hombres quienes por cierto pago monetario, rendían dicho trabajo al joven científico, quien pagaba en aras de dar vida con los restos humanos, al monstruo que llevase el apellido de su creador, Víctor Frankestein, con ello, desafiando no sólo a la naturaleza, sino al mismo Dios.

Dado por un hecho el conocimiento de la historia por parte de los espectadores, es que el dramaturgo y director de esta puesta en escena, el Señor Roberto Eslava, presenta su versión apoyándose en parte medular de la historia, para reconstruirla bajo su propia visión y perspectiva, mediante un montaje escénico que invita a la reinterpretación de éste texto emblemático del Romanticismo Literario. Esto bajo un toque lúdico que invita a la reflección sobre la condición humana y el orden socialmente establecido.

“Traslapo Teatro” presenta de dicho modo una historia, cuyos diálogos imaginarios surrealistas, van a través de un juego sin linealidad temporal a establecer una comunicación directa con el público, la cual denominan “metateatral” que mediante un discurso irónico e hilarante, va más allá de lo onírico e imaginario.

HÉRCULES Un héroe de leyenda.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La trama de la obra teatral nos narra la historia de HÉRCULES o Heracles. Pero ¿quién fue HERCULES? Como es de casi todos bien sabido, fue el héroe tebano convertido en un mito o leyenda, tanto por los griegos como por los romanos. Se dice que al nacer recibió el nombre de su abuelo, Alceo, como según reza esta leyenda tan difundida por el mundo.

HÉRCULES era el hijo del Dios de Dioses griego, llamado Zeus ( Júpiter para los romanos) mismo quien le legara la fuerza extrema a su hijo. Su madre fue la reina mortal llamada Alcmena. Como se narra, HÉRCULES creció bajo la protección de su padre adoptivo Anfitrión, de quien creyó mucho tiempo ser hijo genético, pero un buen día su padre Zeus se le presentó, narrándole su origen de semi-dios.

Le argumentó que si quería convertirse en un verdadero Dios, debía tener una vida llena de méritos, por lo cual le sugirió que fuese entrenado por el fauno Filoctetes; pero como en toda historia el mal no podía faltar, como contrapeso aparece Hades.

Hades era el Dios del inframundo, por cierto, hermano de Zeus, quien intenta impedir que HÉRCULES se convierta en un verdadero héroe, y con ello, habite en el Olimpo en calidad de un verdadero Dios.

Tampoco podía faltar la pareja sentimental de HÉRCULES, es decir Megara, quien en la obra se encuentra caracterizada por la actriz protagónica Violeta Isfel Garma García (nacida en el D.F. en 1985) de quien le comentaremos como un plus qué el día de ayer, en base al reconocimiento por su trayectoria de 25 años cumplidos en los escenarios, se le ofreció una función especial de Honor en la cual asistió para tal efecto, la primera actriz Carmen Salinas Lozano (nacida en Torreón en el año de 1939).

Carmelita Salinas, a colación comentó a la prensa su satisfacción por ser invitada, aprovechando para agregar qué ella también acaba de cumplir 65 años de trayectoria como actriz e imitadora, llegando en otro tiempo a imitar alrededor de 100 diferentes voces.

Carmelita Salinas además se ha desempeñado en el medio de la política, llegando a ocupar el cargo de Diputada y actualmente incluso, ha fungido como productora en el medio artístico, en donde como por demás esta decirlo, ya es muy destacada.

La obra infantil de HÉRCULES esta dirigida por el Señor Miguel Alonso en dos tiempos escénicos, apoyándose ocasionalmente con “Voces en Off” a cargo de Luis Armando Reséndiz y Ernest Gou, bajo el libreto creativo de su misma autoría.

La historia se presenta bajo un pequeño toque de mexicanismos, introduciendo además algunos muñecos guiñol, para el atractivo de los pequeñitos, quienes acuden entusiastas a ver ésta ingeniosa versión de HÉRCULES producida por el Señor Salvador Varela.

La obra teatral infantil HÉRCULES se ha estado presentado con éxito en horario matinée, en el foro del Teatro Venustiano Carranza en nuestra ciudad de México, teniendo como reparto estelar a jóvenes valores entre los cuales se encuentran Samuel Zarazúa, Violeta Isfel, Leonardo Amézquita, Carlo Delgado, David Rodvel, Michelle Franco, Pipiz y como invitada especial, la actriz y comediante Aída Pierce

LA GRAN FAMILIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“El 18 de Julio de 2014, México amaneció con una noticia extraña: la policía Federal Preventiva había realizado un magno operativo contra la casa hogar, dirigida por una anciana de ochenta años conocida como “Mamá Rosa”. En los días siguientes, los medios estaban cargados de versiones contradictorias, usualmente de corte moral. ¿Quien era Mamá Rosa? ¿Una Madre Teresa o una institutriz Dickensiana?¿O acaso un cacique al Viejo estilo priísta? “-

Más o menos así surgió la noticia sobre dicho caso real sucedido cuatro años atrás, como los mismos Señores Claudio y Alberto Lomnitz, escritores de la obra teatral LA GRAN FAMILIA expresan textualmente y, con cuyo párrafo inicio esta nota.

Fue una noticia periodística que algunos tomaron como un caso de distracción hacia los lectores, para minimizar la magnitud que significaba la reforma energética en nuestro país que estaba en voga. Cierto o no, fue un caso que dejo muchas dudas sin resolver ante todo sobre los aparentes casos de abuso, violación y trato infrahumano que recibieran algunos de los niños o todos los integrantes de la casa hogar. Sin embargo, las cámaras tomaron fotografías del lugar pestilente y carente de servicios en normal estado.

La casa hogar denominada LA GRAN FAMILIA fue instituida por una mujer solterona adinerada, perteneciente a una de las siete familias, más prestigiosas de la región de Zamora, Michoacán.

Dicha mujer en aras de ayudar a los niños desprotegidos de la calle, adoptaba a cualquier menor de edad necesitado, brindándole su apellido, hogar y protección. A los infantes se les enseñaba a ser útiles a la sociedad, para que llegada la mayoría de edad, pudiesen valerse solos en el grueso de la población. Bajo dicha tónica el gobierno local apoyó con algunos recursos a dicho predio, el cual funcionó por más de 50 años como albergue de la Señora Rosa del Carmen Verduzco Verduzco.

La puesta en escena maneja diversos puntos de vista tanto en Pro como en contra, desde la opinión de algunas instituciones que dieron su apoyo a la casa-hogar, así como del caso policial en el que se vio envuelta Mamá Rosa y algunos de sus colaboradores.

Este interesante caso policial cerrado, ante la pluma de los Lomnitz quedó plasmado como una creativa revista musical, presentada por el patrocinio de la Compañía Nacional de Teatro. Además formó parte de una de las obras presentadas en el reciente Festival Nacional de Teatro.

Con una genial escenografía a cargo de Sergio Villegas que permite visualizar los distintos staff que la historia precisa, se representa desde la breve biografía de dicha Señora Rosa del Carmen Verduzco Verduzco, hasta la detención por parte de las autoridades locales y, con ello, la desaparición del albergue y la abolición de los niños vistos en aquel momento como victimas. Ello mediante el manejo de retrospecciones y prospecciones temporales que permiten apreciar los hechos sin una linealidad cronológica.

Aunado a ello la presencia en vivo bajo la batuta del piano y el acordeón de Carlos Matus, hizo que la revista musical fuese realmente un deleite para el público quien con un efusivo aplauso ovacionó la obra.

Además cuenta con un gran reparto estelar conformado por Angelina Peláez, Erika de la Llave, Azalia Ortiz, Nader Riloba, Olaff Herrera, Fernando Huerta, Ichi Balmori, Eduardo Candás, Gabriela Núñez, Pilar Padilla, Rodrigo Vázquez, Alan Uribe, Astrid Romo, Pilar Padilla, María del Mar y Carlos Orozco.

LA GRAN FAMILIA se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural Universitario.

VISCERAL
POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La constante lucha y vorágine que en la actualidad se desenvuelven,
padecen muchos milenios al ser el producto de una sociedad cada vez
más mecánica, carente de valores y estima hacia los demás, es lo que
proyecta la obra teatral VISCERAL cuya autoría y dirección corren a
cargo de Adrián Vázquez.

La crudeza del texto cautivó anteriormente a algunos espectadores y
periodista que habían visto esta puesta en escena, la cual vuelve,
dado al éxito que obtuviera, pues ya anteriormente se había presentado
en el foro del teatro La Capilla cubriendo tres únicas funciones.
Ahora regresa esta historia desgarradora cubriendo temporada los días
domingos en el foro B de La Teatrería.

Con la actuación protagónica de la joven actriz Verónica Bravo, quien
caracteriza con gran naturalidad al personaje de una mujer que a
temprana edad sufre de soledad y desconsuelo ante la fallida relación
amorosa de sus padres, además del desapego con sus hermanos y el
desconsuelo de atender a una madre víctima del cáncer.

VISCERAL es una trama con un alto contenido psicológico que posee el
personaje de Verónica, una joven que vive el desconsuelo de una
realidad inhóspita a la cual debe enfrentar, usando como escudo la
agresividad, como de entrada, hace saber el resumen de la obra
expuesta en el programa:

-“ En una mañana de invierno, en el trayecto de su casa al hospital
donde su madre se encuentra en estado terminal, la protagonista nos
hace un recuerdo de su vida y nos muestra las atrocidades que conlleva
vivir en este país, contándolo de una manera VISCERAL”.-
Y justamente en título de este drama constituye la parte medular de la
historia. Lleno de rencor y de odio hacia todo y hacia todos, el
personaje de Verónica padece, como resultado de una pronta vida
deshecha por la desesperanza por la incomprensión, una soledad que
enfrenta con odio y agresividad. El personaje por otro lado, ante tal
desconsuelo se refugia en un explosivo manejo mal entendido de su
sexualidad, usándola como arma para herir a los demás,
autodestruyéndose.

Los diálogos están plagados de palabras altisonante, como hoy en día
suelen expresarse muchos jóvenes, pero que a diferencia de ellos,
llevan explícitos carga emotiva plagada de agresividad e ironía ante
la vida fatídica que enfrenta.
El personaje es chato y se maneja bajo el recurso del monólogo,
apareciendo como un Yo protagónico y narrativo de sus propias
experiencias y frustraciones, con diálogos que aluden a terceras
personas que intenta describir desde su propia perspectiva limitante.
En el drama, de pronto unas palabras escritas parecen recobrarle al
personaje de Verónica ánimo ante la vida, la cual podría ser vista de
otro modo. Así, manejado como un texto de denuncia, esto y más es
parte del monólogo que forma parte de la obra teatral VISCERAL,

montaje presentado por la Compañía “Tres Tristes Tigres” que aún
siendo ficción, reflejan de manera cercana la vida de algunos jóvenes
milenios qué empero a todo, aún quieren soñar con una mejor vida en
este país.

AMOR ES MÁS LABERINTO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Poesía de la escritora novohispana perteneciente al siglo de Oro Español, Sor Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santilla, nacida en Napantla, México en 1648-1695, más conocida como Sor Juana Inés de la Cruz. Religiosa de la Orden de San Jerónimo y sonetos de Fray Iván de Guevara (religioso mexicano Agustino, nato en 1938) cuya letra se basa en los textos de Fenix de América del 2015.

La dramaturgia corrió bajo la versión de Natalia Menéndez Araujo y La Rendija Rendija Colaboración Artística de Oscar Urrutia y Raquel Araujo. Y le comentaremos qué en éste mes de noviembre que estamos iniciando, la puesta en escena de AMOR ES MÄS LABERINTO esta formando parte de La Muestra Nacional de Teatro.

La obra respeta la métrica de la versificación y los sonetos. Por otro lado la obra clásica de Teseo Príncipe de Creta, aún cuando esta adaptada a manera de comedia picaresca, en cuanto al desarrollo de sucesos con personajes chuscos, como el de Salmón, el criado de Teseo, la obra teatral es tratada a manera de novela de enredos e intrigas.

Por otro lado le podemos comentar que el referente de la historia es la Antigua Creta, sin embargo juega con la temporalidad, empalmando tanto a la época del Imperio Cretense, en donde la guerra, la magia y el oráculo mantenían un papel preponderante, como al milenio actual en donde el botox como la cirugía están en moda.

Con tintes de novela épica AMOR ES MÁS LABERINTO se representa muy ad-hoc con el texto adaptado de manera vanguardista. Presenta elementos clásicos como modernos tanto en el vestuario, como en la ambientación y en la utilería, los cual combinan ambos periodos, enmarcando la época tanto de Teseo, como la era contemporánea.

La historia trata de la recreación de la tragedia clásica con algunas variantes qué los adaptadores de la obra, hacen visibles con diálogos que son dirigidos ocasionalmente por medio de algunos de los personajes, hacia el público presente; trama clásica, la cual a manera de Sinopsis se encuentra publicada en Internet como crónica o promocional de AMOR ES MÁS LABERINTO y que de manera textual, reza de la siguiente manera:

Por Saúl Campos/ Andrógeno, el hijo de Minos, Rey De Creta, ha sido asesinado, empero, su muerte no será en vano, ya que su padre ha decidido vengar su muerte ofreciendo sacrificios de la ciudad de Atenas al Minotauro encerrado en el laberinto. Cuando el príncipe Teseo sea enviado a Creta para cumplir la funesta labor, las princesas Fedra y Ariadna se verán envueltas en un enredo amoroso a fin de obtener el amor del héroe, conflicto a intensificarse cuando los pretendientes de ambas, Lidoreo y Baco se vean envueltos en el enredo ¿Podrá el amor verdadero derrotar a la fuerza del laberinto? ¿O será el amor mismo un destino más horrendo, que sucumbir ante las fauces de la bestia?

Con un reparto en el cual se encuentran actuando en el papel de Minos la actriz Zaide Silvia Gutiérrez y Katenka Ángeles, como Ariadna, Victoria Benet y Claudia Guerrero, en el papel de Fedra Indra Ordaz y como Teseo el actor Gibran Solar.

Artún y Racimo son caracterizados por Nara Pech y Ana Lucía Ramírez, como Baco actúa Jorge Castro y Zaab Di Hernández, Lidoro es Luis Domingo González, en el rol de Cintia y de Laura se presenta Yaremi Miranda y Alejandra Benavides, y finalmente, Licas es representada por Itzel Rique.

Todos ellos nuevos valores que hacen gala de su talento histriónico forman parte de la gente de teatro quienes junto con algunas Instituciones Nacionales y sus respectivos directivos, se encuentran impulsando al teatro descentralizando su quehacer, camino que como menciona el Señor Enrique Singer, poco a poco está cobrando frutos.

VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados.

Por Dalia D´Leon Adams

Recreada en la obra universal del afamado escritor ruso Antón Pávlovich Chéjov (1860-1904) “Las tres hermanas”(escrita dicho sea de paso en el año de 1900) la dramaturgia “VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados” resulta ser una versión a manera del género de comedia negra. Ésta ventila a una clase burguesa, esnobista, e intelectual, privilegiada, ya en decadencia y llena de prejuicios sociales, la cual es presentada a través de una familia de ficción, es decir, los Freudenbach.

Escrita por la alemana Rebekka Kricheldorf resulta ser una versión irreverente de humor punzante, como la denominan sus mismas compañías denominadas “Perra Justa Producciones”, “Teatro del Mundo” y “Caja Negra”.

La historia enmarca la vida llena de constantes frustraciones de una familia adinerada, venida a menos, cuyos integrantes habitan juntos compartiendo tanto sus miserias económicas, como existenciales.

Se trata de las tres hermanas, Olga, Masha e Irina quienes junto con su único hermano varón llamado Andrei, comparten una vieja villa ya en estado muy deteriorado. Juntos sueñan con un pasado glorioso lleno de comodidades, dejando pasar las pocas oportunidades que les brinda la vida.

Sus personajes grises mantienen las características que comúnmente les infiere Antón Chéjov en sus obras, pues están siempre envueltos de pesimismo y fatalismo, respecto a su existencia y forma de relacionarse con los demás.

En un ambiente moderno, la trama que presenta Rebekka Kricheldom se ubica en la época moderna, en una provincia de Rusia, en tanto que la obra original de Antón Chéjov tiene como referente el ocaso del siglo XIX, en una región de la que entonces aún fuera La Unión Soviética.

Al respecto, en el boletín de prensa de la Compañía Difusora cuya representante es la Señorita Sandra Narváez, se puede leer de manera textual:

-“ Kricheldorf, joven dramaturga alemana, escribe una singular versión que ubica en este milenio y que denuncia con humor punzante la actual decadencia burguesa, el esnobismo intelectual y la aún viva actitud imperialista y xenófoba de las clases sociales privilegiadas de su país a través de los hermanos Freudenbach: Olga, Irina, Masha y Andrei, cuatro adultos Thiers, pseudointelectuales y ninis que, tras la muerte de sus padres, han consumido toda su herencia y no saben qué hacer con sus vidas.”-

Los Freudenbach transferidos al mundo actual toman otro matiz al que Antón Chéjov presentara, pues sus personajes se sitúan en una época en que las mujeres no solían salir a trabajar, pues ello era labor masculina y, mucho menos si se trataba de una familia aristocrática. Además, el emparentar con personas de diferente clase social, no era secularmente bien visto. En cambio en la versión moderna de Rebekka Kricheldorf, la manera de conducirse por parte de la familia Freudenbach suenan pretenciosas, clasistas y obsoletas, de hecho hacen que la obra de Antón Chéjov se transforme de un drama a una comedia de humorismo negro.

“VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados” da peso al onomástico de Irina, la hermana menor quien en aras de encontrar un galán a su medida, termina en soledad. Por otro lado a parecen dos personajes más, siendo el de Janine, la joven esposa de Andrei, quien representa a la clase proletaria, quien además resultará triunfadora e incluso manipuladora, con respecto a la vida familiar de los Freudenbach.

El montaje teatral se encuentra dirigido por Silvia Ortega Vettoretti, con las actuaciones estelares de Mahalat Sánchez, Daniela Zavala, Renata Wimer, José Carriedo, Salvador Hurtado y Sheila Flores, todos ellos actuando con gran plástica actoral.

VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados se presenta en La Teatrería y forma parte de la programación de la denominada Libre Muestra de Teatro de la Ciudad de México que se esta presentado en este mes de noviembre.

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

-“Cinco amigos han vivido encerrados por mucho tiempo. La nieva ha invadido el país y ellos queman libros para darse un poco de calor, sin embargo es tiempo de abandonar el sillón, tomar lo necesario y salir de casa. Da miedo abrir la puerta porque el mundo de afuera es abrumador, pero ¿hasta cuando se puede vivir encerrado?”-

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV es un título bastante sugerente para una obra teatral, en primer lugar porque alude de algún modo al primer párrafo del libro de, uno de nuestros mejores novelistas mexicanos e hito en la historia de las letras hispánicas contemporáneas. Sí, por supuesto que nos referimos al finado escritor Juan Rulfo, con su libro “Pedro Páramo”. ( Autor nacido en Sayula Jalisco 1918 Taganrog y muerto en el Distrito Federal en 1986).

-“Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pedro Páramo, Mi madre me lo dijo.”- (página 7, Editorial Six Barral, España 1983).

Y por supuesto qué dicha nota es mencionada en la trama, durante el tiempo escénico de ésta obra, junto con párrafos de libros muy destacados qué por cierto, escenifican de manera muy breve los jóvenes actores de ésta puesta en escena, en el momento en que simulan quemar varias obras literarias, con el fin de respaldarse del frío extremo, aún muy, a su pesar.

Por otro lado, el título también nos sugiere que la historia esta envuelta en el mágico mundo del afamado dramaturgo ruso Antón Chéjov, quien perteneciera a la corriente psicológica realista y naturalista. (Antón Pavlovich Chekhov nacido en 1860 en Taganrog, Rusia y muerto en 1904 en Alemania).

En la trama por supuesto, son mencionados y escenificados algunos fragmentos esenciales en las novelas de Chéjov; obras entre las cuales estaban por ejemplo, “La gaviota”, “El jardín de los cerezos”, “Las tres hermanas”, “El tío Vania”, Ivanov” y “El oso.

La puesta en escena de cierto modo, termina siendo casi un manual para los fans de Antón Chéjov. En la trama también aparece una serie de elementos de la cultura rusa, además de presentar diálogos en dicho idioma, qué por supuesto, traducen al español, para comodidad y entendimiento del público presente.

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV es una obra fresca, con personajes que aún cuando parecen ser prototipos de la tónica chejoviana, resultan ser diferentes, no tan grises, ni derrotistas, con un futuro fatalista, danles la vuelta con su creatividad e ímpetu, lo cual les transforma de algún modo en personajes triunfadores.

RISAS DE PAPEL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Surgida de un proyecto cuya temática era cuidar el medio ambiente y la promoción de la ecología humanista, entre otros 90 solicitantes la obra RISAS DE PAPEL fue seleccionada y galardonada el día 26 de julio, con el Premio “Coup de Coeur” que en español significa “Flechazo al Corazón”.

Dicho trascendental encuentro escénico se llevó a cabo en una importante ciudad francesa; festival europeo que llevará el título del nombre de la región, es decir, “Festival OFF d’Avignon 2018”.

Esto fue posible gracias a la creación colectiva de “La “Compañía Circonciente” cuya dirección ha estado a cargo de la mexicana Camila Aguirre quien junto con su equipo creativo decidió venir a México.

Tras de dicha gran éxito “La Compañía Circonciente” decidió montarla su obra en la Ciudad de México, bajo el patrocinio del Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro y la Compañía Circonciente, a partir del día sábado 20 de octubre a las 12:30 horas, en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

RISAS DE PAPEL es un espectáculo clown u obra infantil que narra la historia de Botón, un joven vagabundo cuyo hábitat es simplemente un callejón. Su guarida esta construida con una serie de cajas y objetos que ha ido obtenido del basurero, objetos los cuales cuida como si fuesen su gran tesoro.

Su única compañera es “Chawana”, una recién florida planta a la que cuida, pese a su precaria forma de vida. La planta sirve de simbolismo para que el espectador entienda la importancia de cuidar el medio ambiente.

Sobre la puesta en escena de RISAS DE PAPEL en el boletín de prensa pudimos leer:

-“La puesta escénica interdisciplinaria integra el clown, el teatro gestual y la ilustración en vivo, mientras expone contenido crítico y reflexivo con transparencia, poesía y humanidad. El equipo creativo que la hace posible está conformado por el chileno Eduardo Jiménez Cavieres en el diseño de iluminación y escenografía, el diseño del vestuario es de la chilena Rocío Troc Moraga y la creación musical del mexicano Alejandro Preisser.

Circonciente es una agrupación teatral circense con 11 años de trayectoria artística. Creada por Jorge Reza, se encuentra enfocada en desarrollar contenidos que despierten procesos críticos en el público y que contribuyan a la construcción de una sociedad más justa, equitativa y activa….”-

Y justamente el creador de la Compañía, es decir Jorge Reza, es quien actúa con gran naturalidad y simpatía durante todo el tiempo escénico (en compañía de Isabel Gómez Guizar) dándole vida al personaje de Botón el alegre, colorido y altamente humano vagabundo, quien interactúa con el público al cual divierte y hace reír con su espectáculo clown, llevando un mensaje de amor por la naturaleza y por la vida. ¡BIEN MERECIDO EL PREMIO “Coup de cour”!

LOS QUE SOBRAN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Con grandes matices psicológicos la obra teatral LOS QUE SOBRAN bajo la productora “Los tres tristes tigres” es una dramaturgia que nos narra la historia de un grupo de adolescentes, quienes inician la obra describiendo y actúan algunos de los sucesos trascendentales de su vida.

Ellos, tras de haberse identificado como los integrantes del equipo denominado LOS QUE SOBRAN y a manera de denuncia social, cuentan sus vidas. Jóvenes, cada uno de ellos, con una personalidad totalmente diferente, iniciarán contando las desavenencias de sus propias vidas, que les marcaron a partir de los cinco años en su entonces muy cortas existencias.

El cinco en la trama suele ser emblemático al parecer, pues cinco son los adolescentes que inician las narraciones de sus vidas a partir de los cinco años de edad. Cinco forman casualmente el grupo de LOS QUE SOBREN y cinco unen sus vides en un trágico destino.

Por otro también cabe aquí preguntarnos ¿Quién no se ha sentido alguna vez ser parte de ”LOS QUE SOBRAN”? Título en sí sugerente, y si pudiéramos definirlo, diríamos tal vez que son aquellos que no encajan, aquellos solitarios, aquellos disfuncionales, aquellos tímidos, aquellos marginados, o aquellos, simplemente diferentes.

En la historia cierto día un profesor sugiere que los alumnos de la clase se integren en pequeños grupos, para realizar cierta actividad. De inmediato se formaron varios equipos pero, no faltaron aquellos que quedaron excluidos, por lo que el profesor al descubrir algunos jóvenes aislados sugirió: -LOS QUE SOBRAN, formen un equipo”-, dando con ello por resultado, 5 elementos que lo formaron.

Dentro de dicho grupo se encontraba Alejandro, un estudiante tímido e inestable, quien se enamora a primera vista de su compañera de escuela llamada Edith a la cual suele observar; ella es una adolescente agresiva pero con mucha iniciativa y carácter protector, quien defenderá a sus compañeros de equipo de manera violenta. Por otro lado esta Sofía, una chica intelectual, hermana de Alejandro, junto con quien sufre la perdida de sus dos padres. Emilio es un joven con carácter irritable, lo cual le llevará a actuar con violencia ante cualquier injusticia que observe hacia los demás; finalmente está Camila, pequeña, ingenua y divertida, quien sin embargo terminará siendo una gran abogada.

Así, los cinco integrantes del equipo LOS QUE SOBRAN comenzarán su larga amistad en una clase, que sellará sus vidas con un largo y definitivo afecto. Los cinco unirán sus destinos en una serie de sucesos, tanto de momentos de alegría, como de desafortunio.

El elenco esta formado por Pamela Ruiz, Diego Martínez Villa, Lariza Juárez, Omar Sorroza y Valeria Fabbi; todos ellos caracterizando a sus personajes con gran emotividad, lo cual le da más credibilidad a éste drama escrito y dirigido por Adrián Vázquez.

LOS QUE SOBRAN se presentan únicamente los días domingos a las 18:00 horas, en el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico bajo el patrocinio del Gobierno de la República y de La Secretaría de Cultura.

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV.