Dalia D´Leon Adams

 HÉRCULES Un héroe de leyenda.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La trama de la obra teatral nos narra la historia de HÉRCULES o Heracles. Pero ¿quién fue HERCULES? Como es de casi todos bien sabido, fue el héroe tebano convertido en un mito o leyenda, tanto por los griegos como por los romanos. Se dice que al nacer recibió el nombre de su abuelo, Alceo, como según reza esta leyenda tan difundida por el mundo.

HÉRCULES era el hijo del Dios de Dioses griego, llamado Zeus ( Júpiter para los romanos) mismo quien le legara la fuerza extrema a su hijo. Su madre fue la reina mortal llamada Alcmena. Como se narra, HÉRCULES creció bajo la protección de su padre adoptivo Anfitrión, de quien creyó mucho tiempo ser hijo genético, pero un buen día su padre Zeus se le presentó, narrándole su origen de semi-dios.

Le argumentó que si quería convertirse en un verdadero Dios, debía tener una vida llena de méritos, por lo cual le sugirió que fuese entrenado por el fauno Filoctetes; pero como en toda historia el mal no podía faltar, como contrapeso aparece Hades.

Hades era el Dios del inframundo, por cierto, hermano de Zeus, quien intenta impedir que HÉRCULES se convierta en un verdadero héroe, y con ello, habite en el Olimpo en calidad de un verdadero Dios.

Tampoco podía faltar la pareja sentimental de HÉRCULES,  es decir Megara, quien en la obra se encuentra caracterizada por la actriz protagónica Violeta Isfel Garma García (nacida en el D.F. en 1985) de quien le comentaremos como un plus qué el día de ayer, en base al reconocimiento por su trayectoria de 25 años cumplidos en los escenarios, se le ofreció una función especial de Honor en la cual asistió para tal efecto, la primera actriz Carmen Salinas Lozano (nacida en Torreón en el año de 1939).

Carmelita Salinas, a colación comentó a la prensa su satisfacción por ser invitada, aprovechando para  agregar qué ella también acaba de cumplir 65 años de trayectoria como actriz e imitadora, llegando en otro tiempo a imitar alrededor de 100 diferentes voces.

Carmelita Salinas además se ha desempeñado en el medio de la política, llegando a ocupar el cargo de Diputada y actualmente incluso, ha fungido como productora en el medio artístico, en donde como por demás esta decirlo, ya es muy destacada.

La obra infantil de HÉRCULES esta dirigida por el Señor Miguel Alonso en dos tiempos escénicos, apoyándose ocasionalmente con “Voces en Off” a cargo de Luis Armando Reséndiz y Ernest Gou, bajo el libreto creativo de su misma autoría.

La historia se presenta bajo un pequeño toque de mexicanismos, introduciendo además algunos muñecos guiñol, para el atractivo de los pequeñitos, quienes acuden entusiastas a ver ésta ingeniosa versión de HÉRCULES producida por el Señor Salvador Varela.

     

 

La obra teatral infantil HÉRCULES se ha estado presentado con éxito en horario matinée, en el foro del Teatro Venustiano Carranza en nuestra ciudad de México, teniendo como reparto estelar a jóvenes valores entre los cuales se encuentran Samuel Zarazúa, Violeta Isfel, Leonardo Amézquita, Carlo Delgado, David Rodvel, Michelle Franco, Pipiz y como invitada especial, la actriz y comediante Aída Pierce

 LA GRAN FAMILIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


“El 18 de Julio de 2014, México amaneció con una noticia extraña: la policía Federal Preventiva había realizado un magno operativo contra la casa hogar, dirigida por una anciana de ochenta años conocida como “Mamá Rosa”. En los días siguientes, los medios estaban cargados de versiones contradictorias, usualmente de corte moral. ¿Quien era Mamá Rosa? ¿Una Madre Teresa o una institutriz Dickensiana?¿O acaso un cacique al Viejo estilo priísta? “-

Más o menos así surgió la noticia sobre dicho caso real sucedido cuatro años atrás, como los mismos Señores Claudio y Alberto Lomnitz, escritores de la obra teatral LA GRAN FAMILIA expresan textualmente y, con cuyo párrafo inicio esta nota.

Fue una noticia periodística que algunos tomaron como un caso de distracción hacia los lectores, para minimizar la magnitud que significaba la reforma energética en nuestro país que estaba en voga. Cierto o no, fue un caso que dejo muchas dudas sin resolver ante todo sobre los aparentes casos de abuso, violación y trato infrahumano que recibieran algunos de los niños o todos los integrantes de la casa hogar. Sin embargo, las cámaras tomaron fotografías del lugar pestilente y carente de servicios en normal estado.

La casa hogar denominada LA GRAN FAMILIA fue instituida por una mujer solterona adinerada, perteneciente a una de las siete familias, más prestigiosas de la región de Zamora, Michoacán.

Dicha mujer en aras de ayudar a los niños desprotegidos de la calle, adoptaba a cualquier menor de edad necesitado, brindándole su apellido, hogar y protección. A los infantes se les enseñaba a ser útiles a la sociedad, para que llegada la mayoría de edad, pudiesen valerse solos en el grueso de la población. Bajo dicha tónica el gobierno local apoyó con algunos recursos a dicho predio, el cual funcionó por más de 50 años como albergue de la Señora Rosa del Carmen Verduzco Verduzco.

La puesta en escena maneja diversos puntos de vista tanto en Pro como en contra, desde la opinión de algunas instituciones que dieron su apoyo a la casa-hogar, así como del caso policial en el que se vio envuelta Mamá Rosa y algunos de sus colaboradores.

Este interesante caso policial cerrado, ante la pluma de los Lomnitz quedó plasmado como una creativa revista musical, presentada por el patrocinio de la Compañía Nacional de Teatro. Además formó parte de una de las obras presentadas en el reciente Festival Nacional de Teatro.

Con una genial escenografía a cargo de Sergio Villegas que permite visualizar los distintos staff  que la historia precisa, se representa desde la breve biografía de dicha Señora Rosa del Carmen Verduzco Verduzco, hasta la detención por parte de las autoridades locales y, con ello, la desaparición del albergue y la abolición de los niños vistos en aquel momento como victimas. Ello mediante el manejo de retrospecciones y prospecciones temporales que permiten apreciar los hechos sin una linealidad cronológica.

Aunado a ello la presencia en vivo bajo la batuta del piano y el acordeón de Carlos Matus, hizo que la revista musical fuese realmente un deleite para el público quien con un efusivo aplauso ovacionó la obra.

Además cuenta con un gran reparto estelar conformado por Angelina Peláez, Erika de la Llave, Azalia Ortiz, Nader Riloba, Olaff Herrera, Fernando Huerta, Ichi Balmori, Eduardo Candás, Gabriela Núñez, Pilar Padilla, Rodrigo Vázquez, Alan Uribe, Astrid Romo,  Pilar Padilla, María del Mar y Carlos Orozco.

LA GRAN FAMILIA se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural Universitario.

 

VISCERAL
POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La constante lucha y vorágine que en la actualidad se desenvuelven,
padecen muchos milenios al ser el producto de una sociedad cada vez
más mecánica, carente de valores y estima hacia los demás, es lo que
proyecta la obra teatral VISCERAL cuya autoría y dirección corren a
cargo de Adrián Vázquez.


La crudeza del texto cautivó anteriormente a algunos espectadores y
periodista que habían visto esta puesta en escena, la cual vuelve,
dado al éxito que obtuviera, pues ya anteriormente se había presentado
en el foro del teatro La Capilla cubriendo tres únicas funciones.
Ahora regresa esta historia desgarradora cubriendo temporada los días
domingos en el foro B de La Teatrería.


Con la actuación protagónica de la joven actriz Verónica Bravo, quien
caracteriza con gran naturalidad al personaje de una mujer que a
temprana edad sufre de soledad y desconsuelo ante la fallida relación
amorosa de sus padres, además del desapego con sus hermanos y el
desconsuelo de atender a una madre víctima del cáncer.


VISCERAL es una trama con un alto contenido psicológico que posee el
personaje de Verónica, una joven que vive el desconsuelo de una
realidad inhóspita a la cual debe enfrentar, usando como escudo la
agresividad, como de entrada, hace saber el resumen de la obra
expuesta en el programa:


-“ En una mañana de invierno, en el trayecto de su casa al hospital
donde su madre se encuentra en estado terminal, la protagonista nos
hace un recuerdo de su vida y nos muestra las atrocidades que conlleva
vivir en este país, contándolo de una manera VISCERAL”.-
Y justamente en título de este drama constituye la parte medular de la
historia. Lleno de rencor y de odio hacia todo y hacia todos, el
personaje de Verónica padece, como resultado de una pronta vida
deshecha por la desesperanza por la incomprensión, una soledad que
enfrenta con odio y agresividad. El personaje por otro lado, ante tal
desconsuelo se refugia en un explosivo manejo mal entendido de su
sexualidad, usándola como arma para herir a los demás,
autodestruyéndose.


Los diálogos están plagados de palabras altisonante, como hoy en día
suelen expresarse muchos jóvenes, pero que a diferencia de ellos,
llevan explícitos carga emotiva plagada de agresividad e ironía ante
la vida fatídica que enfrenta.
El personaje es chato y se maneja bajo el recurso del monólogo,
apareciendo como un Yo protagónico y narrativo de sus propias
experiencias y frustraciones, con diálogos que aluden a terceras
personas que intenta describir desde su propia perspectiva limitante.
En el drama,  de pronto unas palabras escritas parecen recobrarle al
personaje de Verónica  ánimo ante la vida, la cual podría ser vista de
otro modo. Así, manejado como un texto de denuncia, esto y más es
parte  del monólogo que forma parte de la obra teatral VISCERAL,


montaje presentado por la Compañía “Tres Tristes Tigres” que aún
siendo ficción, reflejan de manera cercana la vida de algunos jóvenes
milenios qué empero a todo, aún quieren soñar con una mejor vida en
este país.

AMOR ES MÁS LABERINTO

POR: Dalia  María Teresa De León Adams.

 

Poesía de la escritora novohispana perteneciente al siglo de Oro Español, Sor Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santilla, nacida en Napantla, México en 1648-1695, más conocida como Sor Juana Inés de la Cruz. Religiosa de la Orden de San Jerónimo y sonetos de Fray Iván de Guevara (religioso mexicano Agustino, nato en 1938) cuya letra se basa en los textos de Fenix de América del 2015.

La dramaturgia corrió bajo la versión de Natalia Menéndez Araujo y La Rendija Rendija Colaboración Artística de Oscar Urrutia y Raquel Araujo. Y le comentaremos qué en éste mes de noviembre que estamos iniciando, la puesta en escena de AMOR ES MÄS LABERINTO esta formando parte de La Muestra Nacional de Teatro.

La obra respeta la métrica de la versificación y los sonetos. Por otro lado la obra clásica de Teseo Príncipe de Creta, aún cuando esta adaptada a manera de comedia picaresca, en cuanto al desarrollo de sucesos con personajes chuscos, como el de Salmón, el criado de Teseo, la obra teatral es tratada a manera de novela de enredos e intrigas.

Por otro lado le podemos comentar que el referente de la historia es la Antigua Creta, sin embargo juega con la temporalidad, empalmando tanto a la época del Imperio Cretense, en donde  la guerra, la magia y el oráculo mantenían un papel preponderante, como al milenio actual en donde el botox como la cirugía están en moda.

Con tintes de novela épica AMOR ES MÁS LABERINTO se representa muy ad-hoc con el texto adaptado de manera vanguardista. Presenta elementos clásicos como modernos tanto en el vestuario, como en la ambientación y en la utilería, los cual combinan ambos periodos, enmarcando la época tanto de Teseo, como la era contemporánea.

La historia trata de la recreación de la tragedia clásica con algunas variantes qué los adaptadores de la obra, hacen visibles con diálogos que son dirigidos ocasionalmente por medio de algunos de los personajes, hacia el público presente; trama clásica, la cual a manera de Sinopsis se encuentra publicada en Internet como crónica o promocional de AMOR ES MÁS LABERINTO y que de manera textual, reza de la siguiente manera:

 

Por Saúl Campos/ Andrógeno, el hijo de Minos, Rey De Creta, ha sido asesinado, empero, su muerte no será en vano, ya que su padre ha decidido vengar su muerte ofreciendo sacrificios de la ciudad de Atenas al Minotauro encerrado en el laberinto. Cuando el príncipe Teseo sea enviado a Creta para cumplir la funesta labor, las princesas Fedra y Ariadna se verán envueltas en un enredo amoroso a fin de obtener el amor del héroe, conflicto a intensificarse cuando los pretendientes de ambas, Lidoreo y Baco se vean envueltos en el enredo ¿Podrá el amor verdadero derrotar a la fuerza del laberinto? ¿O será el amor mismo un destino más horrendo, que sucumbir ante las fauces de la bestia?

Con un reparto en el cual se encuentran actuando en el papel de Minos la actriz Zaide Silvia Gutiérrez y Katenka Ángeles, como Ariadna, Victoria Benet y Claudia Guerrero, en el papel de Fedra Indra Ordaz y como Teseo el actor Gibran Solar.  

Artún y Racimo son caracterizados por Nara Pech y Ana Lucía Ramírez, como Baco actúa Jorge Castro y Zaab Di Hernández, Lidoro  es Luis Domingo González, en el rol de Cintia y de Laura se presenta Yaremi Miranda y Alejandra Benavides, y finalmente, Licas es representada por Itzel Rique.

 

Todos ellos nuevos valores que hacen gala de su talento histriónico forman parte de la gente de teatro quienes junto con algunas Instituciones Nacionales y sus respectivos directivos, se encuentran impulsando al teatro descentralizando su quehacer, camino que como menciona el Señor Enrique Singer, poco a poco está cobrando frutos.

 

VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados.

Por Dalia D´Leon Adams

 

Recreada en la obra universal del afamado escritor ruso Antón Pávlovich Chéjov (1860-1904) “Las tres hermanas”(escrita dicho sea de paso en el año de 1900) la dramaturgia “VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados” resulta ser una versión a manera del género de comedia negra. Ésta ventila a una clase burguesa, esnobista, e intelectual, privilegiada, ya en decadencia y llena de prejuicios sociales, la cual es presentada a través de una familia de ficción, es decir, los Freudenbach.

Escrita por la alemana Rebekka Kricheldorf resulta ser una versión irreverente de humor punzante, como la denominan sus mismas compañías denominadas “Perra Justa Producciones”, “Teatro del Mundo” y “Caja Negra”.

La historia enmarca la vida llena de constantes frustraciones de una familia adinerada,   venida a menos, cuyos integrantes habitan juntos compartiendo tanto sus miserias económicas, como existenciales.

Se trata de las tres hermanas, Olga, Masha e Irina quienes junto con su único hermano varón llamado Andrei, comparten una vieja villa ya en estado muy deteriorado. Juntos sueñan con un pasado glorioso lleno de comodidades, dejando pasar las pocas oportunidades que les brinda la vida.

Sus personajes grises mantienen las características que comúnmente les infiere Antón Chéjov en sus obras, pues están siempre envueltos de pesimismo y fatalismo, respecto a su existencia y forma de relacionarse con los demás.

En un ambiente moderno, la trama que presenta Rebekka Kricheldom se ubica en la época moderna, en una provincia de Rusia, en tanto que la obra original de Antón Chéjov tiene como referente el ocaso del siglo XIX, en una región de la que entonces aún fuera La Unión Soviética.

Al respecto, en el boletín de prensa de la Compañía Difusora cuya representante es la Señorita Sandra Narváez,  se puede leer de manera textual:

-“ Kricheldorf, joven dramaturga alemana, escribe una singular versión que ubica en este milenio y que denuncia con humor punzante la actual decadencia burguesa, el esnobismo intelectual y la aún viva actitud imperialista y xenófoba de las clases sociales privilegiadas de su país a través de los hermanos Freudenbach: Olga, Irina, Masha y Andrei, cuatro adultos Thiers, pseudointelectuales y ninis que, tras la muerte de sus padres, han consumido toda su herencia y no saben qué hacer con sus vidas.”-

Los Freudenbach transferidos al mundo actual toman otro matiz al que Antón Chéjov presentara, pues sus personajes se sitúan en una época en que las mujeres no solían salir a trabajar, pues ello era labor masculina y, mucho menos si se trataba de una familia aristocrática. Además, el emparentar con personas de diferente clase social, no era secularmente bien visto. En cambio en la versión moderna de Rebekka Kricheldorf, la manera de conducirse por parte de la familia Freudenbach suenan pretenciosas, clasistas y obsoletas, de hecho hacen que la obra de Antón Chéjov se transforme de un drama a una comedia de humorismo negro.

“VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados” da peso al onomástico de Irina, la hermana menor quien en aras de encontrar un galán a su medida, termina en soledad. Por otro lado a parecen dos personajes más, siendo el de Janine, la joven esposa de Andrei, quien representa a la clase proletaria, quien además resultará triunfadora e incluso manipuladora, con respecto a la vida familiar de los Freudenbach.

El montaje teatral se encuentra dirigido por Silvia Ortega Vettoretti, con las actuaciones estelares de Mahalat Sánchez, Daniela Zavala, Renata Wimer, José Carriedo, Salvador Hurtado y Sheila Flores, todos ellos actuando con gran plástica actoral.

 

VILLA DOLOROSA. Tres cumpleaños frustrados se presenta en La Teatrería y forma parte de la programación de la denominada Libre Muestra de Teatro de la Ciudad de México que se esta presentado en este mes de noviembre.

 

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Cinco amigos han vivido encerrados por mucho tiempo. La nieva ha invadido el país y ellos queman libros para darse un poco de calor, sin embargo es tiempo de abandonar el sillón, tomar lo necesario y salir de casa. Da miedo abrir la puerta porque el mundo de afuera es abrumador, pero ¿hasta cuando se puede vivir encerrado?”-

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV es un título bastante sugerente para una obra teatral, en primer lugar porque alude de algún modo al primer párrafo del libro de, uno de nuestros mejores novelistas mexicanos e hito en la historia de las letras hispánicas contemporáneas. Sí, por supuesto que nos referimos al finado escritor Juan Rulfo, con su libro “Pedro Páramo”.  ( Autor nacido en Sayula Jalisco 1918 Taganrog y muerto en el Distrito Federal en 1986).

-“Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pedro Páramo, Mi madre  me lo dijo.”-  (página 7, Editorial Six Barral, España 1983).

Y por supuesto qué dicha nota es mencionada en la trama, durante el tiempo escénico de ésta obra, junto con párrafos de libros muy destacados qué por cierto, escenifican de manera muy breve los jóvenes actores de ésta puesta en escena, en el momento en que simulan quemar varias obras literarias, con el fin de respaldarse del frío extremo, aún muy, a su pesar.

Por otro lado, el título también nos sugiere que la historia esta envuelta en el mágico mundo del afamado dramaturgo ruso Antón Chéjov, quien perteneciera a la corriente psicológica realista y naturalista. (Antón Pavlovich Chekhov nacido en 1860 en Taganrog, Rusia y muerto en 1904 en Alemania).

En la trama por supuesto, son mencionados y escenificados algunos fragmentos esenciales en las novelas de Chéjov; obras entre las cuales estaban por ejemplo, “La gaviota”, “El jardín de los cerezos”, “Las tres hermanas”, “El tío Vania”, Ivanov” y “El oso.

La puesta en escena de cierto modo, termina siendo casi un manual para los fans de Antón Chéjov. En la trama también aparece una serie de elementos de la cultura rusa, además de presentar diálogos en dicho idioma, qué por supuesto, traducen al español, para comodidad y entendimiento del público presente.

 

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV es una obra fresca, con personajes que aún cuando parecen ser prototipos de la tónica chejoviana, resultan ser diferentes, no tan grises, ni derrotistas, con un futuro fatalista, danles la vuelta con su creatividad e ímpetu, lo cual les transforma de algún modo en personajes triunfadores.

 

RISAS DE PAPEL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Surgida de un proyecto cuya temática era cuidar el medio ambiente y la promoción de la ecología humanista, entre otros 90 solicitantes la obra RISAS DE PAPEL fue seleccionada y galardonada el día 26 de julio, con el Premio “Coup de Coeur”  que en español significa “Flechazo al Corazón”.

Dicho trascendental encuentro escénico se llevó a cabo en una importante ciudad francesa; festival europeo que llevará el título del nombre de la región, es decir, “Festival OFF d’Avignon 2018”.

Esto fue posible gracias a la creación colectiva de “La “Compañía Circonciente” cuya dirección ha estado a cargo de la mexicana Camila Aguirre quien junto con su equipo creativo decidió venir a México.

Tras de dicha gran éxito “La Compañía Circonciente” decidió montarla su obra en la Ciudad de México, bajo el patrocinio del Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro y la Compañía Circonciente, a partir del día sábado 20 de octubre a las 12:30 horas, en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

RISAS DE PAPEL es un espectáculo clown u obra infantil que narra la historia de Botón, un joven vagabundo cuyo hábitat es simplemente un callejón. Su guarida esta construida con una serie de cajas y objetos que ha ido obtenido del basurero, objetos los cuales cuida como si fuesen su gran tesoro.

Su única compañera es “Chawana”, una recién florida planta a la que cuida, pese a su precaria forma de vida. La planta sirve de simbolismo para que el espectador entienda la importancia de cuidar el medio ambiente.

Sobre la puesta en escena de RISAS DE PAPEL en el boletín de prensa pudimos leer:

-“La puesta escénica interdisciplinaria integra el clown, el teatro gestual y la ilustración en vivo, mientras expone contenido crítico y reflexivo con  transparencia, poesía y humanidad. El equipo creativo que la hace posible está conformado por el chileno Eduardo Jiménez Cavieres en el diseño de iluminación y escenografía, el diseño del vestuario es de la chilena Rocío Troc Moraga y la creación musical del mexicano Alejandro Preisser.

Circonciente es una agrupación teatral circense con 11 años de trayectoria artística. Creada por Jorge Reza, se encuentra enfocada en desarrollar contenidos que despierten procesos críticos en el público y que contribuyan a la construcción de una sociedad más justa, equitativa y activa….”-

 

Y justamente el creador de la Compañía, es decir Jorge Reza, es quien actúa con gran naturalidad y simpatía  durante todo el tiempo escénico (en compañía de Isabel Gómez Guizar) dándole vida al personaje de Botón el alegre, colorido y altamente humano vagabundo, quien interactúa con el público al cual divierte y hace reír con su espectáculo clown, llevando un mensaje de amor por la naturaleza y por la vida. ¡BIEN MERECIDO EL PREMIO “Coup de cour”!

 

LOS QUE SOBRAN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Con grandes matices psicológicos la obra teatral LOS QUE SOBRAN bajo la productora “Los tres tristes tigres” es una dramaturgia que nos narra la historia de un grupo de adolescentes, quienes inician la obra describiendo y actúan algunos de los sucesos trascendentales de su vida.

Ellos, tras de haberse identificado como los integrantes del equipo denominado LOS QUE SOBRAN y a manera de denuncia social, cuentan sus vidas. Jóvenes, cada uno de ellos, con una personalidad totalmente diferente, iniciarán contando las desavenencias de sus propias vidas, que les marcaron a partir de los cinco años en su entonces muy cortas existencias.

El cinco en la trama suele ser emblemático al parecer, pues cinco son los adolescentes que inician las narraciones de sus vidas a partir de los cinco años de edad. Cinco forman casualmente el grupo de LOS QUE SOBREN y cinco unen sus vides en un trágico destino.

Por otro también cabe aquí preguntarnos ¿Quién no se ha sentido alguna vez ser parte de ”LOS QUE SOBRAN”? Título en sí sugerente, y si pudiéramos definirlo, diríamos tal vez que son aquellos que no encajan, aquellos solitarios, aquellos disfuncionales, aquellos tímidos, aquellos marginados, o aquellos, simplemente diferentes.

En la historia cierto día un profesor sugiere que los alumnos de la clase se integren en pequeños grupos, para realizar cierta actividad. De inmediato se formaron varios equipos pero, no faltaron aquellos que quedaron excluidos, por lo que el profesor al descubrir algunos jóvenes aislados sugirió: -LOS QUE SOBRAN, formen un equipo”-, dando con ello por resultado, 5 elementos que lo formaron.

Dentro de dicho grupo se encontraba Alejandro, un estudiante tímido e inestable, quien se enamora a primera vista de su compañera de escuela llamada Edith a la cual suele observar; ella es una adolescente agresiva pero con mucha iniciativa y carácter protector, quien defenderá a sus compañeros de equipo de manera violenta. Por otro lado esta Sofía, una chica intelectual, hermana de Alejandro, junto con quien sufre la perdida de  sus dos padres. Emilio es un joven con carácter irritable, lo cual le llevará a actuar con violencia ante cualquier injusticia que observe hacia los demás; finalmente está Camila, pequeña, ingenua y divertida, quien sin embargo terminará siendo una gran abogada.

Así, los cinco integrantes del equipo LOS QUE SOBRAN comenzarán su larga amistad en una clase, que sellará sus vidas con un largo y definitivo afecto. Los cinco unirán sus destinos en una serie de sucesos, tanto de momentos de alegría, como de desafortunio.

El elenco esta formado por Pamela Ruiz, Diego Martínez Villa, Lariza Juárez, Omar Sorroza y Valeria Fabbi; todos ellos caracterizando a sus personajes con gran emotividad, lo cual le da más credibilidad a éste drama escrito y dirigido por Adrián Vázquez.

 

LOS QUE SOBRAN se presentan únicamente los días domingos a las 18:00 horas, en el foro “La Gruta”  del Centro Cultural Helénico bajo el patrocinio del Gobierno de la República y de La Secretaría de Cultura.

 

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Cinco amigos han vivido encerrados por mucho tiempo. La nieva ha invadido el país y ellos queman libros para darse un poco de calor, sin embargo es tiempo de abandonar el sillón, tomar lo necesario y salir de casa. Da miedo abrir la puerta porque el mundo de afuera es abrumador, pero ¿hasta cuando se puede vivir encerrado?”-

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV es un título bastante sugerente para una obra teatral, en primer lugar porque alude de algún modo al primer párrafo del libro de, uno de nuestros mejores novelistas mexicanos e hito en la historia de las letras hispánicas contemporáneas. Sí, por supuesto que nos referimos al finado escritor Juan Rulfo, con su libro “Pedro Páramo”.  ( Autor nacido en Sayula Jalisco 1918 Taganrog y muerto en el Distrito Federal en 1986).

-“Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pedro Páramo, Mi madre  me lo dijo.”-  (página 7, Editorial Six Barral, España 1983).

Y por supuesto qué dicha nota es mencionada en la trama, durante el tiempo escénico de ésta obra, junto con párrafos de libros muy destacados qué por cierto, escenifican de manera muy breve los jóvenes actores de ésta puesta en escena, en el momento en que simulan quemar varias obras literarias, con el fin de respaldarse del frío extremo, aún muy, a su pesar.

Por otro lado, el título también nos sugiere que la historia esta envuelta en el mágico mundo del afamado dramaturgo ruso Antón Chéjov, quien perteneciera a la corriente psicológica realista y naturalista. (Antón Pavlovich Chekhov nacido en 1860 en Taganrog, Rusia y muerto en 1904 en Alemania).

En la trama por supuesto, son mencionados y escenificados algunos fragmentos esenciales en las novelas de Chéjov; obras entre las cuales estaban por ejemplo, “La gaviota”, “El jardín de los cerezos”, “Las tres hermanas”, “El tío Vania”, Ivanov” y “El oso.

La puesta en escena de cierto modo, termina siendo casi un manual para los fans de Antón Chéjov. En la trama también aparece una serie de elementos de la cultura rusa, además de presentar diálogos en dicho idioma, qué por supuesto, traducen al español, para comodidad y entendimiento del público presente.

 

VINE A RUSIA PORQUE ME DIJERON QUE ACÁ VIVÍA UN TAL ANTÓN CHÉJOV es una obra fresca, con personajes que aún cuando parecen ser prototipos de la tónica chejoviana, resultan ser diferentes, no tan grises, ni derrotistas, con un futuro fatalista, danles la vuelta con su creatividad e ímpetu, lo cual les transforma de algún modo en personajes triunfadores.

 

RISAS DE PAPEL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Surgida de un proyecto cuya temática era cuidar el medio ambiente y la promoción de la ecología humanista, entre otros 90 solicitantes la obra RISAS DE PAPEL fue seleccionada y galardonada el día 26 de julio, con el Premio “Coup de Coeur”  que en español significa “Flechazo al Corazón”.

Dicho trascendental encuentro escénico se llevó a cabo en una importante ciudad francesa; festival europeo que llevara el título del nombre de la región, es decir, “Festival OFF d’Avignon 2018”.

Esto fue posible gracias a la creación colectiva de “La “Compañía Circonciente” cuya dirección ha estado a cargo de la mexicana Camila Aguirre quien junto con su equipo creativo decidió venir a México.

Tras de dicha gran éxito “La Compañía Circonciente” decidió montarla su obra en la Ciudad de México, bajo el patrocinio del Instituto Nacional de Bellas Artes, a través de la Coordinación Nacional de Teatro y la Compañía Circonciente, a partir del día sábado 20 de octubre a las 12:30 horas, en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

RISAS DE PAPEL es un espectáculo clown u obra infantil que narra la historia de Botón, un joven vagabundo cuyo hábitat es simplemente un callejón. Su guarida esta construida con una serie de cajas y objetos que ha ido obtenido del basurero, objetos los cuales cuida como si fuesen su gran tesoro.

Su única compañera es “Chawana”, una recién florida planta a la que cuida, pese a su precaria forma de vida. La planta sirve de simbolismo para que el espectador entienda la importancia de cuidar el medio ambiente.

Sobre la puesta en escena de RISAS DE PAPEL en el boletín de prensa pudimos leer:

-“La puesta escénica interdisciplinaria integra el clown, el teatro gestual y la ilustración en vivo, mientras expone contenido crítico y reflexivo con  transparencia, poesía y humanidad. El equipo creativo que la hace posible está conformado por el chileno Eduardo Jiménez Cavieres en el diseño de iluminación y escenografía, el diseño del vestuario es de la chilena Rocío Troc Moraga y la creación musical del mexicano Alejandro Preisser.

Circonciente es una agrupación teatral circense con 11 años de trayectoria artística. Creada por Jorge Reza, se encuentra enfocada en desarrollar contenidos que despierten procesos críticos en el público y que contribuyan a la construcción de una sociedad más justa, equitativa y activa….”-

 

Y justamente el creador de la Compañía, es decir Jorge Reza, es quien actúa con gran naturalidad y simpatía  durante todo el tiempo escénico (en compañía de Isabel Gómez Guizar) dándole vida al personaje de Botón el alegre, colorido y altamente humano vagabundo, quien interactúa con el público al cual divierte y hace reír con su espectáculo clown, llevando un mensaje de amor por la naturaleza y por la vida. ¡BIEN MERECIDO EL PREMIO “Coup de cour”!

 

 OLIMPIA 68 Lecciones de español para los visitantes a la Olimpiada.

POR : Dalia María Teresa de León Adams.


El pasado domingo 14 de octubre  la obra teatral “OLIMPIA 68 Lecciones de español para los visitantes a la Olimpiada” cerró temporada en el foro del teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

El evento fue galardonado con una develación de placa por parte del Señor Héctor Bonilla, quien fue invitado junto con la ex-deportista Dobrina Cristeba (quien por cierto decidió residir en México tras de su participación en las Olimpiadas).

Escrita y dirigida por Flavio González, la obra fue planeada para celebrar la conmemoración del suceso ocurrido el 2 de octubre en Tlatelolco. Aún cuando dicha dramaturgia no retoma abiertamente dicho tema, sino el de las Olimpiadas que se celebraron en México 10 días más tarde del trágico suceso.

El Instituto Nacional de las Bellas Artes (INBA) en el marco del los 50 años del movimiento estudiantil de 1968 organizó junto con otros eventos más, una serie de conferencias y puestas en escena bajo tal motivo. “Olimpia 68 Lecciones de español para visitantes a la Olimpiada” fue uno de ellos.

Erizo Teatro junto con el INBA hicieron posible el proyecto de Flavio González Mello, el cual había sido acariciado y planeado hacía una década atrás, momento en el cual fue representada bajo la dirección artística de Carlos Corona. Sin embargo, su autor inquieto por transferirle algunos arreglos a la puesta en escena de su obra, decidió dirigirla en ésta ocasión, él mismo.

Por fin el día 23 de septiembre se concreto el proyecto actuando en la obra jóvenes valores entre los cuales se encontraban Paulina Barrientos, Omar B. Betancourt, Karla Camarillo, Tony Corrales, Sofía Gabriel, Diego Garza, Omar Medina, Jonathan Persan, Sergio Rüed, Sofía Sylwin, Jyasú Torruco y Emiliano Ulloa.

Todos ellos caracterizaron a personajes extranjeros, para lo cual, entonaban el español con una fonética que les hacía pasar por tales, aunado a pelucas que algunos portaban, así como vestimentas deportivas que les hacía perfectamente pasar por tales.

También se apoyaron en el uso ocasional de diálogos en japonés por parte de dos de los actores; detalle que hizo más creíble la dramaturgia en la cual se presentaban algunas situaciones y problemáticas mediante el uso de la ficción. Sin embargo, bien pudieran haber sucedido situaciones parecidos en la estancia en México 68, en donde relaciones amorosas, profesionales,  de amistad y enemistad pudieron ser propicias, así como conflictos en el logro personal profesional de algunos competidores. Todo esto sucede en la trama ensalzada por el también tema tratado de la corrupción ocasional, imaginada por su escritor.

La trama no presenta la tragedia sucedida poco en México mediante la masacre estudiantil, pues éste no era el objetivo de su autor. En realidad “OLIMPIA 68 Lecciones de español para visitantes a la Olimpiada” esta escrita a manera de comedia de enredos y un poco como farsa, en cuanto a la manera de presentar las diferentes historias que conforman la obra y qué finalmente terminan entretejiéndose mediante una trama divertida y chusca.

Y en suma, como sostuvo la misma Compañía productora respecto a la parte medular que conformara la obra teatral “OLIMIA 68 Lecciones de español para visitantes a la Olimpiada” de manera simplificada, ésta tuvo como tónica la:

-“Exploración del territorio común entre teatro, violencia y deporte, que recrea aquel enrarecido octubre de 1968, cuando el gobierno desató una brutal persecución política al tiempo que, como anfitrión de la Olimpiada, tiraba la casa por la ventana para presentar a nuestro país en sociedad.
-”

 

 LA HISTORIA DEL ELEFANTE.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


Comedia de humor negro en la cual  El Boni y El Mobi, un par de hombres sicarios,  tras de enterrar los restos de una mujer norteamericana en un desierto de la frontera norte del país, casualmente encuentran los restos fosilizados de un  gran Mamut. Ante la incertidumbre del qué hacer ante tal hallazgo, los dos jóvenes ignorantes a extremo, tomaran decisiones que transformaran sus vidas repentinamente.

La corrupción, falta de ética y moral, son los ingredientes que de manera médular presentan esta trama muy bien estructurada, con sus diálogos elocuentes respecto a la tónica a seguir por ambos personajes delincuentes, al que se le sumará otro, un tercer  corrupto en potencia.

Bajo un lenguaje muy florido, lleno de localismos y palabras altisonantes, propios de algunos pobladores norteños locales a los cuales, por cierto, imitan a la perfección en cuanto a su peculiar entonación fonética, la trama tan peculiar transcurre en medio de un gran humorismo negro que arranca constantemente las risotadas del público presente, el cual se divierte con las constantes ocurrencias y el toque de ingenuidad que poseen los personajes protagónicos de El Boni y El Moby.

Bajo la realización de Helecho Producciones Y Belén Aguilar,  la obra teatral LA HISTORIA DEL ELEFANTE en sus dos únicas presentaciones, ha agotado las localidades de la Sala CCB del INBA, con la presentación estelar de Pablo Abitia (quien además dirige y produce el diseño de sonido) Antonio Vega y Salvador Petrola. Tres jóvenes actores que caracterizan con gran plástica actoral sus roles protagónicos.

Junto con ellos aparece brevemente una joven ataviada de manera atractiva, con una cubeta llena de pequeñas cervezas que en medio de la obra, obsequia a algunos de los espectadores que deseen beberlas; ello como un atractivo plus-ultra de la puesta en escena

LA HISTORIA DEL ELEFANTE se desarrolla en un escenario cubierto de arena, de donde los mismos actores entierran y desentierran con gran facilidad los objetos de utilería necesarios para el desarrollo de esta trama tan hilarante, escrita por Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterios LEGOM.

Bajo la dirección de Antonio Vega y Pablo Abitia, la puesta en escena de un cuadro de Anna Adrià, cubre el tiempo escénico de 60 minutos aproximados, momentos que corren como agua entre las manos, por lo divertido del texto.

Pese al éxito que está obteniendo LA HISTORIA DEL ELEFANTE gracias a todo el equipo creativo, la obra solamente esta planeada para ser presentada en dos ocasiones más, es decir los lunes 22 y 29 de octubre en el Centro Cultural del Bosque.       

 

Develación de placa de ANNA PAVLOVA E ISADORA DUNCAN: Diálogos.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Gestándose durante tres años el proyecto Tzudanza en donde dos icónicas mujeres bailarinas pertenecientes al siglo XX, Anna Pavlova e Isadora Duncan, fueron representadas en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, mediante un hermoso espectáculo danzístico.

La idea original se basó en una creativa dramaturgia, mediante la cual se recreaba el encuentro entre las dos divas. Al respecto tal vez Usted se pregunte el paralelismo que existiera entre ambas. Siendo Ana Pavlova de origen ruso (San Petesburgo 1881- La Haya 1931) e Isadora Duncan americana (San Francisco 1877- Niza 1927) ambas dejaron con sus danzas una escuela a seguir, pese a que Ana fuese más conservadora en cuanto  a seguir reglas rítmicas y métricas en sus bailes, en tanto que Isadora construyó un nuevo concepto más libre pero apasionado en la manera de interpretar cada pieza musical que la colocó en la fama, aún cuando fue muy criticada por su manera extravagante y atrevida que mostraba su cuerpo desnudo.

En entrevista Tatiana Zugazagoitia, autora de la idea original del proyecto, invitó a Carmen Correa para hacer posible su sueño. Éste surgió ante la inquietud de encontrar similitudes entre las dos bailarinas icónicas del siglo pasado, las cuales murieron justo al cumplir sus 50 años de edad, se conocieron en escenarios y se esposaron con hombres rusos, entre otras coincidencias.

Como un homenaje a tan afamadas bailarinas, Tatiana Zugazagoitia ya cerca de cumplir sus 5 décadas de edad, buscó a otra bailarina profesional contemporánea con quien hacer posible su proyecto. De dicho modo se contactó con Carmen Correa quien también tenía su misma edad, para con ella representar al cumplir ambas los 50 años, el proyecto avalado por el FONCA. Representación que intitularon “ANNA PAVLOVA E ISADORA DUNCAN: Diálogos”.

SINOPSIS DEL PROGRAMA: Anna Pavlova e Isadora Duncan, bailarinas icónicas de la danza de principios del siglo XX, se encuentran al morir en una estación, en espera del tren que las transportará a la eternidad. Un encuentro imaginario en el que estas dos mujeres conversan acerca de la danza y de la vida. Un buen momento para voltear atrás y descubrir cuáles eran las preguntas que se hacían estas dos bailarinas que revolucionaron la danza hace un siglo, muriendo ambas a los 50 años. ¿Han cambiado las cosas o seguimos en la búsqueda de los mismos ideales?

Así, el día de ayer domingo 14 de octubre, ambas bailarinas, es decir Carmen Correa y Tatiana Zugazagoitia, tras de haber sido aplaudidas con gran parte del público puesto de pie, y foro lleno, se celebró el cierre de la breve temporada que ambas cumplieron.

 

Para dicho efecto invitaron a la gran bailarina contemporánea Cora Flores, quien junto con otras dos grandes figuras del medio, develaron la placa en presencia del bailarín Roberto Mitzuko y la primera actriz la Señora Susana Alexander. Éstos dos últimos pasaron al escenario para brindar un emotivo pero breve discurso en el cual hicieron patente su admiración por el brillante trabajo que desempeñaron Tatiana Zugazagoitia y Carmen Correa. En hora buena!!!!!

 

SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

 

Iniciando con una leyenda huichol, la dramaturgia de Felipe Rodríguez SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO a partir de un proceso de creación colectiva se narra la génesis del mundo a partir de tres dioses que habitaban la mar, en donde sólo el flotar y el nadar era dado, hasta que hartos de ello, imaginaron el mundo.

-“Cuentan los huicholes que en el principio no había nada más que agua. Y que en medio de ese mar infinito y oscuro vivían tres dioses que no hacían más que nadar y flotar… hasta que se aburrieron. Entonces, cerraron los ojos y comenzaron a imaginar.”-

Y es a partir de ésta metáfora étnica es que la obra teatral de corte infantil tomó forma y, comienza el relato escénico de la puesta SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO interpretada por los actores Azur Zagada, maría José Vargas, Erick Israel Consuelo, Juan Acosta, Bruno y Bernardo Benítez, Adrián Alarcón, Atza Urieta y Miguel Pérez Enciso.

Los personajes ataviados con ropa confeccionada con coloridos hilos de leds a la usanza de la cultura huichol, logran la atmósfera perfecta para personificar a los tres dioses “Kanyumani”, Takutsi” y Maxacuaxi”, sus personajes protagónicos. Junto con ellos también aparece en escena un lobo y tres gigantes, todos ellos actuando bajo la dirección escénica de Nora Manneck.

La obra amenizó a los pequeñitos, quienes ocasionalmente tras de involucrarse en la obra, interrumpieron los diálogos con sus graciosas intervenciones verbales casuales, como suele suceder comúnmente con el público de infantes, los cuales fueron invitados a pasar al escenario, de manera masiva, casi al final de representarse la dramaturgia.

Un mundo mítico mágico retoma vida en el escenario con el apoyo multimedia de proyecciones animadas reflejadas en las tres partes de los muros que forman el foro. Ello gracias a los efectos del diseño en pantalla de Edgar Sánchez, que hace con ello las veces de la escenografía con diseños animados que reflejan el mar, la playa, la fauna y la flora.

Y en resumen le diremos que con todo ello la génesis de la cultura huichol que intenta explicar el inicio de la creación, es animada bajo una historia creativa y divertida desarrollada por la inventiva de Felipe Rodríguez, quien como antes mencionamos escribió el texto infantil y, con ello, ilustró un poco al público sobre la idiosincrasia del grupo étnico huichol, haciéndolos partícipes del proceso de que SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO.  

 

La obra ya había sido presentada en diversas ocasiones tanto bajo la producción del INBA, como del en el Centro Cultural Helénico y ahora usted la puede Usted ir a ver con su familia los sábados a las 13:00 horas hasta el 20 de octubre.

 

Volvió con fuerza EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La obra teatral EL BESO DE LA MUJER ARAÑA escrita originalmente por el dramaturgo argentino Manuel Puig contiene una gran historia rica en matices psicológicos. Sus personajes se encuentran bien delimitados, aún cuando tienden a ser maniqueístas, en el sentido en qué los buenos son una promesa, en tanto a que los malos son capaces de las mayores bajezas humanas, sin embargo, todos ellos muestran muchos matices de realismo.

La trama transcurre en un reclusorio en dónde los presos son víctimas constantes del manipuleo y abuso policial. La parte oscura de la cárcel es dibujada principalmente con la presentación de dos presos, los cuales han llegado ahí por motivos diferentes y quienes son Molina y Valentín.

El primero de ellos es un personaje homosexual acusado de un supuesto abuso sexual en contra de un menor. Éste es protagonizado por Rogelio Suárez, quien indiscutiblemente hace gala de sus grandes dotes histriónicos al caracterizar a dicho preso. Valentín es un hombre quien en aras de igualdad y justicia, se juega su propia libertad e incluso la vida por acariciar sus sueños revolucionarios. Dicho personaje es representado por Jorge Gallegos, quien además es un gran interprete musical.

Ambos personajes en la historia, cuentan solamente en su vida con una mujer, en el caso de Molina, con su dulce y apacible madre, quien lo comprende y apoya en todo momento, pese a las cruentas circunstancias en que vive. Valentín por su parte, esta enamorado de una mujer adinerada a la cual admira, con la cual sueña e intenta contactar nuevamente. Ambos personajes comparten la misma celda, hecho por el cual poco a poco, el trato osco por parte de Valentín con respecto a Molina, irá tornándose mucho más sutil.

La traición, la idealización, la injusticia, la preponderancia e incluso, la solidaridad, son los elementos escénicos que se muestran constantemente en ésta puesta en escena, como parte medular de la trama.

Por supuesto el amor, no podría faltar en esta historia, solamente que mostrada en distintas dimensiones, como son ser el amor filial, el idílico, el de amistad, e incluso el pasional.

La obra de Manuel Puig EL BESO DE LA MUJER ARAÑA siempre ha sido un exitoso drama escrito a manera de musical. Cada una de las interpretaciones van acorde con la trama en donde el BESO DE LA MUJER ARAÑA tiene un simbolismo muy peculiar; para ser más clara le diré qué EL BESO DE LA MUJER ARAÑA es fundamental en el desarrollo y final deL DRAMA. Dicho rol es caracterizado por la actriz Chantal Andere, quien en escena muestra sus dotes de cantante luciendo un esplendido vestuario.

Ella es nada menos que la mujer araña, quien con las canciones de Terrance MacNally y la musicalización de John Kander deja entrever que también es la muerte, quien con su beso fatídico invita a cada una de sus víctimas a su definitiva partida de éste mundo. Dicho personaje se presenta a la vez como narradora y premonitoria de los sucesos que se avecinan, insinuando quien será su próxima víctima.

La actriz Chantal Andere realiza dos roles versátiles, uno como una gran diva de cine cuyo nombre es Aurora, en tanto que el otro como a-priori he mencionado, como el de la enigmática Mujer Araña.

En escena aparecen talentosos bailarines los cuales aparecen en varios de los distintos cuadros escenográficos junto a los personajes protagónicos, actuando ocasionalmente con ellos.

Por otro lado también aparece en escena compartiendo créditos estelares, el actor Luis Gatica en el papel del implacable y corrupto jefe de policía. Tanto bailarines como actores cantan en compañía de Olivia Bucio, como la madre de Molina y las cantantes Crisánta Gómez y Jimena Parés quienes cubren roles especiales. Por cierto, el ex-deportista Jorge Gallegos nos sorprendió con su gran colorido de voz.

 

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA nuevamente esta llenando las butacas teatrales, como comúnmente ha sido desde su primera representación en Argentina, éxito que colocó a la obra en diversos escenarios en el extranjeros y en ésta ocasión, en el foro del Teatro Hidalgo de la Ciudad de México.

 

XX

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Compañía Camerino 4, debido a que cumplirá la próxima semana sus 20 años de existencia, presentarán a manera de homenaje el estreno de la pieza corográfica “XX” en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Esta es una pieza danzística que estará a cargo de la maestra Magdalena Brezzo, una de los miembros activos que operan actualmente en el Sistema Nacional de Creadores de Arte, y la cual es tanto la autora creativa, como la directora de la coreográfica próxima a presentar cuyo título será simplemente “XX”.

Dicha pieza esta inspirada en la controversial temática en torno a la violencia de género padecido por las mujeres a partir del devenir histórico; problemática que aún no se ha logrado solucionar ni superar.

XX es una reflexión acerca de dicha realidad social, la cual pone en manifiesto su autora como una especie de grito en el silencio. Al respecto la “Compañía Camerino 4” menciona de manera textual en el boletín de prensa, acerca de la presentación de danza contemporánea XX respecto al manejo del idioma corporal que presentarán las bailarinas:

-“El cuerpo femenino va más de los estereotipos sociales. Es un cuerpo político activo que se piensa a sí mismo. Es un cuerpo que exige ya no ser violentado tanto a nivel físico como simbólico…

Ser mujer latinoamericana es una manera de pertenecer a una perspectiva patriarcal que sin duda en algún momento cada una nos ha puesto en crisis y por lo tanto a reflexionar y a reaccionar sobre nuestra condición. Respirar en un mundo patriarcal es violento en sí mismo, y de manera directa o indirecta ha sufrido en muchas ocasiones violencia de género.-“

La plástica rítmica de movimientos suaves sutilmente serán interpretados bajo un lenguaje corporal, que denuncia a partir de la memoria del cuerpo femenino la violencia y sumisión sometida.

La obra es una creación estética que intenta ser minimalista y presentada con un equipo coreográfico protagonizado a través de cinco bailarinas en escena; espectáculo coreográfico qué según Magdalena Brezzo, no solo se limita a ser representado en los límites de un foro, sino que intenta recrear los múltiples escenarios de la vida en que nos movemos loas mujeres, como es el de la calle o cualquier otro sitio en que nos ubicamos.

El objetivo del montaje, aparte de ser un homenaje a la trayectoria de la Compañía Camerino 4, es una búsqueda por la reflexión y la concientización de la problemática femenina.

El montaje tendrá como apoyo escenográfico un GIF humano y un video que irá narrando en base a un blog, la trama inmersa en la pieza danzística.

 

La pieza de danza contemporánea XX, será presentada a partir del día sábado 19 de octubre a las 20:30 horas en el hermoso Teatro de la Ciudad Esperanza Iris en nuestra Ciudad de México .

 

BARBIE ROCK’N ROYALS

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Basada en la película en español, latina, “BARBIE, Princess Charm School” (Escuela de Princesas”)  de Rainmarker Entertainment junto con la productora “Warner Bros”, próximamente se planea estrenar la obra teatral intitulada BARBIE ROCK’N ROYAL con la adaptación de Mattel y la colaboración del reconocido productor mexicano Gerardo Quiroz, quien presentará por primera ocasión en el medio teatral de nuestra ciudad, la puesta en escena de dicho texto a manera, de homenaje a uno de los íconos del género Pop.

Será un musical en el cual se integran nuevos jóvenes valores, que cantan y bailan. Todos ellos chicos entusiastas que prometen poseer gran talento histriónico en el desarrollo de esta revista musical la cual girará en torno a valores importantes como son la fidelidad, amistad, la confianza, la autoestima, y la honestidad, entre otros valores hoy en día cada vez más en desuso.

Las princesas Barbies en BARBIE ROCK’N ROYAL no pretende ser el prototipo de la belleza femenina, como suele ser comúnmente tomada muñeca apreciada por las niñas. Por el contrario, es una obra teatral que intenta inculcar y enviar al público espectador, un mensaje de confianza en sí mismos, se tenga lo que se tenga, o seamos y estemos como estemos. Ser valiosos y apreciados por los demás, es la consigna que esta dramaturgia desea enviar.

La puesta en escena contará con un equipo multimedia y de audio, como apoyo escenográfico. Es un musical de Rock & & Roll que introduce 9 canciones, siendo 5 de éstas las presentadas en las producciones fílmicas latina de BARBIE, en tanto que las 4 restantes fueron escritas especialmente por parte del equipo creativo de dicha producción, para amenizar la trama singular de la muñeca más afamada en nuestro país.

BARBIE ROCK’N ROYAL se estrenará al público en general el día sábado 2O de octubre en el Tetro Manolo Fábregas de la Ciudad de México, en horario doble de las 11:30 y 13:30 horas, contando con la dirección artística de Rafael Mendoza.

El elenco protagónico estelar estará formado por Pía Sanz, Jackie Sauza, Marcos Montero, Stephany Ruiz y Adam Sadwing. Todos ellos interpretando canciones junto con numeroso grupo coreográfico.

Tiene una trama dirigida en especial para el público adolescente, empero a qué como afirmó su productor el Señor Quiroz, éste no suele tener mucho rating, pues en nuestro país generalmente las obras teatrales son dirigidas al público infantil en matinés o bien, al publico adulto en horario de la tarde-noche.

Y como esta escrito literalmente en uno de los promocionales de la obra de BARBIE ROCK’N ROYALS esta obra teatral que girará en torno al siguiente contenido de la trama, presentado a manera de Sinopsis de manera textual en Internet por la Compañía Teatral Productora:

-“La muñeca que tanto amamos (y la más famosa del mundo) tendrá su primer musical en América Latina en el Teatro Manolo Fábregas. La obra contará la historia de Barbie, quien esta vez ahora será una princesa moderna cuyo mundo se pone de cabeza cuando es enviada por error a un campamento de rock en el lugar del Real, y su amiga Erika (una famosa estrella de rock) llega al campamento Real al que Barbie debía ir.”-

Debido a la calidad de la producción que el Señor Quiroz le infirió a su musical, se  planea llevarla de gira al interior del país alrededor de 20 estados, para posteriormente salir de gira al exterior del país, llevando a BARBIE ROCK’N ROYAL escenarios de tanto Centro como Sudamérica.

 

Llegó HELLO DOLLY!

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



El día de ayer se estrenó el gran musical HELLO DOLLY en el teatro de los Insurgentes. Una obra impactante en cuanto al montaje escenográfico, coreográfico y de vestuario, que no le pide nada a los montajes afamados de Broadway.

Todo ello además sumándole la calidad de actuación del Señor Jesús Ochoa y el talento musical de la Señora Daniela Romo, quienes actúan espléndidamente en compañía de 36 actores más, en un espacio escenográfico que consta de 15 cambios. Todo ello amenizado con la compañía de una orquesta en vivo compuesta por 15 músicos.

La productora Tina Galindo junto con Claudio Carrera, Morris Gilbert y la importante Compañía OCESA-Teatro se dieron a la tarea contando con un gran equipo teatral creativo, de presentar una de las obras más controvertidas y representadas tanto en la Unión Americana como en nuestro país, además de ya haber sido estrenada en otros escenarios internacionales. En México el público la recuerda gracias a la entonces productora y actriz estelar, la Señora Silvia Pinal.

La comedia musical HELLO DOLLY ha sido considerada como uno de los grandes musicales del género de revista, razón por la cual se apostó en esta ocasión por ser representada. La obra esta basada en la dramaturgia original del escritor estadounidense Thornton Wilder (1897-1975) quien fuese galardonado con varios premios, siendo uno de ellos el “Pulitzer” y cuyo título original es “The Matchmaker”.

Traducida al español como HELLO DOLLY ésta puesta en escena tiene como libreto la adaptación a cargo del Señor Michael Stewart, quien respeta el texto del autor, agregándole un toque de originalidad.

HELLO DOLLY el día de ayer 9 de octubre logró por supuesto agotar boletos y, le contaremos que el publico constantemente rió por la candidez y simpatía de los personajes protagonistas qué como a-priori menciono, son la Señora Daniela Romo y el actor Jesús Ochoa.

Ambos demostraron tener grandes tablas, talento histriónico y entusiasmo al desempeñarse en éste musical en los roles de la Señora Dolly y del Señor Horace Vandergelder.

Así fue como el escenario del “Teatro de los Insurgentes” le dio vida a la puesta en escena, utilizando además un colorido vestuario a la usanza secular de inicios del siglo XX, para la representación de la obra HELLO DOLLY, cuya trama teatral esta expuesta en dos actos con un breve intermedio que suman en total 180 minutos en los cuales los espectadores gozaron de las ocurrencias y hazañas de Dolly Levi, una mujer madura y viuda, quien dedica su tiempo a ser casamentera, intentando arreglar relaciones y presentando a posibles cónyuges. Por su parte un rico comerciante llamado Horacio Vandergelder, se verá inmiscuido en una serie de enredos y malentendidos causados por la simpática Señora Dolly Levi, así como varios otros personajes.

 

HELLO DOLLY es un clásico musical que usted puede ver con toda su familia.

 

 MISIÓN ALFA 261535: en busca de la abuela.

POR: Dalia María Teresa De León Adams .


“La Teatrería” esta presentando la obra infantil MISIÓN ALFA 261535.  Con turno matutino, la dramaturgia original de Martha Torres además de divertida resulta ilustrativa para los pequeñitos de a partir de 4 años de edad, quienes en mayoría reían constantemente junto a la compañía de sus jóvenes padres.

La obra esta impregnada de algunos conceptos científicos como la leyes formuladas por el astrólogo alemán Johannes Kepler sobre el movimiento elíptico de los planetas alrededor del sol, y de conceptos básicas de la física, como el de la presencia en el espacio de los hoyos negros. Por supuesto que de manera elemental, pues el texto no intenta convertirse con ello en una obra pedagógica, sino el de ilustrar insipientemente a los pequeñitos a al conocimiento del espacio en el que viven así como el ambientar con ello y con la escenificación de la temática de la trama , pero sin perder nunca de vista el divertirlos.

En entrevista con su autora, quien comentó que tras de 25 arduos años dedicados al teatro y a su enseñanza, decidió escribir sus propias dramaturgias al considerar que la mayoría de las tramas teatrales dedicadas a los infantes, terminaban dejando mucho que desear, en su mayoría, pues tratan a los niños como personas poco inteligentes.

Ello por supuesto con sus propias palabras, mismas que empleó para advertir qué varios de sus obras se han sido escritas inspirándose en ocasiones en personajes reales o textos clásicos, lo cuales suele leer.

MISIÓN ALFA 261535 presenta a una pequeña llamada Daniela que viaja al espacio sideral acompañada de dos de sus muñecos de peluche los cuales había construido junto con su abuela. Éstos durante el vuelo cobran vida, convirtiéndose en tripulantes en un gran viaje estelar en donde caerán presas de un gran hoyo negro, del cual serán rescatados gracias a la máquina humanoide llamada Kepler por a su sapiencia.

En el viaje la pequeña encontrará a su querida abuela a quien perdiera tiempo atrás debido a su irremediable deceso. Tal encuentro le ayudará a comprender muchas cosas, entre ellas, lo valioso de continuar con la labor encomendada a cada persona en esta vida.  

MISIÓN ALFA 261535 por supuesto, introduce a los niños al mundo mágico que es el teatro, viendo de cerca de los actores e interactuado a veces, en algunas puestas en escena con ellos dentro del foro.

Por otro lado, le contaremos qué para avivar a los personajes de peluche (los supuestos marcianos)  se utilizó la técnica de los títeres manipulados por dos actores, Moisés y Rosario. Ellos se presentan totalmente vestidos de negro utilizando una maya negra en el rostro, para pasar desapercibidos por el público con ayuda de la iluminación a media luz. Actores que tienen como objetivo otorgar a los muñecos tanto la voz, como movimiento, gracias a las modulaciones de sus bucales y al manipuleo de los muñecos de guante con sus manos.  

MISIÓN ALFA 261535 cuenta con la dirección escénica de su misma autora Martha Torres y con el elenco estelar formado por  Jessi González, Camila Shalem, Rosario Herez y Moisés Gomez. Se presenta los días sábados a las 13:30 horas en “La Teatrería”.

 

LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

En función matutina de las 13:30 horas, la obra teatral LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO regresa al escenario en la Ciudad de México, nos referimos al Foro de “La Teatrería” en su sala “B” ubicado en la calle de Tabasco 152 de la colonia Roma Norte; esto gracias a ANIMESTA Teatro Producciones.

Anteriormente ya había sido presentada en uno de los teatros del próximo a desaparecer Foro Shakespeare. El cuento infantil LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO es del escritor y editor mexicano nacido en el entonces Distrito Federal en 1954,  Francisco Hinojosa. Sus obras más representativas son “A golpe de calcetín”, “Informe Negro”, Poesía eras tú” y por supuesto LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO.

Ésta última obra como he mencionado, actualmente es representada bajo la adaptación del texto nuevamente a cargo de Doris Dörrie y la dirección escénica de Martha Torres Valdés.  La dramaturgia trata de Helena, una joven alumna de la carrera de actuación, y su inseparable amiga Amparo, quienes deciden poner una obra de teatro infantil, contando únicamente con una vieja maleta roja heredada por la abuela Helena, y que para sorpresa de ellas está llena de cosas maravillosas que son propias de una reconocida actriz de su época, entre tantas cosas se topan con el cuento que creen, es el idóneo para su representación, asombradas por su descubrimiento, serán sorprendidas por “La peor señora del mundo”.

En la obra original LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO se presenta a una vieja mujer peluda con dos grandes colmillos que fuma puro y usa botas puntiagudas y, con sus largas uñas, goza de rasguñar a la gente. Tenía cinco hijos a los cuales siempre castigaba sin importar si se portaban bien o mal. También maltrataba a toda la gente y animales del pueblo, hasta un día en que todos decidieron huir, la dejaron sola. Una paloma que quedó atrapada en una jaula fue su única compañía, sin embargo le daba de comer migajas con picante y agua con vinagre, además de arrancarle algunas plumas y lastimarle sus patitas…..

En la adaptación de Doris Dörrie caracterización tanto física y como conductual de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO se presentan algunos arreglos dentro de la dramaturgia, con la variante por ejemplo de que las victimas son las dos jóvenes estudiantes con un baúl, y por lo tanto, la historia cambia de giro tanto en la narrativa, como en el desenlace.

La trama no presenta a personajes totalmente maniqueístas, como comúnmente se estila en los cuentos, es decir, a personajes extremadamente buenos y malos. El texto rompe con los esquemas tradicionalmente establecidos ya que muestra tanto el lado bueno como malo que comúnmente todos tenemos.

La trama tiene por consigna el demostrar lo relevante que es la lectura para toda la gente y, en especial para los pequeñitos, a los cuales tratan de persuadir al mundo de la lectura con éste tipo de obras divertidísimas que pueden servir de parte-aguas para iniciar a los infantes, en el apasionante mundo de los libros y del teatro.

 

Finalmente le comentaré qué la admiración por Francisco Hinojosa su escritor, fue entre otras cosas lo que motivó a la Compañía a hacer posible la puesta en escena de LA PEOR SEÑORA DEL MUNDO, sin embargo, la  dramaturgia de Doris Dörrie, pese ha respetar la parte medular de la obra de Francisco Hinojosa, termina siendo muy diferente, pero igualmente muy agradable.

 

EDIPO DE MÉXICO

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

De Raúl Uribe, bajo la dirección de Enrique Aguilar, la obra teatral EDIPO DE MÉXICO el día de ayer fue presentada a la prensa local con la participación actoral de Alejandro Piedras, cuyo elenco estelar esta formado por Alejandro Piedras, Helena Tinoco, Pablo del Alba, Gala Gutiérrez y Mario Rendón.

La puesta en escena de EDIPO DE MÉXICO esta basada en la tragedia griega de Sófocles “Edipo Rey”, cuya fecha de creación es desconocida, aún cuando la sitúan al rededor del año 430 a.C.

EDIPO REY esta es considerada la obra magna de la trilogía dicho afamado autor. Obra transcendental que ha tenido a través del tiempo gran difusión internacional entre millones de lectores y espectadores, siendo de las más representadas; además su trama ha servido como parámetro en el campo de la psicología en el cuestionamiento y explicación psicológica respecto al amor filial excesivo qué algunas personas sienten por su madre.

En el caso de la puesta en escena de Raúl Uribe EDIPO DE MÉXICO mantiene la parte medular de la trama de Sófocles, en cuanto a los personajes y la parte medular de la trama, sólo que con muchas variantes en cuanto al comportamiento de los mismos, e incluso introduciendo en la historia, a otros personajes que surgieron de la pluma de Raúl Medina.

La trama a manera de farsa es presentada de una manera muy cruenta, en cuanto a que se presentan diversas formas de identidad sexual graficadas con violencia. Aparece un personaje transexual (Edipo joven), un Creónte y un Edipo bisexual, los cuales en escena ventilan diversas preferencias practicadas, las cuales son simuladas por los actores bajo un toque de humorismo negro.

La historia original narra qué Edipo, rey de Tebas, es coronado justo al esposar a su propia madre, sin saberlo, y cuyo nombre es Yocasta. Ello tras de haber matado a su propio padre el rey Layo, cumpliendo así con la predicción que había hecho tiempo atrás con el nacimiento de Edipo, el Oráculo griego.  

Tras de una gran peste que se difunde en toda Tebas, Edipo Rey envía a Creónte su tío por parte lineal materna, a consultar al Oráculo para intentar buscar el remedio a tan grande mal. El Oráculo asegura que la peste parará solamente cuando el homicida de su antiguo rey Layo, sea muerto o desterrado. Edipo maldice y sentencia con rigor al presunto homicida, sin caer en la cuenta de que es él mismo, el asesino.

Para investigar al respecto, Edipo acudirá al vidente del reino…. El enredo había surgido años atrás cuando su padre, el Rey Layo tras de haber tenido a su primer vástago con su mujer, la reina Yocasta, el Oráculo le predijo que su propio hijo, le arrancaría la vida por lo cual, el Rey Layo ordenó su ejecución de Edipo, la cual no fue llevada a cabo, por el contrario,  fue llevado a Corinto y dado en adopción a una humilde pareja de campesinos.

EDIPO DE MÉXICO tiene como referente ficticio el pueblo de “Tebas de San Marcos”. Sus personaje se mueven en una época actual, en donde Edipo siendo muy joven, es un hombre transexual, quien goza de su sexualidad sin tapujo alguno. A él se le achacará haber trasmitido un gran enfermedad sexual...

La Compañía “Lab Teatro” tras de haber recibido el año pasado un premio por parte de la Agrupación de Críticos y Periodistas Teatrales debido a su obra “Otelo o la libertad del ser”, se propusieron llevar al teatro su nueva propuesta escénica de EDIPO DE MÉXICO intentando trasladar la tragedia de Sófocles, a la realidad mexicana.

La trama de EDIPO DE MÉXICO intentará ser una invitación hacia la reflexión respecto con los gobiernos que hemos estado viviendo, así como con los venideros, según argumenta la propia compañía; ello con la presentación en la obra de simbolismos y analogías.

 

EDIPO DE MÉXICO se presentará los días jueves a las 20:00 en la Sala Novo del Teatro La Capilla, en la Ciudad de México.

 

DIVINO PASTOR GÓNGORA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Es un collage de citas sobre textos literarios de la literatura clásica novohispana, en donde se incluyen sainetes de José Macedonio Espinosa y Calderón de la Barca, así como un poema de Luis de Sandoval y Zapata, además de citarse a Lope de Vega.

Esta puesta en escena se esta presentando actualmente en el Centro Cultural Helénico. Ya anteriormente se había presentado con éxito en el Teatro “El Galeón”. EL DIVINO PASTOR cuyo autor es Jaime Chabaud, cuenta con una creación de 130 obras.  Jaime Chabaud el hombre de letras quien con sus escritos hizo gala de su amplia cultura, como se podrá apreciar en ésta puesta en escena dirigida por Mauricio García Lozano.

La obra es un monólogo interpretado en ambas ocasiones por el actor José Sefami, quien caracteriza estupendamente al personaje protagónico de Divino Pastor Góngora y junto con él a otros personajes secundarios que forman parte de la ficción de la dramaturgia.

La trama presenta a un cómico de oficio quien se enfrenta a la furia de un Inquisidor hispano. El artista termina siendo apresado y, siendo víctima de dicho cruel destino, se refugiará en el recuerdo de sus propias vivencias compartidas con seres que llegaron a su vida marcándolo.

Sobre la sinopsis de la obra, la Compañía a publicado textualmente para su publicidad en una página electrónica lo siguiente:

-“Un ficticio actor de la Nueva España del siglo XVIII que, tras haber acariciado la fama y el reconocimiento del pueblo y de la corte, huye perseguido por un inquisidor obsesionado con su captura, acusándolo de compartir la vida licenciosa que en la época se adjudicaba a los artistas del teatro, y de participar en los primeros círculos de conspiradores por la independencia de México. En su azarosa huida y, más tarde en su celda, Divino Pastor Góngora representa, narra y canta fragmentos de su alucinante vida teatral junto a sainetes, canciones y otros versos de la época que nos revelan a un actor virtuoso, pero también a un divertido antihéroe enamorado y sensual.-“

La historia tiene como referente una prisión en donde el personaje DIVINO PASTOR GÓNGORA es interpretado con la gracia, tristeza, asombro y frustración que el personaje protagónico precisa y qué el actor José Semafi logra inferirle cada vez que se alza el telón.

Para su interpretación solamente cuenta con el apoyo de una carreta vieja, a la usanza de la época medieval, de donde saca un pequeño tapete y una especie de rendija o corral que le sirve para montarse sobre él y dar lugar al personaje del Inquisidor.

 

La obra sin embargo, pese a presentar una situación cruenta, lleva muchos tintes de comedia, por lo cual logra arrancar algunas risas de los espectadores, pese a lo cruento de la trama y a lo austero de la escenografía presentada a media luz, lo cual sin embargo, es lo que le otorga una atmósfera realista, acorde con el ambiente de un encierro en territorio inquisitorio. DIVINO PASTOR GÓNGORA se presenta los días miércoles en el Teatro Helénico.

 

π ES

 

Por:  Eugenia Galeano Inclán
Septiembre 2018
Entre lo que aprendimos en la escuela se encuentra el número π (fonéticamente <pi>) en el sistema vigesimal, correspondiente a la geometría euclidiana.  π es un coeficiente que multiplicado por el diámetro indica la longitud de la circunferencia, es decir tres veces el diámetro se acerca a la longitud de la circunferencia, pero para alcanzar la exactitud hay que multiplicar el diámetro por la fórmula de π que es: 3.1416.   Una vez memorizada la fórmula, nos era fácil obtener los resultados.  π es un número irracional y una de las constantes matemáticas más importantes. En la vida cotidiana prácticamente no utilizamos el número π, pero en matemáticas, física e ingeniería su aplicación es muy frecuente.
Gabriela Rosero, originaria de Ecuador, es una destacada artista escénica, coreógrafa, bailarina  y docente especializada en danza contemporánea.  En su haber tiene múltiples premios, galardones y reconocimientos.  Actualmente reside en México.  Se le recuerda por su participación en la reciente temporada de "Do not Disturb", creación de Jessica Sandoval. 
Gabriela Rosero concibió un proyecto multidisciplinario para representar los caminos que recorremos con nuestros pies.  Decidió intitular su propuesta π ES, lo cual fonéticamente es <Pi-es>.  Por un lado, el número TT simboliza los ciclos de los recorridos en la vida y, por el otro, los pies son el vehículo que nos permite hacer tales recorridos.
Como lo indica el programa de mano de π ES, se trata de un unipersonal que transita por cuatro estaciones, a través de las cuales se evocan experiencias personales que remiten a situaciones de nuestro extenso caminar por la vida.  "Inspirada en los interminables y numerosos pasos que  <π> pasos que atravesamos a lo largo de nuestro caminar, desde que aprendemos a caminar hasta lo que <es> y significa estar de pie todos los días".
Gabriela Rosero acude a varias disciplinas en π ES.   Creó una original y compleja coreografía que ella misma interpreta.  La acompaña musicalmente y con interacciones escénicas la experimentada licenciada instrumentista Sibila de Villa, mexicana, con saxofón y flauta.  Los textos escritos por Gabriela incluyen ciertos fragmentos de poemas, como por ejemplo "Pero esta ciega anduvo sin tregua, sin parar, hora tras hora. Apenas tuvo tiempo de estar desnuda en el amor o en el sueño" de Pablo Neruda.  Así mismo, hay un dispositivo multimedia donde se proyectan imágenes de Gabriela caminando, pasos que se ven desde su propia perspectiva.  El ambiente huele a uvas, fresas y café.
Lo primero que se ve en escena es a una mujer de sofisticada belleza portando un vestido color rojo recostada sobre el piso.  El escenario está prácticamente vacío, sólo hay un reluciente cuenco metálico, donde en un momento dado habrán de verter agua, del techo cuelgan más de una docena de racimos de uvas, la mayoría artificiales combinadas con algunas reales.  Tanto Gabriela como Sibila se dan la oportunidad de explorar movimientos para cubrir diversos trayectos.  Sibila hace sonar sus instrumentos frente a una pared ahogando ligeramente el sonido, o bien, hacia el cuenco, lo cual dimensiona el sonido con tintes metálicos.  
Se habla de amor, de vencer miedos, de conocer lugares, de aventurarse, de soñar, de volar, de trabajo, de saborear el tiempo libre, de transformación y de muchas cosas más que son inherentes a nuestros pasos en distintos caminos.
Equipo creativo:  Gabriela Rosero en idea original, creación e interpretación.  Sibila de Villa, saxofonista.  Leticia Olvera en apoyo en iluminación.
Alberto Hernández y César Antonio Ramírez en equipo técnico.  Alicia Garzón / Agencia Lado A en RP & diseño.  Un Teatro y Agencia Lado A en difusión.  Débora Liliana Rodríguez en fotografías.
La producción es de la CÍA MOVIENTE.
Acude a ver π ES, un proyecto dancístico diferente, en el que dos artistas despliegan sus habilidades en la disciplina en la que cada una se ha especializado.  Ecuador y México se hermanan en el escenario en una propuesta estética, musical y luminosa.  Apresúrate porque la temporada está por concluir.
π ES
se presenta el sábado 29 de septiembre de 2018
a las 19:00 horas en
UN TEATRO
ubicado en Avenida Nuevo León número 46,
Colonia Hipódromo Condesa
Ciudad de México
Duración aproximada:  60 minutos
Costo de la localidad:  $200
Con descuento en taquilla: $150, presentando credencial vigente
Estudiantes de danza:  $75

EL ÁRBOL.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Como un homenaje luctuoso por los 20 de deceso de su autora Elena Garro, la Compañía MiróArte bajo la dirección escénica de Miguel Romero, contando con las actuaciones estelares de Mahalat Sánchez y Ángeles Cruz (quien alterna con Miriam Bravo) volvieron a representan la obra teatral EL ÁRBOL.

Ésta dramaturgia ya había sido presentada en el foro “A poco No” en nuestra Ciudad de México y, por el éxito que obtuvo es que nuevamente se lleva a escena, sólo que en ésta ocasión se representa en el Foro “La Gruta” del Ceno Cultural Helénico, debido al éxito que obtuvo.

EL ÁRBOL es una dramaturgia llena de simbolismos tanto étnicos como de la época recreada por su escritora Elena Garro, quien ubicara el referente de éste drama en los años 40’s en la Ciudad de México. Recordemos que Elena Garro (1916-1998) quien por cierto fuese la primera esposa de Octavio Paz, es considerada como una gran escritora mexicana perteneciente al género del realismo mágico e innovadora de la novela fantástica.

EL ÁRBOL es un drama lleno de intriga, suspenso, e incluso un poco de terror y conflicto. Sus personajes son totalmente vívidos, en especial el de la mujer indígena quien desnuda su alma tras los momentos cruentos de su vida.

Mahalat Sánchez en esta obra, muestra sus grandes dotes histriónicos que le hacen acreedora a calurosos aplausos por parte del público, quien la ovaciona emocionado por la gran emotividad que imprime en su personaje de Laura, la mujer indígena.

La trama un tanto costumbrista, da muestras de la idiosincrasia machista que imperaba en el México de los año 40’s en que las mujeres aprobaban ser golpeadas por los hombres, en aras de supuestamente “haberse portado mal” por lo que eran consideradas como “mujeres malas” . Ideología que aún impera en poblados étnicos pequeños o pueblos indígenas, en donde EL ÁROL, al cual alude la autora en la obra llevando el título, es realmente simbólico entre algunos indígenas quienes consideran qué con un fuerte abrazo, mitiga los pecados de quien lo rodea con sus brazos; rasgo que de la obra en el “Realismo Mágico”.

EL ÁRBOL es un drama que presenta en su narrativa a dos mujeres, una citadina de clase acomodada cuyo nombre es Marta, la otra es Laura, una mujer indígena aparentemente desamparada quien un día se presenta tras de haber sido golpeada por su marido en la casa de Marta. Las dos mujeres parecen ser amigas, sin embargo, tras el diálogo que lleva a la mujer nativa a descubrir su pasado tormentoso, Marta no solo cae en la cuenta de que está frente a una total desconocida, sino que además se enfrentará a una mujer peligrosa.

En la obra Elena Garro enfrenta a dos clases tanto sociales como étnicas diferentes, dando con ello pauta a situaciones adversas. Una mujer indígena narra los conflictos surgidos en el injusto señalamiento que le hiciese otra mujer, lo cual le lleva a cometer una solución extrema con ella.

En la trama, surgen ideas sobre el amor que imperaban en los albores del siglo pasado, mostrados a través del personaje de una mujer indígena, quien repentinamente pareciera haber llegado a la urbe de la ciudad. Dicho personaje protagónico en la trama servirá de pretexto a la escritora, para hacer de su dramaturgia una obra de denuncia social.

Dos mujeres comparten un diálogo en dónde la verdad caótica se deja entrever; situación dibujada mediante el diálogo a través de la psiquis de un personaje que se ciñe entre ser victima o victimaria.

 

El final la trama muy al estilo de la escritora Elena Garro, termina siendo un tanto inconclusa; ello en el sentido en que siempre estilaba dejar puertas abiertas para la interpretación final de su obra, tanto a sus lectores como a los espectadores. La obra teatral  EL ÁRBOL la puede Usted ver los días lunes en el foro “La Gruta”.

 

TÚ DECIDES CÓMO VIVES…?

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Divertido monólogo de Benjamín Rivero bajo la dirección de Rafael Perrín y Mauricio Martínez el cual nos hace cuestionar la manera en que hemos vivido, muchas veces por influencia familiar o social. Pero ¿hemos sido realmente felices? ¿las metas que pretendemos alcanzar, son realmente nuestras metas?, ¿los sueños que acariciamos, realmente nos llevan hacia la felicidad?

Éstas son algunas de las concomitantes que surgen con la propuesta escénica de Benjamín Rivero, quien en su discurso retórico presenta a diversos personajes los cuales son interpretados por él mismo.

Son personajes tanto femeninos como masculinos, de diferentes edades y estratos sociales, cuyas formas de vida, comúnmente solemos frecuentar cada día, nuestro entorno real. Sin embargo, vistos en éste montaje escénico, nos resultan caricaturescos.

Aquí cabe pensar sí ello se debe a la manera chuscas en que el mismo actor Benjamín Rivero los caracteriza, o bien, si se debe a que en algunas ocasiones nuestro comportamiento deja mucho que desear.  Sea la respuesta que sea, el personaje protagónico de la obra teatral TÚ DECIDES CÓMO VIVES…? representa a un hombre común, quien en aras de saber más, acerca de la felicidad, de cómo vivirla y cómo encontrarla, cuestiona a diversos personajes que se presentan en la trama. Con ello cae en la cuenta de qué cada uno de ellos vive su existencia sin tomar consciencia del camino que han seguido y finalmente terminan convirtiéndose en una “máquina reproductora de conductas a seguir”; conductas que socialmente nos han inculcado e introducido, como el mismo personaje protagónico argumenta, “a manera de chip” en nuestras cabezas, al darnos aparentes soluciones como, el de crearnos la necesidad de tener o depender de alguien con quien casarnos y tener hijos, el tener una buena preparación, tener un buen trabajo, tener un buen sueldo, tener una buena casa, tener un buen auto, tener grandes viajes, tener, tener, tener, tener…

Sin embargo el personaje protagónico ante tales cuestionamientos, un buen día decide marcharse solo, llevando consigo tres bolsos o mochilas pequeñas que carga a manera de único equipaje, en el cual porta sólo lo indispensable.

En el camino encontrará frío y lluvia, además de padecer de escasez de agua y alimentos, sin embargo se encontrará consigo mismo y con su esencia el cual en el fondo de su alma anhelaba. “Un viaje divertido y profundo al interior. TÚ DECIDES CÓMO VIVES….?

La puesta en escena resulta ser en un sólo cuadro escénico con duración de 75 minutos aproximados, carente de escenografía; empero a ello el equipaje portátil del personaje sirve al actor para escenificar en diversos tiempos escénicos, es decir, el espacio al que hace referencia, como fue el de mostrar una pequeña casa de campaña en la que se resguarda y que perfectamente hace imaginar al espectador, que el personaje se encuentra ubicado en el paraje de un campo, o bosque al que arriba sin rumbo fijo.

La actuación de Benjamín Rivero es acompañada con breves sonidos y piezas musicales a cargo de Charly Calva quien ambientan perfectamente la historia, cubriendo el objetivo de ésta peculiar puesta en escena, y cuya Compañía a manera de sinopsis expresa sobre su puesta en escena:

-“Monólogo teatral donde nuestro personaje se adentra a un viaje en soledad con el objeto de encontrar una respuesta a su pregunta: ¿Qué tal va tu vida? Y a su respuesta de “Más o menos”… Sin embargo, encuentra mucho más que esa respuesta, lo que poco a poco va encontrando no es una respuesta si no una conversación por primera vez con su yo interno” al cual tenía abandonado desde hace muchos años. Contando de una manera divertida, pero con dosis de profunda reflexión, el espectador va siendo cómplice y observador de un auténtico proceso donde un ser humano se va quitando poco a poco esas cargas tan pesadas que generalmente no nos permiten contactar con nuestra propia esencia, pretexto genial para que cada espectador haga junto con nuestro personaje su propio viaje personal y pueda así contactar con el yo real, no el fabricado por nuestra sociedad despiadada como la actual.”-

 

TÚ DECIDES CÓMO VIVES…? Se presenta en el Foro teatro boutique 37, en la calle de Londres 37, colonia Juárez en nuestra Ciudad de México en días domingos, cubriendo la doble función de 17:00 y 19:00 horas.

 

La opera AURA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Recreada en la obra póstuma del finado escritor panameño de padres mexicano Carlos Fuentes (1928-2012). AURA es la pieza operística que a partir del día de ayer sábado 22 de septiembre se estrenó en el suntuoso foro de Teatro de la Ciudad de México, Esperanza Iris.

Novela perteneciente al género literario fantástico de inspiración gótica, escrita en el formato de novela corta.  Obra ubicada como la mejor escrita en su género y de fundamental importancia dentro de la producción literaria en el siglo XX. Ha sido considerada como la más importante producción literaria de Carlos Fuentes.

Gracias a AURA dicho autor sería ovacionado con el “Premio Cervantes” en España, el cual recibió de manos de nada menos que de la aristocracia real local. Le contaremos qué anteriormente AURA, fue prohibida para algunos adolescentes a partir de que un padre de familia escandalizado se quejó de qué a su hija le habían dejado en escuela su lectura; hecho que dio como resultado al ser cuestionada por el medio, aumentó masivamente su compra entre muchos lectores, quienes seducidos por el escándalo decidieron comprarla haciéndola muy popular en el medio intelectual.

La trama de la novela tiene como referente el México de hacia 1962, momento en el cual un hombre llamado Felipe Montero, por su condición de historiador, será contratado por la anciana Doña Consuelo, quien es la viuda del General Llorente. Ello con la finalidad de que el joven tradujera las memorias del difunto bajo la condición de habitar el mismo inmueble que la anciana, ubicado en la calle de Donceles en el centro de la ciudad.

La casona resulta ser oscura y lúgubre, sin embargo la presencia de una bella joven y enigmática mujer llamada Aura, le detendrá haciéndole agradable la estancia. La joven despertará una gran pasión en Felipe Montero, quien tras de poseerla quedará prendado de ella, por lo cual le pedirá huir con él, de su supuesto encierro, en donde cumple tareas domésticas, pese a ser la sobrina de Doña Consuelo.

Él con intenciones de liberarla hará lo posible por persuadir a AURA para que abandone a su tía y así gozar juntos de su pasión. Entre tanto la presencia mítica de un gato y el verde de los ojos verdes de Aura surgen como simbolismos hechizando al joven, quien se ve envuelto en una extraña experiencia surgida en su convivencia con la joven y anciana.  

La historia se desenvuelve bajo una escenografía movible que da apariencia lúgubre por los efectos de iluminación modulados tenuemente. Dicha escenografía es movible gracias a la manipulación de personajes con apariencia cadavérica, vestidos totalmente de negro que manipulan los espacios y los mueble; estos sin embargo no aparecen en el texto escrito de Fuentes, pero en el desarrollo de la trama operística dirigida por Ragnar Conde, resultan indispensables.

La ópera de AURA se encuentra interpretada por la soprano Alejandra Sandoval en el rol estelar de la joven Aura. En el papel de Felipe Montero actúa y canta el tenor Alonso Sicairos-León. Carla López es Doña Consuelo en tanto que Carlos López actúa y canta caracterizando al difunto General Llorente.

 

Todos ellos bajo la musicalización interpretativa del Maestro Mario Lavista (y la Orquesta Filarmónica Mexiquense) quien dicho sea de paso, fue galardonado con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el año de 1991, otorgándosele además la medalla Mozart en el mismo año y el cual se le está celebrando.

 

HOMENAJE A JULIO CASTILLO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

No en balde uno de los foros más importantes de la ciudad de México lleva su nombre. JULIO CASTILLO es hoy en día considerado como uno de los grandes pilares del teatro mexicano del siglo XX.

Su forma subversiva, llena de emotividad mostraba las vivencias reales de los seres más desprotegidos de nuestro país, como son los indigentes, los teporochos, los asesinos, los homosexuales, las prostitutas etcétera , en quienes se interesó en representar.

Siendo uno de los narradores de sus circunstancias y de sus problemáticas, los mostraba bajo un toque peculiar cinematográfico que infería en sus puestas en escena teatrales intentando entrar en la psiquis de sus personajes y llegando a afirmar qué no intentaba mostrarlos para ventanearlos, sólo intentaba retratar la realidad de los que llamaba seres marginales entre los cuales, él mismo como director escénico sentía pertenecer de alguna manera. Todos ellos, según afirmara, tenían cabida en su corazón y eran los personajes a los que amaba.

Su gran sensibilidad y brotes de locura genial lo ubicaron en la vanguardia y en la mira de la crítica tanto periodística como social, llevándolo al extremo de ser descomulgado por la iglesia, junto con una de sus actrices protagónicas, como lo fue la primera actriz Ofelia Guilmáin; todo ello por retratar la cara oscura de nuestra ciudad.

En una de sus puestas en escena, por ejemplo, presentó a un joven caracterizado por el actor Eduardo Palomo, cuyo personaje tras ser invitado al departamento de una señora para tener sexo, él decide asesinarla. También representó el encuentro sorpresivo con un bebé muerto, abandonado en una bolsa dentro de un basurero y encontrado por unos jóvenes pandilleros quienes juegan con el bulto; entre ellos actuó Roberto Sosa. O bien, el caso de dos homosexuales bañándose en medio del escenario de un foro cuya salida solamente podía realizarse entre los mismos actores. La obra empero tuvo éxito en el entonces Distrito Federal, lo cual le llevó a ser montado en la ciudad de Caracas Venezuela, en donde sólo ganó insultos y la salida casi masiva de sus espectadores; hecho que haría llorar a JULIO CASTILLO.

Con motivo de los 30 años de aniversario luctuoso tanto su hijo, o sea el Señor Juan Cristóbal Castillo, como, Paloma Woolrich y Eugenio Cobo, Roberto Sosa y Heleane, todos ellos se integraron para formar parte del Comité Organizador, quienes con apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y la Coordinación Nacional de Teatro, efectuaron el día de ayer miércoles 19 de septiembre, una serie de actividades que iniciaron a partir de las 12:00 con un discurso de bienvenida y una proyección del documental denominado “Ciudad Infierno” en donde se incluyó de breve manera la biografía de JULIO CASTILLO y Además de ello una serie de grabaciones que en vida se le hicieron a tan importante homenajeado nacido el 3 de octubre del año de 1944 en el barrio de la Lagunilla en la Ciudad de México, entonces Distrito Federal, en donde también falleciera siendo el 19 de septiembre del año de 1988.  

Tras de ello, continuo “La tertulia” en donde participaron algunos de los colaboradores qué junto con JULIO CASTILLO hicieron posibles sus puestas en escena. Ellos hablaron de los pormenores que ocurrieron durante sus montajes así como de la personalidad de JULIO CASTILLO y sobre todo, de la manera en que fungió como el gran director escénico que fue, además de integrar la lectura de algunos fragmentos del libro denominado “Todo es teatro”.

 

Finalmente se contó con la proyección de uno de sus montajes mediante un video sobre la puesta en escena de la obra teatral “Vacío” y con una lectura de un texto escrito por Jesusa Rodríguez el día de su deceso, ello mediante la voz de Roberto Sosa, con quien inició y concluyó el Homenaje a JULIO CASTILLO el hombre que se considerara en vida mal padre y mal esposo, todo en aras del amor al teatro.

FENRIR:  El Dios lobo, podría desatar el Ragnarök en el teatro.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Basada en el mito nórdico de “FERIR, El dios lobo” la obra teatral se ha estado presentando a partir del día 3 de éste mes, bajo la Compañía “Teatrapos”; un grupo artístico el cual  intenta enfocar esta puesta en escena en especial para el público joven a quienes seduce tal vez más la temática a tratar de ésta obra teatral.

FENRIR, el dios lobo” es la primera parte de la trilogía llamada “Somos testigos de la relación entre Fenrir y Tyr”. Estos mitos nórdicos narran el enfrentamiento de dos jóvenes hermanos quienes se deberán confrontar por efectos de la profecía según la cual reza qué algún día Fenrir, conocido como “el gran lobo negro” devorará a Odín, quien es considerado como “el Padre de Todo.” Dicho suceso desencadenará El Ragnarök” que significa nada menos qué “El fin del mundo”.

La trilogía retoma temas diversos como son el de la madurez, lo bélico, la decisión, la pertenencia, el deber, la consecuencia la profecía y lo dado. Valores que para la cultura nórdica ancestral fuesen de transcendental importancia en su momento histórico.

Yafté Arias, su adaptador, comentó qué la trilogía que presenta la Compañía Teatrapos” fue lograda al matizarla a manera de continuidad histórica lineal, pese a que los textos originales se encuentran un tanto entremezclados, por lo cual debieron seleccionar las escenas para darles una secuencia que formaron como parte de trilogía.

La obra es por su tratamiento escénico una obra meramente épica, en donde el conflicto va siempre a la mano de los encuentros bélicos entre los personajes protagónicos de Fenrir, Tyr y Odín. De hecho, son puramente personajes masculinos, con excepción del de la hija de Odín, quien solamente aparece para servir de portavoz de los acontecimientos que lleva generalmente a su padre.

Por supuesto que ésta puesta en escena tenía que ser engalanada con vestuario secular local nórdico, el cual nos remite junto con sus diseños de peinados y maquillajes a la época ancestral.

Aunado a ello, se presentan tanto mascaras Balder como títeres enormes diseñados por Carolina Pimentel, quien con gran creatividad recrea de manera más idónea el ambiente mítico de la trama.

También es escenificada la obra teatral de “FENRIR, el dios lobo” con efectos sonoros emitidos a cargo de Oscar Kogsni quien le otorgó un toque de verosimilitud a la trama. La dirección artística de “FERIR, el dios lobo” se encuentra a cargo de Andrea Cruz Meléndez y se presenta en el Teatro El Granero, Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque los días lunes y martes bajo la producción del INBA y de la Secretaría de Cultura en la ciudad de México.

 VASELINA vuelve al escenario teatral.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


Una de las películas que marcó época en los años 70’s fue  Greasse, (VASELINA) cuyo texto original corrió a cargo de Jim Jacobs & Warren Casey. Éste largometraje se estrenó el día 2 de noviembre de 1978 en la Unión Americana bajo la dirección de Randal Kleiser. Fue una producción de Allan Kerr en donde actuaron dos jóvenes valores de entonces, lo cual les dio la oportunidad de darse a conocer además en gran parte de Latinoamérica y en algunos países de otras latitudes.

Dichos jóvenes actores fueron como es de todos bien sabido, Olivia Newton Jhon, quien interpretó a una joven ingenua y candida australiana. Como su pareja protagónica actuó John Travolta, en el rol protagónico de Danny, el líder de una pandilla juvenil.

El éxito obtenido colocó al musical de VASELINA inmediatamente en los escenarios teatrales. Los foros de México no fueron la excepción, pues ha habido diversas puestas en escena, siendo tal vez las más conocidas en nuestro país las realizadas por la actriz y directora teatral Julissa, a quien se debió además la traducción y adaptación del texto.

Hoy en día el gran productor Morris Gilbert y la empresa “Mejor Teatro” OCESA y “Bobo”, junto con un grupo juvenil denominado “Lemongrass” el que por cierto esta compuesto por 27 integrantes adolescentes, se están dando a la tarea de preparar no una, sino DOS puestas en escena de VASELINA para ser representada los fines de semana para finales del mes de octubre, bajo la misma adaptación escénica de la Señora Julissa.

Y para que éste ultimo párrafo sea de más entendimiento, le explicaré qué se está planeando realizar 3 funciones en turnos matines y, siete vespertinas, en el Teatro San Rafael de ésta Ciudad, a partir del día 27 de octubre del año en curso con el título “VASELINA 2018 con Lemongrass”.

El reparto estelar estará compuesto por teen-agers con montajes diferentes en cuanto a vestuario y selección de canciones a presentar, que diferenciarán las representaciones teatrales en cada turno, como según lo dio a conocer su director artístico, pues una puesta teatral será con chicos de secundaria, en tanto que la otra con preparatorianos; adolescentes que visten y actúan de manera diversa, según explicó con sus propias palabras.

Los adolescentes actores que integrarán el reparto estelar son Paty y Paula (como Sandy), Ivanna, Sophie Jelly, Emiliano (en el rol de Danny), Nathan y Jael (integrantes de Lemongrass). María Bracho, Dany Santos, Dánika Peña, Ximena González, Ian González, Sergio Maya, Mateo Ramírez Velazco, André Real, Gabo Fritsch, Leonardo Carrillo, Ana Gutiérrez, Majo González, Sharon Odrozola, José Peralta, Oscar Aguilar, Julieta Miranda, Sofía Domínguez, Axeel Díaz Jessica Rodríguez y Roberto Mendoza.

VASELINA nuevamente promete ser un éxito en taquilla.

 

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Escrita por Manuel Puig, la obra teatral EL BESO DE LA MUJER ARAÑA promete ser un éxito nuevamente en taquilla, por el gran trabajo del equipo qué junto con Juan Torres, su productor, están logrando hacer con este musical para que alcance un excelente nivel tanto histriónico como escénico.

Le comentaremos de entrada qué su escritor, como a-priori mencionamos, fue Manuel Puig nacido en la provincia de general Villegas, Argentino en el año de 1932 y quien falleciese en 1990. Él obtuvo grandes éxitos con sus obras “Boquitas pintadas”, “Pubis angelical”, “El lugar sin límites”, “La última cena” y EL BESO DE LA MUJER ARAÑA la cual fue también llevada al medio cinematográfico por su calidad artística, además de haber sido representada tanto en Buenos Aires, como en Broadway y muchas otras ciudades incluyendo por supuesto a la Ciudad de México.  

Por ello es que a partir del día 6 de septiembre el Teatro Hidalgo en la ciudad de México, se vistió de gala al representar la premier de la temporada de LA MUJER ARAÑA para cuyo efecto fue convocada la prensa e invitados, junto con el público que mantuvo lleno el foro con su presencia.

Para tal efecto el Señor Juan Torres expresó literalmente en el programa de mano de la obra:

-“ Esta producción marca el regreso a los escenarios a nivel mundial de uno de los musicales más completos que he tenido oportunidad no sólo de conocer, sino de explorar de la mano de un equipo creativo y artístico de primer nivel.”-

La puesta en escena de EL BESO DE LA MUJER ARAÑA cuenta con una magnifica coreografía, jóvenes bailarines quienes acompañan la mayor parte escénica a Chantal Andere, la actriz protagónica quien canta, baila y actúa espléndidamente portando un vestuario muy suntuoso y elegante, interpretando las letras de Fred Ebb, bajo la musicalización de John Kander, ello acorde con el libreto a cargo de McNally.

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA es una puesta en escena en dos tiempos que escenifica una prisión en donde Rogelio Suárez actúa en el rol de Molina, un hombre acusado por el hostigamiento sexual hacia un joven, por lo cual es reclutado en una prisión junto con Valentín, un revolucionario con afanes de libertad e igualdad, con quien compartirá celda; dicha actuación, esta a cargo del actor Jorge Gallegos.

Ambos comparten créditos estelares junto con Chantal Andere, quien personifica a una gran actriz a quien el reo Valentín tiene gran admiración a través de sus múltiples películas, con excepción del filme EL BESO DE LA MUJER ARAÑA la cual le despierta cierta aberración porque la asocia con las experiencias cruentas en su vida.

 

Por ello EL BESO DE LA MUJER ARAÑA se convierte en el título y la parte medular de éste drama musical, como lo expresó con otras palabras a la prensa presente dicho día, su director artístico, el Señor Miguel Septién, cuyo trabajo es realmente de aplaudir.

 

EL BIEN DEL PAÍS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Timberlake Wertenbake es una escritora y traductora neoyorkina nacida en los Estados Unidos en 1965, creadora de la dramaturgia teatral EL BIEN DEL PAÍS. Dramaturga quien gene basa generalmente sus textos motivada en algunos escritos británicos dirigidos a la Corte Real Británica, siendo en especial a los shakesperianos o de la época isabelina.

EL BIEN DEL PAÍS no es una excepción y aunque recrea un siglo posterior a la época de Shakespeare, en la misma dramaturgia menciona a tan destacado dramaturgo junto con otros grandes autores ingleses a quienes admira y, aún cundo solo en breve dialogo les menciona, su obra esta plegada de anglicismos.

La Compañía “Imperdible Teatro” cuyo consejo bufonesco esta a cargo de Bruno Bichir y Tarimarta, bajo la dirección artística de Zachary Fine presentaron EL BIEN DEL PAÍS con la traducción al español de Héctor Pascual en el Foro Shakespeare; sin embargo como ya es bien sabido en el medio teatral, dicho foro tendrá que cerrar sus puertas al público en aras de su próxima y lamentable demolición.

Por ello y en apoyo a dicha Compañía, el Señor Alejandro Gou, director general del Centro Cultural Teatro 2 (CCT2) brindó el amplio foro para la representación de este drama con brotes de comedia; hecho por el cual el día de ayer martes 11 de septiembre, asistieron algunas personas implicadas laboralmente en ambos espacios culturales, a la presentación de la premier en el Tetro 2 del Centro Cultural de la obra EL BIEN DEL PAÍS llenando el amplio foro con más de 1000 espectadores quienes ovacionaron con sus aplausos a todo el equipo teatral.

La historia fue presentada en dos tiempos escénicos, y un cuadro escenográfico el cual muestra la proa o parte superior de un barco comandado por gente de la armada inglesa, quienes trasbordan a un grupo de sirvientes y esclavos.

A bordo del barco un teniente propone el montaje de una comedia teatral contando con la gente capturada, ante lo cual su capitán accederá. La historia transcurre mostrando los pormenores que entre los personajes se suceden ante tal empresa a llevar. Todo ello surge entre momentos tanto cruentos como chuscos.

Con un lenguaje totalmente coloquial, los diálogos resultan sencillos, pese ha haber sido escrita bajo el lenguaje del inglés antiguo, con el objetivo de mantener la métrica según la usanza secular que la obra presenta como referente, ubicando la historia en los mares que circundan la Isla Británica en el transcurso del siglo XVII.

De más tal vez esta decir qué tanto la escenografía como el vestuario y peinados también corresponden a dicha época, para darle la veracidad necesaria, en tanto que la trama presenta un mezcla de sometimiento y rebeldía por parte de la casta nativa sometida por el yugo inglés, lo cual por su tratamiento se podría considerar un tanto como obra de denuncia.

 

EL BIEN DEL PAÍS se esta presentando gracias a Gou Producciones, la Compañía “El Petit Comité” y la Producción Foro Shakespeare.

FENRIR:  El Dios lobo, podría desatar el Ragnarök en el teatro.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Basada en el mito nórdico de “FERIR, El dios lobo” la obra teatral se ha estado presentando a partir del día 3 de éste mes, bajo la Compañía “Teatrapos”; un grupo artístico el cual  intenta enfocar esta puesta en escena en especial para el público joven a quienes seduce tal vez más la temática a tratar de ésta obra teatral.

FENRIR, el dios lobo” es la primera parte de la trilogía llamada “Somos testigos de la relación entre Fenrir y Tyr”. Estos mitos nórdicos narran el enfrentamiento de dos jóvenes hermanos quienes se deberán confrontar por efectos de la profecía según la cual reza qué algún día Fenrir, conocido como “el gran lobo negro” devorará a Odín, quien es considerado como “el Padre de Todo.” Dicho suceso desencadenará El Ragnarök” que significa nada menos qué “El fin del mundo”.

La trilogía retoma temas diversos como son el de la madurez, lo bélico, la decisión, la pertenencia, el deber, la consecuencia la profecía y lo dado. Valores que para la cultura nórdica ancestral fuesen de transcendental importancia en su momento histórico.

Yafté Arias, su adaptador, comentó qué la trilogía que presenta la Compañía Teatrapos” fue lograda al matizarla a manera de continuidad histórica lineal, pese a que los textos originales se encuentran un tanto entremezclados, por lo cual debieron seleccionar las escenas para darles una secuencia que formaron como parte de trilogía.

La obra es por su tratamiento escénico una obra meramente épica, en donde el conflicto va siempre a la mano de los encuentros bélicos entre los personajes protagónicos de Fenrir, Tyr y Odín. De hecho, son puramente personajes masculinos, con excepción del de la hija de Odín, quien solamente aparece para servir de portavoz de los acontecimientos que lleva generalmente a su padre.

Por supuesto que ésta puesta en escena tenía que ser engalanada con vestuario secular local nórdico, el cual nos remite junto con sus diseños de peinados y maquillajes a la época ancestral.

Aunado a ello, se presentan tanto mascaras Balder como títeres enormes diseñados por Carolina Pimentel, quien con gran creatividad recrea de manera más idónea el ambiente mítico de la trama.

 

También es escenificada la obra teatral de “FENRIR, el dios lobo” con efectos sonoros emitidos a cargo de Oscar Kogsni quien le otorgó un toque de verosimilitud a la trama. La dirección artística de “FERIR, el dios lobo” se encuentra a cargo de Andrea Cruz Meléndez y se presenta en el Teatro El Granero, Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque los días lunes y martes bajo la producción del INBA y de la Secretaría de Cultura en la ciudad de México.

 

PRINCÍPE Y PRÍNCIPE un amor que sobrepasa estereotipos.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

* Sala Villaurrutia, CCB

 

Texto escrito por Perla Graciela Szuchmacher Pallarolas (dramaturga, directora y actriz argentina) en el que se ventila el, repentino amor de una pareja homosexual, llamado comúnmente como “amor a primera vista”.

-“El amor la pasión y la felicidad no están condicionadas a cumplir esteriotipos sociales, e incluso trascienden sobre ellos. Es así como la trama revela a un joven heredero que podría terminar encontrando la felicidad en otro príncipe.”-

Este es el argumento que sustenta la parte médular de la obra teatral infantil “PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE un amor que sobrepasa estereotipos” un amor que trasciende cualquier tipo de prejuicios. El título por supuesto sugiere de inmediato dicha idea de la autora, sin embargo, siendo una obra para el público infantil, surgió la pregunta del ¿cómo tomarían dicha propuesta o ideología, el público adulto que lleva a sus pequeñitos?

Pregunta por sí misma muy polémica, pese a estar sustentada, como explico el director escénico, con una realidad social apoyada, incluso por las leyes de nuestro país, leyes las cuales apoyan hoy en día al matrimonio homo-sexual permitiéndoles unirse en matrimonio.

Pero más allá de los juicios personales al respecto, la trama resulta ser muy ingeniosa, conteniendo un lenguaje sencillo y argumentos creativos qué hacen que la historia, resulte ser realmente divertida porque logran estructurar perfectamente el referente de la trama, es decir, construyen la sociedad de la época europea en su periodo barroco, perfectamente, de tal modo que nos remite a revivir los cuentos leídos o vistos en nuestra infancia.

Pero, ¿cómo lo logran? tal vez Usted se pregunte. Pues bien, ello es gracias a la estupenda y escenografía que pese a no ser movible ni cambiante, enmarca una estancia del palacio en donde se desarrolla toda la historia de amor; aunado a ello, los códigos sociales seculares que se entretejen perfectamente en los diálogos, el vestuario acorde a la época del medioevo en la cual se enmarca la historia, así como el maquillaje y uso de pelucas que nos recuerdan a la aristocracia inmersa en aquella época de los grandes reinados.

Finalmente la obra “PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE un amor que sobrepasa estereotipos” cumple con su mayor cometido que es precisamente el remitir al público, a los cuentos de hadas en donde nunca pueden faltar los príncipes en búsqueda del amor.

La obra se encuentra dirigida por Artús Chávez, quien sugiere una reflexión en torno a las nuevas relaciones amorosas actuales “basadas en códigos y conductas socialmente aceptadas”, como según informó.

“PRÍNCIPE Y PRINCIPE un amor que sobrepasa estereotipos” es parte del proyecto escénico de La Compañía “Caja de Teatro” cuya finalidad es dirigirse al público joven, en aras de “buscar y transmitir problemáticas de distinta naturaleza y perspectivas diferentes”.

 

En la obra participan Anahí Allué en el rol de la Reina, quien se destaca con su actuación. Con ella actúan Eduardo Siqueiros, Miguel Romero, José Ramón Bergaza y Margarita Lozano. Se presenta en el teatro Xavier Villaurrutia

 

TERROR

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Cuestionarse si alguien por sus acciones logra ser un héroe o más allá de lograrlo sea no solamente visto como un verdadero villano, sino como un asesino masivo, es una situación no solamente embarazosa, sino difícil de resolver.

El personaje de Lars Koch caracterizado por el joven actor Juan Pablo Gil, logró empero a ello la indulgencia del público espectador, quien fungió como jurado en la obra teatral recientemente estrenada, denominada TERROR.

Comenzar con este párrafo suena un juicio extremista y confusa, aseveración que vale la pena aclarar. Por ello le explicaré qué Lars Koch es, simplemente un personaje de ficción salido del tintero de escritor alemán Ferdinand Von Schirach, abogado penalista.

Su obra en donde la ficción resulta parecer muy real, en el sentido en que el lenguaje utilizado por el dramaturgo, encaja perfectamente por los diálogos que se emiten, en un juicio legal.

Ello no es extraño cuando nos enteramos de que Ferdinand Von Schirach nacido en el año de 1964 en Munich, es un eminente abogado defensor, quien gracias a sus litigios pudo escribir varias historias de ficción, con tintes de sucesos reales.

Es un eminente escritor, quien en el año 2015 había podido mantener su obra durante el periodo de 57 semanas, en la lista de los best sellers en la prestigiosa revista local de su país denominada “Der Spiegel”, inspirando su compendio de cuentos en algunos casos re  llevados a juicio durante su desempeño como abogado.

A dichos cuentos los tituló  en calidad de libro físico con el nombre de “Crimen” en el año 2009. “Culpa” fue su segunda colección, los cuales publicaría en el 2010, recibiendo el premio Kleist. Posteriormente su libro “El caso Collin” mantuvo gran éxito respecto a su venta. Como dramaturgo, Fernanding Von Schirach debutó en el año 2015 precisamente con la obra teatral TERROR.

En la trama, un avión con 164 pasajeros es secuestrado. El terrorista obliga al piloto que lo comanda, a dirigirse a un estadio de foot ball de Munich con la finalidad de acabar con el, en donde se estima que se localizan cerca de 72,000 personas. Ante dicha situación y desobedeciendo a sus superiores, un piloto de la fuerza Aérea decide atacar el avión secuestrado; caso por el cual será juzgado.

Esta es un drama que invita a la reflexión, poniendo en tela de juicio si se deben impugnar los valores legales establecidos, en aras de proteger un concepto moral, surgido de una situación adversa.  

En la obra se pone en riesgo la libertad y la reputación de una persona hasta ese momento irreprochable, quien se ve en la necesidad de tomar una resolución extrema ante la amenaza del atentado terrorista que ponía en riesgo a millares de personas.

El veredicto lleva a sopesar, si vale más apegarse a la legalidad en dicho caso extremo por resolverse, o la parte moral en donde se vieron involucradas como víctimas un ciento de personas inocentes, o a la numerología que implicaba el objetar que de no actuar morirían una mayor cantidad de personas.

TERROR fue traducida y adaptada por Ana Graham  junto con Antonio Vega, quien además dirigió la puesta en escena. Los actores que participan son Juan Pablo Gil, Sergio Zurita, Alejandro Morales, Antonio Vega, Allan Flores, Belén Aguilar, Mónica García y la misma Ana Graham, colaborando también con el diseño del vestuario arquetípico en un juzgado alemán. La obra se presenta en el Centro cultural Helénico.

LA BODA DE LOS PEQUEÑOS BURGUESES

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

LA BODA DE LOS PEQUEÑOS BURGUESES se estrenó el 23 de agosto con gran éxito, como suelen suceder con las numerosas puestas en escenas del director artístico Luis de Tavira, quien como Usted sabe, se ha destacado por su gran talento en el medio teatral, colocándolo en el gusto del público conocedor.

Luis de Tavira, quien durante su pretensión de ser parte de la Orden Religiosa Jesuita, encontró su verdadera vocación de hombre de teatro, condición que le llevó a dejar los hábitos para consagrarse en la dirección escénica.

En esta ocasión dirige con la colaboración de Antonio Zúñiga, siendo este ultimo, quien realizó la adaptación del texto de LA BODA DE LOS PEQUEÑOS BURGUESE original de Bertolt Brecht.

Bertolt Brecht (1898-1956) uno de los más afamado poetas y dramaturgos del siglo XX, nacido en Augsburgo, Alemania, retrató la miseria humana sin tapujos, lo cual le llevo a ser reconocido en el medio artístico como un gran luchador social.

En su obra LA BODA DE LOS PEQUEÑOS BURGUESES presenta a la sociedad pequeña burguesa naciente del capitalismo, grupo social el cual, con pequeños logros económicos se enaltece a sí misma con miras de exquisitez y prestancia simulada, que los lleva en ocasiones a situaciones extremas de prepotencia humana al querer hacer gala de su nueva posición como sucede en la trama de dicha obra.

LA BODA DE LOS PEQUÑOS BURGUESES presenta una fiesta de barriada, en donde los padres de los cónyuges hacen gala de un gran derroche, ante su posición económica ya privilegiada.  

Los personajes se presentan con un vestuario colorido y un tanto estrafalario, acorde con los arreglos del banquete y la atmósfera. La música popular jocosa y el exceso de alcohol aunado a chistes y narraciones inoportunas, producen enfrentamientos entre algunos de los invitados, entre las promesas eternas en la oratoria familiar.

De pronto surge en la celebración nuevas pretensiones de romances pasionales. También surgen algunas traiciones guiadas por frases y comentarios inapropiados, que llevan al festejo a ser un evento catastrófico, en donde realidades ocultas salen a flote.

-“ Como la autentica poesía, el teatro de Bertolt Brecht vuelve a encontrar lo concreto. En este caso, lo concreto de la sociedad, y más cabalmente, lo concreto del pequeño barrio de la gran ciudad. Aquí se expondrán festivamente, de forma despiadada, las contradicciones del pequeño gran mundo para que nos reconozcamos, y entre los pasos que van del frenesí ilusionado al más amargo desencanto, hallemos la ruta para transformarlo.”- Señaló Luis de Tavira.

Tavira comúnmente hace uso de escenografías movibles y variadas que hacen de la puesta en escena un deleite. También hace la presentación de numerosos artistas y si precisa la obra, de coreógrafos. En esta ocasión, incluso en el escenario entró un taxi.

La obra es presentada en un solo acto escénico, siendo parte del elenco estelar Isabel Benet, Mercedes Hernández, Abraham Jurado, Christian Cortés, Carlos Felipe López, Julián Perdomo, Gisela García Trigos, Antonio Zúñiga, Enrique Flores, José Antonio Becerril y Ollin Muñoz.

LA BODA DE LOS PEQUEÑOS BURGUESES esta en el Teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque de la Ciudad de México, bajo la producción del INBA y de la Secretaría de Cultura hasta el 30 de septiembre, en los días de jueves a domingos.

LA HECATOMBE

POR Dalia De León Adams

 

¿Qué pasaría si los ex-presidentes mexicanos, responsables de algunos de los grandes infortunios traducidos en masacres que han desgarrado a nuestro pueblo, de pronto, post-mortem se levantaran de sus tumbas para hablar sin tapujos sobre la responsabilidad que aún pesa sobre sus criptas heladas?

Evidentemente esto es imposible, pero no, para la pluma del escritor Juan Tovar, dramaturgo mexicano, autor de la reciente puesta en escena LA HECATOMBE quien se recreó en dicha idea.

Pero comencemos con definir el término de “Hecatombe”:  Vocablo que proviene del griego “Hekantómbê” que designaba al sacrificio religioso en donde se mataban a 100 bueyes para ser ofrendados a sus Dioses.

Por ende, de este modo en el programa de mano, ofrecido para asistir a la función de la obra teatral LA HECATOMBE se puede leer como parte aclaratoria o medular de ésta puesta en escena:

-“ Hecatombe: sacrificio de cien bueyes… Ojala. Cientos. Miles, nadie sabe cuántos fueron. Media hora de fuego cerrado sobre diez millares de personas y otra media hora de fuego a discreción. Estudiantes, simpatizantes, curiosos, vendedores ambulantes, gente que nomás pasaba por ahí. Mucho joven pero también ancianos, madres con niños. ¿Acaso algo se hubiera podido hacer?

Este párrafo es parte del speech que el personaje protagónico del ex-presidente Gustavo Díaz Ordaz emite durante un momento escénico en LA HECATOMBE, aún cuando el nombre del personaje se esconde bajo otro apelativo. Empero a ello el publico lo identifica inmediatamente tanto por su caracterización física, como por el diálogo que sostiene con uno de sus homólogos en escena.

No es casual qué al margen de los 50 años de la conmemoración de la matanza acontecida en 1968 en Tlatelolco, varios dramaturgos se estén dando a la tarea de tomar la temática, comprometidos socialmente ante la injusticia y las desavenencias padecidas.  Por ello, la HECATOMBE ofrece datos periodísticos de los hechos acontecidos durante y tras los homicidios masivos del 68.

LA HECATOMBE es un drama que ofrece los pormenores de manera documentada, a través de los diálogos ficticios entre los personajes, pero qué son sustentados con datos fehacientes que aún desgarran a nuestro pueblo mexicano con su recuerdo.

LA HECATOMBE se presenta en el Teatro Sor Juana Inés de la Cruz en el Centro Cultural UNAM, bajo la dirección artística de Carlos Corona y el elenco estelar formado por los actores Rodolfo Arias, Jorge Ávalos, Emilio Guerrero, Nalleli Montero y Luis Arturo Rodríguez , además de la colaboración sobre la documentación de los textos investigados a cargo de Beatriz y Virgilio y por supuesto, del apoyo de iluminación y escenografía de Metías Gorlero. Todos ellos bajo la producción UNAM.

COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La “Compañía Productora Ortiz de Pinedo” esta presentando la divertidísima comedia  original del escritor español Alfonso Paso, titulada COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ en donde actúa y dirige el Señor Jorge Ortiz de Pinedo.

Jorge Ortiz de Pinedo Pallás fue el vástago de dos luminarias del “Cine de Oro Mexicano” como lo fueron Don Oscar Ortiz de Pinedo y la Señora Lupita Pallás. Él es uno de los actuales productores, escritores, directores y actores más prolíficos del medio mexicano.

Entre los programas televisivos en los cuales ha participado ya sea como creativo, productor o actor, se encuentra “El Doctor Cándido Pérez”, “Cero en conducta”, “La escuelita VIP”, “Una familia de dos”, “Qué padre tan madre”, “Hasta que el dinero nos separe” y ”Dos hogares . Todos ellos manteniendo un excelente rating  televisivo.

En el teatro también ha tenido numerosas colaboraciones, siendo algunas de las más recientes “La última sesión de Freud”, “La Dalia Negra” y “El fantasma en el espejo”.

Hoy en día presenta la obra teatral COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ. Sobre esta le comentaré qué Jorge Ortiz de Pinedo junto con la también talentosa primera actriz Susana Alexander, logran llenar cada función el foro haciendo que el público ría constantemente a carcajadas. Este los ovacionan al final de la obra teatral, poniéndose de pie en mayoría.

Junto con ellos aparecen como parte del elenco estelar los actores Ricardo Margaleff, Daniela Luján y Sergio Zaldívar, siendo los dos primeros quienes ya han ido colaborando con el Señor Jorge Ortiz de Pinedo, en otros de sus anteriores proyectos.

COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ es una puesta en escena en dos actos, escrita bajo el género de la comedia romántica la cual consta con el apoyo de dos cuadros escenográficos; el primero simula un consultorio médico en donde se da cabida al encuentro entre todos los personajes protagónicos. El segundo recrea la sala de un departamento habitacional. Escenografía e iluminación a cargo de Teresa Alvarado, quien logra enmarcar perfectamente el ambiente que se precisa para el desarrollo de la trama.

COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ fue escrita por el afamado dramaturgo español Alfonso Paso (1926-1978) quien es considerado como uno de los autores hispanos más prolíficos del siglo pasado, hecho por el cual sus  obras han sido traducidas a 30 idiomas, además de ser ovaciona en diferentes ocasiones y de lograr mantener 23 años en cartelera a su obra teatral “Enseñar a un sinvergüenza” en capital la Londinense.

La dramaturgia presenta una historia en donde dos personas de edad avanzada se encuentran justo en un consultorio médico, tras de los constantes y abundantes achaques que ambos creen sufrir. Su médico cae en la cuenta de que ambos son dos seres sanos, quienes crean en su mente múltiples trastornos de salud, ante la falta de ilusión, compañía y amor.

Frente esta situación, el médico se dará a la tarea de unirlos para que ambos recobren su autoestima y por ende, su salud. Una cita romántica entre ambos acompañada por copas de champagne, hará que el encuentro entre dos almas gemelas sea inolvidable. El amor surge inyectándoles energía e ilusión, sin embargo, sus hijos intentarán separarlos ante las ideas surgidas de los prejuicios por la edad.

COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ se presenta en el “Teatro Royal Pedregal” todos los fines de semana cubriendo doble función hasta el mes de octubre próximo.

LA BRUMA Y LA GRULLA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

En el marco del evento DramaFest, es decir,  el Festival de dramaturgias en el 2018, se esta presentado la obra original de Adriano Mandriles intitulada LA BRUMA Y LA GRULLA que fue seleccionada por su texto muy bien estructurado e interesante historia romántica.

Bajo la dirección artística de Andrómeda Mejía y la interpretación protagónica de dos grandes talentos histriónicos como son la actriz Rosa María Bianchi y Miguel, la obra resulta todo un deleite.

Escrita en formato de drama LA BRUMA Y LA GRULLA como su título sugiere, enmarca al amor dentro de la penumbra. Una penumbra de la bruma temporal que como referente sugiere la autora y la bruma que surge del corazón de los dos enamorados, quienes se reúnen para darse su ultimo adiós.

El amor a prueba de todo, pese a la distancia que mata poco a poco, pero que aviva una pequeña esperanza en sus corazones como una promesa constante por un nuevo encuentro, casi clandestino.  Se ventila el amor secreto infortuito entre dos personas maduras qué pese a amarse tras 16 años del primer encuentro, han vivido separadas ahogando sus sentimientos.

Los errores y el destino les llevan por diferentes sendas a dos seres que se desean y se aman, pero después de años de espera el atreverse a dar el paso decisivo, lleva a enfrentar la letal realidad.

La puesta en escena se desarrolla en una plataforma movible que simula lo alto de una construcción, en donde los actores logran cautivar al público con sus actuaciones quienes ya de inicio, predicen el drama.

LA BRUMA Y LA GRULLA es un texto breve e ingenioso que advierte la psiquis de los dos personajes vulnerables que viven en aras de un pasado sin respuestas  sin solución. Sobre esta historia se lee en el programa de mano, en el cual aparece de manera textual:

-“Suspendidos en su deseo o en su más profunda imposibilidad, Elena y Mario se reencontrarán como cada año, esta vez no para ocultar sus vacíos sino para dejarlos al descubierto, para recordarse todo aquello que han querido y no se han atrevido a vivir. Un reclamo que se repite cada vez más fuerte para escuchar aquello que ya no se puede creer.”-

La obra teatral LA BRUMA Y LA GRULLA se encuentra bajo la producción de la UNAM y se presenta los todos los fines de semana hasta el 2 de septiembre en el foro del Teatro Santa Catarina.

NENITAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Escrita y dirigida por Josafat Aguilar Rodríguez, las narraciones se encuentran sustentadas en diversos cuentos, cuya autora es Zylvia Aguilar Zeleny, escritora originaria de Hermosillo, México. Nació en 1973 y a sus 45 años cuenta con obras como NENITAS, “Una no habla de esto” y “No son gente como una”.

NENITAS tiene como protagonistas a quince diferentes actrices de edad madura, quienes son interpretadas cada una de las diferentes historia de mujeres que cuentan su propia vida, ya en edad avanzada o en l ocaso de sus vidas.

Las adaptaciones de Josafat Aguilar Rodríguez muestran a trece personas del género femenino que han tenido una vida difícil, mostrando con sus textos sus lados vulnerables. Reviven una forma de ver y vivir la vida de manera particular, en donde el dolor y la incomprensión son el la mayoría de los textos, una constante frecuente.

NENITAS se muestra muy ad-hoc a la parte médular de lo que denuncian los textos adaptados a manera de sinopsis y, que dan inicio en la etapa de la infancia. Ello mediante el recurso escenográfico de retrospecciones temporales que utiliza cada actriz, para dar a conocer al público su historia, casi siempre desgarradora.

NENITAS es la sinopsis de diversos monólogos que son representados por Alicia Carrasco, Leona Rosas, Graciela Estrada, Pilar Camacho, Luisa Velazquez, Sylvia Dávila, Lucina Huitrón, Ángela Hernández, Martha Ramírez, Sonia Cruz, Celia Velázquez, Alma García, Ricardo Chávez, Julia Uribe y Lourdes Rodríguez.

Todas ellas actúan de cuatro en cuatro; es decir qué cada función esta formada por cuatro narraciones cortas. Ello hace que cada fin de semana sea totalmente diferente las escenificaciones e historias de las mujeres lastimadas por un sistema machista recalcitrante. Esto empero a estar planeada cada puesta en escena, para el público infantil a partir de los doce años, por lo cual las representaciones teatrales suelen ser en el margen del día.

Cada representación se ve acompañada de una presentación coreográfica a cargo de Itzel Razo en escena. De tal modo qué Usted presenciará algunos bailes ejecutados por las misma actrices, tanto al inicio, como a la mitad y al final de la obra.

En suma se representan a trece NENITAS que narran circunstancias adversas en diferentes etapas padecidas en sus vidas.

-“ Trece mujeres envueltas en sucesos trágicos de la vida cotidiana enfrentarán sus historias con sagacidad, mordacidad, ironía, ternura, ingenuidad y humor.”-

NENITAS se presenta en el Teatro Orientación en el Centro Cultural del Bosque, los días sábados y domingos  hasta el 2 de septiembre, bajo la producción del INBA y de la Secretaría de Cultura en México.

A OCHO COLUMNAS

POR: Dalia maría Teresa De León Adams.

 

¿Qué tanto existe la manipulación en los programas y medios informativos? Es una pregunta interesante qué tal vez no nos habíamos cuestionado antes. La respuesta no importa, por el momento en el presente artículo, sino la puesta en escena del dilema periodístico surgido en A OCHO COLUMNAS.

Salvador Novo, poeta, ensayista, dramaturgo e historiador mexicano, quien perteneció a un importante grupo de escritores denominado “Los Contemporáneos” es el  autor de la dramaturgia teatral A OCHO COLUMNAS, la cual es una obra de denuncia ante la corrupción que existe en algunos medios periodísticos en los cuales las noticias son manipuladas a conveniencia de un sector social, un grupo familiar, un político o una persona en particular.

Empero a ello, el dilema periodístico de A OCHO COLUMNAS no resulta ser una historia en donde se incluya a todo un sector, sino parte de éste, como suele suceder en la vida real. Aún cuando los personajes son tratado bajo un matiz totalmente maniqueísta, en donde los buenos son intachables y los corruptos son deleznables , la puesta en escena no deja de parecer totalmente verosímil.

Teniendo como director escénico al Señor Fernando Bonilla, la puesta en escena es todo un deleite creativo, aunado a las magníficas actuaciones  y por supuesto al excelente texto de Salvador Novo.

El amor, la intriga, la competitividad, la deslealtad,  la avaricia, el poder y los encantos femeninos, son puestos a prueba en esta obra en donde la empresa periodística  y editorial “El Mundo” maneja sus propias reglas, imponiéndose como el “cuarto poder”.

Ahí un joven periodista se encontrará frente a seguir el juego de la manipulación de la información de las noticias en aras personales, o el perseguir sus sueños con honestidad y ética profesional. El amor tocará su puerta justo en los peores momentos de estrategia laboral y, ante la traición de su amigo, con quien comparte su habitat.

El juego no será fácil, pues se verá en juego también su reputación, su trabajo, el honor de terceras personas, e incluso el amor. Sin embargo, al parecer siempre esta alguien dispuesto a hacer casi cualquier cosa en aras del éxito laboral y bienestar propio.

Ubicado en la década de los 40’s, el vestuario a cargo de Estela Fagoaga, así como los peinados y maquillaje de Marisela Estrada, la música de Leonardo Soqui y el diseño escenográfico a cargo de Elizabeth Álvarez, resultan muy ad-hoc al México de mediados del siglo pasado.

 

El montaje escenográfico fue estrenado por primera vez en el Teatro “La Capilla” en la ciudad de México, siendo su director artístico el mismo Salvador Novo en el día 2 de febrero de 1956; mismo año en que se editara la obra, a manera de libro físico.

Actualmente A OCHO COLUMNAS esta presentada y adaptada en el foro del teatro Orientación, por la Compañía “Clavo Torcido y Próspero Mx” bajo la producción de la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes. Podrá Usted verla todos los fines de semana hasta el día 23 de septiembre del presente año.

100 presentaciones de CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUITO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUÍTO es una obra teatral original del Señor Arturo Amaro,. Si Usted no sabe aún quien es, le contaremos que con treinta y un años de trayectoria artística, se ha desenvuelto tanto como actor, como director, productor, dramaturgo y promotor artístico, egresado de la UNAM.

Su primera dramaturgia la intituló “Bonanza” la cual por el éxito obtenido, se ha puesto en escena en larga temporada. Es el autor de varios libros y de dramaturgias como son “La Agonía de la Memoria” y “Los Hombres del Acoíris” mencionando algunas de las 66 que tiene en su haber.

La última de sus dramaturgias es CANCIÓN ROA PARA UN PERDEDOR FORTUITO dirigida por el maestro Benjamín Bernal, siendo éste último además es el presidente de la Asociación de Periodistas Teatrales (APT), entre muchas otras cosas.

CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR el día de hoy, sábado 18 de agosto de 2018, cumple cien representaciones, por lo cual fueron invitados a develar la placa Zaide Silvia Gutiérrez, Tomás Urtuasuástegui, Luis Álvaro Hernández y Popeltio Tomihua Xel.

La obra teatral es una dramaturgia que narra las peripecias y múltiples experiencias de un hombre alcohólico a quien su escritor, el Señor Amaro conoció tiempo atrás, pero que empero a ello, su personaje tiene una gran dosis de ficción, como aseguró hace un año en entrevista.

La trama contiene un lenguaje totalmente coloquial, plagado de uso de palabras altisonantes que utiliza frecuentemente, lo cual hace aparecer al personaje como un hombre poco letrado. Con un diálogo fresco, lleno de aventuras, contado bajo un matiz de humorismo, que hacen pasar un agradable momento al espectador.  

El monólogo presenta a un joven qué ante algunos problemas a los que la vida le enfrentan tanto en el amor como frente a la familia y en su modus vivendus. Todo ello lo llevan a cruzar la frontera de la Unión Americana, para alojarse en Los Ángeles, California.

El amor nuevamente toca a su puerta de manera infortuitas, por lo cual decide regresar a su tierra mexicana. Ya en su tierra un tercer y último amor le hace huir rumbo a Tapachula, Chiapas, en donde la farándula y el alcohol lo llevarán a vivir situaciones muy adversas.

La escenografía consta de la presentación de una cantina en donde el personaje protagónica de Gabriel toma vida, contando sus largas e interesantes anécdotas en un sólo acto, con una duración aproximada de 90 minutos y, tiene como referente la cantina “El Humazón” en Tapachula, en época actual.

CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUITO como a-priori mencioné se encuentra bajo la dirección artística de Benjamín Bernal, quien en otros momentos de su vida llegó a dirigir alrededor de 15 obras por año. Labor que dejó de desempeñar junto con su oficio de actor y escritor teatral, debido a un suceso trascendental de su vida y, que fue, el nacimiento de su hijo Alejandro Bernal, por quien decidió brindar sus incondicionales cuidados, que abarcaron gran parte de su tiempo.

Sin embargo su labor teatral no terminó ahí, pues hoy en día es el director del APT, es decir, de la Asociación de Periodistas teatrales, compañía que año tras año ofrece preseas al medio teatral, en reconocimiento a sus diversos ámbitos. Además de tener una revista electrónica que lleva su nombre, de conducir el programa video-radiofónico de TEATRIKANDO, escribió un libro que conforma un compendio de críticas y crónicas teatrales, y presentó el año pasado su obra COMALA.com entre otras muchas actividades más.

CANCIÓN ROTA PARA UN PERDEDOR FORTUÍTO se presentará en el espacio Universitario de Cultura OFF SPRING, A.C., todos los domingos a las 18:00 horas.  

CUENTOS ERÓTICOS AFRICANOS.
POR: Dalia María Teresa De León Adams.

La Compañía “Mulato Teatro” se ha dado a la tarea de escenificar la obra teatral
denominada CUENTOS ERÓTICOS AFRICANOS del “Decamerón Negro” denominado así por
el número de relatos, que fueran diez, como su mismo nombre sugiere.
El antropólogo alemán Leo Frombenius en sus visitas al África logró rescatar algunos de
ellos. En realidad su autor original se sabe que fue Giovanni Bocaccio, quien los escribió
seis siglos antes, quedando inscritos como un clásico universal invaluable.
“Mulato Teatro” Hoy en día es la Compañía que se ha dado a la tarea de escenificar tres de
ellos en el Teatro Royal Pedregal, los días jueves a las 20:30 horas. Habiendo iniciado la
escenificación de los cuentos sus representaciones con fecha del día 12 de julio, tras de una
breve suspensión efectuada el día 9 de agosto, las funciones se han reanudado nuevamente
en el mismo recinto cultural.
CUENTOS ERÓTICOS AFRICANOS esta cumpliendo diez años de ser escrito, hecho por el
cual es producido actualmente por el Fondo Nacional para la Cultura y el Arte (FONCA) así
como por la Secretaría de Cultura en México.
Orlando Cajamarca y Alfredo Valderrama realizaron la transformación de los textos
originales, adaptándolos o convirtiéndolos en una dramaturgia teatral y, recientemente
cuenta con la versión libre de la dramaturga Marisol Castillo.
De dicho modo se efectuó una selección de tres de los cuentos, quedando como una trilogía,
en la cual se encontraban “La leyenda de las Amazonas”, “Nsani” y “La hija del juez”.
Cuentos que se convirtieron en un legado de la tradición oral africana, la cual fue
conservada y contada por los sucesores de los juglares, los llamados Dialis.
Últimamente a la obra teatral se le añadió un texto más, para ser escenificado, siendo éste
“El almohadón”. Tal vez esta de más decir que todos los cuentos de la obra están plasmado
de gran erotismo y sensualidad, además de un toque de humorismo, lo cual hace que estén
lejos de poder parecer pornográficos, por la manera artística y sutil como son
representados en el escenario.
El elenco estelar esta formado por Marina Vera, Krhistina Giles, Graciela Miguel Hacha y
Marisol Castillo. CUENTOS ERÓTICOS AFRICANOS cuenta con la música en vivo y cantos
ocasionales africanos.

LOS/EL 40 MUSICAL

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

En Barcelona, España LOS/ EL 40 MUSICAL causó gran audiencia, llenando eL foro tras cubrir 1300 representaciones con gran éxito, lo cual se tradujo en el aplauso merecido de cerca de un millón de espectadores que recibió la puesta en escena de LOS/EL 40 MUSICAL razón por la cual el productor Alejandro Gou, tras de sus 25 años de experiencia se interesó en traerla a los escenarios mexicanos.

Primero fue escenificada en el teatro Chapultepec y se planea a finales de este mes presentarse en el “Teatro del Parque” en Interlomas, en Avenida Jesús del Monte#41, col. Jesús del Monte, en la Ciudad de México.

Es un musical que cuenta con 43 canciones que han sido un verdadero “Hit” en España en su momento, éxitos que constituyen la parte medular de dicha puesta en escena; obra teatral en donde se habla del amor, el desamor, la traición, el dolor, la amistad y la enemistad, entre otros temas emotivos.

Sus jóvenes actores son Raúl Sandoval, Franc Meri, Alberto Collado, Mellisa Galindo, Gerardo González, Luja Duhart, Kristel Fabre y Rubén Branco, quienes junto con 10 bailarines dirigidos por la coreógrafa Neisma Ávila, amenizarán la obra.

Bajo la dirección artística de Ricardo Díaz, quien fue seleccionado por su experiencia al dirigir varios de los grandes musicales, entre los cuales están Spelling Bee, El jorobado de París, El sello escarlata y El otro lado de la cama, la obra teatral LOS/ EL 40 MUSICAL parece ser una promesa

La escenografía esta planeada por Cecilia Márquez y la fotografía de Mike quienes consideraron el respaldo multimedia, como el más idóneo, por lo que se utilizará una mega pantalla en el centro del escenario.

Al unísono irán ambientando la trama que es una comedia musical, original de Daniel Sánchez Arévalo, quien ha logrado obtener 200 premios, siendo uno de éstos logros el obtenido en LOS7EL 40 MUSICAL. Para complementar la información le comentaré qué entre dichas ovaciones se encuentran algunos textos cinematográficos, sin mencionar Fulbright con la beca que obtuvo para realizar un Master de Cine en la Universidad de Columbia en Nueva York, dentro de la Unión Americana.     

Tal vez Usted se preguntará el porqué se denomina LOS/EL 40 MUSICAL. Pues le explicaré que hacia el año 2009, una de las frecuencias radiofónicas en la ciudad de Madrid, España, era la estación de radio denominada “40 El Musical” en donde se trasmitían los grandes éxitos del momento para el auditorio juvenil.

Dichos éxitos, junto con baladas y canciones pop en español son justamente el repertorio que se presentan en ésta comedia musical, la cual tiene como finalidad el hacer reaccionar emotivamente al público con de los grandes éxitos que representan las 43 canciones, por lo que por lo pronto, podemos decir que por lo menos el título esta muy ad-hoc.

NO SERÉ FELIZ, PERO TENGO MARIDO.

POR: Dalia De León Adams.

Fotos: Alex Bernal

 

Con una rebanada de pastel la actriz integrante de la dinastía Pinal, Sylvia Pasquel, cumplió el día de ayer domingo 12 de agosto sus 50 años de trayectoria en el escenario, con la obra NO SOY FELIZ, PERO TENGO MARIDO.

Con una brillante y extensa carrera tanto en el teatro, como en el cine y la televisión, la Señora Sylvia Pasquel fue galardonada por diferentes organizaciones, entre la que se encontraba el APT (La Asociación de periodistas de Teatro) cuyo organizador y director es el Señor Benjamín Bernal, quien le hizo entrega de una bella estatuilla.

 

La actriz, agradeció de manera especial al Señor Rubén Lara, por su constante apoyo en su  carrera,, así como por su larga y apreciada amistad. El evento tuvo lugar justamente en el “Teatro 11 de Julio” contando con varias figuras del medio y periodistas que acompañaron a la actriz, brindándole su apoyo y reconocimiento.

 

El conductor del evento fue el periodista Marco Antonio Silva, el que hizo un amplia relatoria de la vida profesional de la actriz. En el homenaje dió lectura al largo y espléndido curriculum vitae de Sylvia Pasquel como actriz, mencionando una a una tanto las obras, como telenovelas y películas en las cuales ha participado; trayectoria que la ha hecho merecedora al título de primera actriz, como se le ha denomina, por colocarse su trabajo en el gusto del público, quien por cierto, el día de ayer, tras un caluroso aplauso, se pusieron de pie todos los espectadores, cubriéndose las butacas agotadas en la representación escénica de NO SERÉ FELIZ, PERO TENGO MARIDO, obra original de Viviana Gómez Thorpe.

 

 

La obra es un monólogo perteneciente al género de la comedia, es una puesta en escena en un sólo acto y, le recordaremos qué como es de todos sabido, un monólogos es difícil de escenificar, por lo que la actriz o actor que lo ejecutan, tienen que tener, tanto talento histriónico, como la capacidad de modular la voz, apoyándose en movimientos corporales que le simulen al público otros personajes presentes, los cuales son necesarios para el desarrollo de la trama.

 

Un elemento extra le infirió la actriz Sylvia Pasquel a su personaje y que fue la gracia o simpatía al representar a una mujer dedicada a su hogar, personaje que comenta algunos de los detalles vividos con su pareja tras de un largo matrimonio de 27 años, conformado por la presencia de hijos.

 

Pero, ¿qué pasó cuando los hijos crecieron y dejaron el hogar? Cuando la ama de casa se encuentra finalmente con el llamado por los actuales psicólogos “Nido Vacío”. Eso lo podrá advertir asistiendo a ver la divertida puesta en escena de NO SERÉ FELIZ, PERO TENGO MARIDO, en donde su actriz protagonista, constantemente cuestiona al público asistente, asiéndolo participe de esa manera, de la obra teatral.

 

La dirección artística esta a cargo de Claudia Ríos en la puesta en escena que nos hace cuestionarnos dudas como, ¿hacia dónde va la familia contemporánea?, ¿qué rol juega la mujer casada? y bien, ¿qué tan empoderada se encuentra una mujer con, o sin pareja hoy en día?

 

La respuesta seguramente no es una sola, pero lo que es cierto es que la obra tiene mucho aún, para colocarse en larga temporada en el gusto del público.

EL FUNESTO DESTINO DE KARL KLOTZ.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


Lukas Linder originario de Suiza, es el joven universitario de 20 años, nacionalizado alemán y autor de la dramaturgia que se encuentra hoy día en turno representada, por haber sido seleccionadas a través del Festival Internacional de Drama Contemporáneo denominado “DramaFest”.

Dicha  obra teatral se denomina EL FUNESTO DESTINO DE KARL KLOTZ  y como su mismo título lo sugiere, es un drama, sólo qué bajo el género del teatro del absurdo, en cuanto al manejo de las situaciones poco verosímiles que presenta la historia; empero a ello, la trama también es presenta como una comedia de risa, lo cual hace que el espectador pase sin sentir todo el tiempo escénico.

EL FUNESTO DESTINO DE KARL KLOTZ cuenta con grandes actores en escena, como son  Diego Jáuregui, David Hevia y Nailea Norvind, quienes actúan con nuevos valores como son Ulises Galván, Inés Peláez y María del Carmen Ruiz, todos ellos caracterizando a sus personajes de manera espléndida.

Por otro lado se podría decir qué como teatro fantástico presenta una atmósfera casi mágica, en cuanto al mundo irreal pero fantástico en el que se desenvuelven algunos de sus personajes inusuales y coloridos, ubicados dentro de un circo.

Paralelamente en la trama se presenta a Karl Klotz, su personaje protagónico, quien cumplirá aparentemente su sueño de adolescente con una mujer círquense. El amor y la comida, terminan siendo para él una manera amable de poder gozar y vivir sus días, pese a ser rechazado constantemente por su madre, quien lo desprecia por su apariencia regordeta, a la cual denomina despectivamente “Grasosa” en sus innumerables visitas con su psiquiatra, a quien constantemente seduce. La madre termina siendo un personaje que sólo vive en aras de la pasión y la superficialidad que le otorga su belleza.

Por su parte Karl Klotz sueña con algún día alcanzar el amor de “La Fabulosa Sandra”, la chica trapecista a quien constantemente persigue y por quien expondrá su vida, tras de una noche de farándula con ella.

La historia también presenta a una mujer obesa, quien vive en aras de encontrar a su reptil cautivo y, un depresivo payaso, quien intenta desarrollar su labor círquense esperando inútilmente la entrega de un libro que posea cien chistes diferentes, para con ellos hacer reír al público y, de ese modo conservar su trabajo. Finalmente una trapecista se enamorada de un hombre de edad madura sin escrúpulos, quien resulta ser el mismo psiquiatra de la madre de Karl Klotz.

En suma, se podría decir qué todos los personajes resultan ser totalmente cuadrados, en el sentido en que se puede predecir su forma de actuar ante los demás y ante sus logros fallidos.

Y pese a que la historia tiene como prioridad presentar EL FUNESTO DESTINO DE KARL KLOTZ, la trama tiene como trasfondo el mostrar la vida inocua y carente de valores del psiquiatra, quien lejos de ayudar a sus pacientes, los hunde en un gran abismo difícil de salir.

EL FUNESTO DESTINO DE KARL KLOTZ se presenta en corta temporada en el teatro “El Granero, Xavier Rojas.

BAJO EL SIGNO DE TESPIS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

BAJO EL SIGNO DE TSPIS es la dramaturgia del mexicano José Manuel Hidalgo, la cual fue seleccionada entre muchas otras a través del Festival Dramafest 2018 y Théâtre Poche, para escenificarse en nuestra ciudad.

La obra teatral esta dirigida por el director suizo Mathieu Bertholet y se presenta en foro del teatro “El Granero, Xavier Rojas” mediante el subsidio del INBA.

Dramafest, como Usted sabe, es el Festival Mexicano de Dramaturgia Contemporánea, organizado por Aurora Cano que tiene lugar cada año en nuestro país en colaboración con otros países que también buscan promover las nuevas creaciones teatrales.  

En esta ocasión toco turno a Suiza, por ello la puesta en escena se encuentra dirigida por el suizo Mathieu Bertholet y, en el estreno se encontró su embajador en México, quien dirigió algunas palabras emotivas al público presente, al igual que Aurora Cano, realizadora del Festival.

BAJO EL SIGNO DE TESPIS es la obra original de un joven mexicano de 23 años llamado José Manuel Hidalgo, quien recién egresó al Colegio de Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.

José Manuel Hidalgo ya anteriormente con su obra BAJO EL SIGNO DE TESPIS había sido galardonada con el Premio Nacional “Manuel Herrera” el año pasado. Además, fue el ganador  del Premio Nacional de Dramaturgia Joven, en el año 2016, con otra de sus obra, la intitulada “Bye Bye, Bird”, la cual hoy en día se encuentra dirigida por Alejandro Ricaño.

Volviendo a dramaturgia BAJO EL SiGNO DE TESPIS le diremos que está caracterizada por tres actores de la Compañía Nacional de Teatro; ellos son Paulina Treviño, Octavia Popesku y Misha Arias de la Cantolla,  siendo la primera de éstos quien funge como narradora y protagonista de la historia.

En ella se narra las situaciones adversas en que se relacionan dos medias hermanas, quienes pese a unirlas un lazo de consanguinidad, la diferencia de edades y la existencia de  padres distintos, parece marcar una abismal barrera; sin embargo, el tiempo y las circunstancias resultarán ser lazos muchos más fuertes y duraderos entre ambas.

La dramaturgia es casi un pretexto para presentar la soledad y las carencias afectivas en las que muchos adolescentes hoy en día se encuentran, bajo la ausencia de roles familiares y la baja estima en que se encuentran muchos integrantes de la misma. Familias cada vez más disfuncionales y decadentes en nuestra sociedad, que dan pauta a pensar que están en vías de desaparecer, como núcleo de la sociedad.

EDIPO. Nadie es ateo.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

“Edipo Rey” es la tragedia griega de Sófocles cuya fecha es desconocida, sin embargo, algunas personas doctas en el tema coinciden con que data del año 430 antes de Nuestra Era Cristiana.

Edipo Rey como dramaturgia teatral, ha pisado todo tipo de escenarios en gran parte del mundo, realizándose incluso arreglos y nuevas versiones, aún cuando se respeta comúnmente, la parte medular de la trama.

Es una obra trascendental qué además de inspirar a muchos directores, dramaturgos y arreglistas de todo genero teatral o escuelas, también ha sido un importante icono en el campo de la psicología, en donde el drama ha tenido un efecto transcendental para explicar algunas conductas o complejos existenciales de ciertos pacientes.

Y aún cundo el título también ha sufrido en varios ocasiones un poco de cambios, como en éste caso de la puesta en escena de “EDIPO. Nadie es ateo” que a partir de ayer comenzó a representarse en uno de los recintos de la UNAM, como a-priori mencioné, la parte medular de la historia viene a ser la misma.

La obra narra a groso modo qué Edipo, rey de Tebas, se corona al esposar sin saberlo a su madre Yocasta, tras de haber matado a su propio padre el rey Layo, cumpliendo con ello la predicción que había hecho el Oráculo. Edipo envía Creónte, el hermano de su madre, a consultar al Oráculo, pues está preocupado por la peste que asota a todo su pueblo. El Oráculo asegura que la peste parará solamente cuando el homicida de su antiguo rey Layo, sea muerto o desterrado. Edipo maldice y sentencia con rigor al presunto homicida, sin caer en la cuenta de que es él mismo el asesino. Para investigar al respecto, Edipo acudirá al vidente del reino.

Y así continua el drama, también en la versión de David Gaitán, quien además funge como director de esta obra, en donde la trama es presentada bajo un lenguaje coloquial y, la vestimenta tiene un toque de peculiaridad, que se inspira entre lo secular y lo moderno.

Al respecto de esta puesta en escena titulada EDIPO. Nadie es ateo, la compañía compartió con la prensa la siguiente aseveración textual con respecto a la intensión de la puesta en escena:

-“Nuevamente David Gaitán nos presenta su versión de un clásico griego “EDIPO, Nadie es ateo” En esta obra plantea -a partir de una extensa argumentación y de la premisa formal del vértigo- una disertación a propósito del concepto de la verdad y su aplicación en contextos tanto íntimos como de política pública.

Este montaje, articulado en torno a 5 personajes ( Edipo, Yocasta, Creónte, Tiresias y un mensajero) en un único acto, que funciona para ver el entramado privado de quienes gobiernan y la posible incidencia en los ciudadanos….-“

Y bueno, EDIPO sigue siendo una obra que deleita y asombra al público, que acude constantemente a ver la obra. “EDIPO. Nadie es ateo” se presenta en el teatro Juan Ruiz de Alarcón, en el Centro Cultural UNAM.

 

YAHUALLI

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La compañía “La Edad y el Zapato Roto” presentan bajo la adaptación libre y la dirección de Vero Albarrán, el texto original de Bertolt Brecht intitulado  “El Circulo de Tiza Caucasiano”, obra que escribiese entre los años de 1943 y 1945.

Eugen Bertolt Friedrich Brecht nació en la provincia de Augsburgo, Berlín, en el año de 1898 falleciendo en 1956 en la misma ciudad. Fue el dramaturgo y poeta alemán más destacado en el medio de las letras en el siglo XX, creando el teatro denominado épico o dialéctico.

Brecht se inspiraría para escribir “El Circulo de Tiza Caucasiano” en una fracción de la obra del chino Li Hsing Tao, quien perteneciera al siglo de escritores del XIV. De dicho modo Brecht escribiría su propia versión, agregándole al título la palabra “Caucasiano” por dirigirla a las circunstancias de los pueblos europeos.

Para ello realizó una doble versión, siendo la primera con la intención de presentar su obra teatral en Brodway,  pues como es sabido, en ese entonces él se alojaba en la Unión Americana. Sin embargo nunca se estrenó ahí, sino en Alemania con el “Berliner Ensamble” obteniendo gran éxito, hecho por el cual Antonio Sastre en 2017 publicaría en base a dicha obra de Bercht, su dramaturgia denominada “Historia de una Muñeca Abandonada”

Por su parte la creadora teatral Vero Albarrán la hizo propia, para lo cual le dio el título de Yahualli, palabra que en español significa “Circulo”, ubicándola como referente, en la región náhuatl de México.

Por ello, la trama presenta cantos en dicha lengua, los cuales son entonados por un coro de jóvenes; mismos que prestan sus voces a los personajes protagónicos  en el desarrollo de la trama.

Este grupo de jóvenes actores con atuendos totalmente en negro realizan diversas actividades en el escenario y, como comenté, una de estas funciones es el prestar sus voces, entonándolas y modulándolas acorde con los sucesos propios de la historia, momento en el cual los personajes aparecen con máscara y atuendos autóctonos náhuatl para darle verosimilitud a la trama.

El texto trata de una joven que mantiene una relación amorosa con su novio Simón el cual deberá enlistarse como soldado de la guardia nacional, por lo cual deberá dejar la comunidad. Tras este suceso, ambos jóvenes deciden esperar la oportunidad de volver a estar juntos, para realizar sus sueños y concretar su compromiso.

En aquellos momentos la esposa del gobernador, decide regalar a su pequeño bebé recién nacido. Ahí se desencadena una serie de sucesos que están plagados de moralejas y enseñanzas de vida que tanto Brecht como Vero Albarán por su parte le infieren a los personajes, tanto protagónicos como antagónicos. La trama termina siendo una crítica respecto a la falsa moral, social y sobre todo a la corrupción.

Esta puesta en escena se presenta por la Compañía La Edad y el Zapato Roto” en segunda temporada, siendo en ésta ocasión en el Foro “Un Teatro” los días sábados y domingos.

DANTE GASPAR, UN HOMBRE EN AGUAS PELIGROSAS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Goyo Carrillo es el autor e interprete de la obra teatral DANTE GASPAR, UN HOMBRE EN AGUAS PELIGROSAS. Él mediante el recurso escénico del monólogo logra transportarnos al real maravilloso imaginario de su personaje, el cual, tras de verse jubilado de su oficio de cartero, el cual efectuó durante casi toda su vida, por fin cumplirá sus sueños.

De pronto un buen día es un capitán que cruza grandes aguas peligrosos junto con un pez, al cual subsidia y le acompaña durante su travesía al maravilloso viaje en donde hay acción, suspenso, peligro, e incluso momentos chuscos.

Todo ello lo logra mediante una novedosa historia que el personaje se permite soñar, ante la imposibilidad de haberla logrado realizar en sus años mozos. De este modo el monólogo es presentado de manera muy bien estructurada, al grado de que el público finalmente se queda con la clara sensación de que la trama fue desarrollada con la presencia de distintos personajes, a los cuales el intérprete da vida con gran maestría histriónica, pues modela los cambios de voz con gran claridad, actuando con movimientos acordes a la secuencia de los sucesos que plantea la trama.

Con un escenario en el que prácticamente sólo aparece un espacio cubierto por agua justo en el centro del escenario. Así es como logra enmarcar los mares y aguas en las que viaja, tras ser perseguido por diversos hombres, siempre vestidos en negro.

De ahí parte la manera en que la psiquis del personaje es enmascarada a través sus miedos y traumas, mediante la presencia constante de hombres vestidos de negro que le persiguen y, a los que intentará vencer en el desenlace de ésta historia llena de acción y constantes peligros.

En escena además aparece situado en un extremo del escenario Miguel Ángel A. Cuevas, un músico que acompaña al actor con su música en vivo. Para ello utiliza un teclado, una guitarra y un yambée o especie de tamborcito, que sirven para dar los efectos de sonido que se precisan para la presentación escénica, durante todo el tiempo (que consta aproximadamente de 20 minutos). Mismo músico que al final es ovacionado por los aplausos del espectador, junto con el actor Goyo Carrillo.

Ellos forman parte del “Colectivo de Teatro Espiral” y se presentarán sólo hasta este fin de semana, cubriendo sus últimas funciones de jueves a domingos en el teatro Orientación , en el Centro Cultural del Bosque.

Sólo tres funciones con THE ARCHITECTURAL BODY Convexus Ballet Contemporáneo.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


El 10, 11 y 12 de agosto se realizaran las únicas presentaciones, del grupo “THE ARCHICTUTERAL BODY Convexus Ballet Contemporáneo” cuyo coreógrafo y director es el Señor Francisco Rojas y Eduardo Garcilazo, el compositor musical quien, inspirado en el estilo Renacentista, realizó una creación acorde al estilo del Ballet Contemporáneo.

Es un grupo independiente integrado por jóvenes entusiastas que se han dedicado al Ballet clásico y a la danza contemporánea siguiendo una métrica corporal basada en los movimientos a los denominan propios de la máquina corpórea, con movimientos simétricos-rítmicos.

La propuesta escénica esta producida por artistas visuales, diseñadores, músicos bajo una nueva propuesta propia, pese a estar basadas en técnicas de ballet y de danza contemporánea como la de Mac George, su creación es al estilo y un lenguaje totalmente  propio.

Será un vertiginoso espectáculo, como según los informó la propia compañía ARCHITECTURAL BODY argumentando además qué sin embargo, también fue inspirado en las esculturas de afamado francés Rodin y, de los reconocidos artistas italianos Miguel Ángel Buonarroti  ( Caprese 1475-1564) y Leonardo da Vinci ( Florencia 1452-15)y así como por las obras del biógrafo estadounidense Walter Isaacson ( Nueva Orleans 1952), con movimientos que simulan sus trazos geométricos escultóricos.

Diez bailarines aparecerán en escena, cuya formación de ballet tanto clásico, como de estilo contemporáneo con toque vanguardista, presentarán en escena un estilo en el que el mapping y la colaboración musical de Eduardo Garcilazo, permitirán ofrecer un espectáculo dancístico contemporáneo de gran calidad.

Ya con anterioridad a manera de curriculum le comentaremos que se han presentado en recintos muy importantes como son el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, en el Teatro de Danza INBA, en La Plaza Ángeles Salas, en el Teatro de la Danza de la UNAM, en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, en el Teatro Bicentenario de León, en el Teatro Juárez de Oaxaca y en el Teatro nacional de Ecuador.

THE ARCHITECTURAL BODY Convexus Ballet Contemporánea se presentará en el Teatro “El Milagro” en donde Usted podrá obtener sus boletos, así como en Boletópolis.com para poder asistir a verlos en los únicos tres días de su presentación planeado en el mes agosto.

HELLO DOLLY! Vuelve al escenario mexicano.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La Señora Tina Galindo junto con Claudio Carrera, Morris Gilbert y la Compañía OCESA –Teatro, presentarán en octubre una de las obras más representadas tanto en Broadway, como en nuestro país y en otros escenarios internacionales. Se refieren evidentemente a la revista musical HELLO DOLLY

Considerado como uno de los grandes musicales de Broadway, la obra teatral HELLO DOLLY se basa en la dramaturgia original del escritor estadounidense Thornton Wilder (1897-1975) “The Matchmaker” , quien fuese ovacionado y galardonado con importantes premios como el Pulitzer.

HELLO DOLLY promete nuevamente ser todo un éxito, teniendo como protagonistas a la Señora Daniela Romo y al gran actor Jesús Ochoa. Ambos demostraron gran entusiasmo por ser los protagonistas de éste musical en donde actuarán junto con un numeroso y gran reparto de jóvenes actores y grandes bailarines que darán vida a la trama.

El día de ayer, durante la rueda de prensa que se ofreció en el Casino Español ubicado en el Centro de la Ciudad de México, se dieron a conocer los pormenores de la próxima puesta en escena de HELLO DOLLY.

El Señor Morris Gilbert comentó qué para tal efecto fueron contratados 38 grandes interpretes que fueron seleccionados de entre cientos de aspirantes, por un equipo de profesionales procedentes de Broadway que fueron contratados en calidad del equipo creativo de ésta gran puesta en escena.

Contando con una escenografía, coreografía y un equipo de músicos de gran calidad artística, el escenario del “Teatro de los Insurgentes” le dará vida con además un colorido vestuario a la usanza secular, a la producción de la obra HELLO DOLLY.

Le contaremos que el primer actor, el Señor Jesús Ochoa, es la segunda ocasión en que se presentará trabajando el rol estelar de un musical, siendo el primero en el que estuvo en “Los Locos Adams” junto a la Señora Susana Zabaleta, en donde realizó un gran papel caracterizando al personaje protagónico de Homero Adams. Ello con gran éxito debido a su gran talento histriónico, su frescura al actuar y sobre todo a la gran simpatía que muestra en el escenario.

Todo ello lo hizo acreedor al papel protagónico en HELLO DOLLY de Horace Vandergelder quien junto con la actriz y cantante Daniela Romo (ésta en el rol estelar de Dolly). Dicha actriz  tras un periodo de ausencia regresa más entusiasta y agradecida que nunca pisando fuerte en el escenario, tras de comentar que grandes figuras, como es el caso de la Señora Silvia Pinal, ya han dado vida al personaje de “Dolly” tiempo atrás.

HELLO DOLLY comenzará su temporada el próximo día 10 de octubre del año en curso, en el Teatro de los Insurgentes, con productores de alta calidad que han hecho que en México hoy en día, no se les pida nada, a las puestas teatrales majestuosas que se ofrecen en Broadway.

UN ENEMIGO DEL PUEBLO

POR. Dalia María Teresa De León Adams.

 

Ciento treinta y cuatro años después de  haberse escrito UN ENEMIGO DEL PUEBLO por Henrik Ibsen, la versión de David Gaitán plantea la problemática inmersa en la ficción, de la manera más auténtica u original que Ibsen planteara. en su momento.

UN ENEMIGO DEL PUEBLO es una obra dramática politizada que  compromete la pluma de su autor, con respecto a su sentir. Trata sobre la justicia que pocas veces se tiene en una sociedad amañada y corrupta. Es una obra que encaja con muchos sistemas de gobierno tanto antiguos como contemporáneos, aún cuando esta recreada en la plenitud del siglo XIX.

UN ENEMIGO DEL PUELO retrata la realidad entre dos ideologías radicalmente opuestas; una, en aras del poder y el bienestar económico, y la otra, buscando restablecer la salud del pueblo, puesta en jaque ante el peligro de contagiar a la comunidad extranjera a través de un nuevo bañario que ha enriquecido al poblado.

La temática que conlleva al enfrentamiento entre dos hermanos, dos posiciones opuestas y dos sectores burocráticos diversos, hace de la trama un deleite en el sentido en que los diálogos bien estructurados e interesantes hacen que el  público se inmersa e involucre en la historia.

Los personajes son cuadrados en el sentido en que ya se sabe como pueden reaccionar o actuar en una situación determinada. El personaje protagónico de Luis Stockman como se llama, no es la excepción. Sin embargo el personaje de Henrik Ibsen al compararlo con el de la versión de David Gaitán, podemos decir que se encuentra caracterizado de muy diversa manera. Al respecto, pudimos leer en el boletín de prensa:

-“Entre los elementos más radicales que diferencian la obra escrita por Ibsen en el ocaso del siglo diecinueve a la versión del joven dramaturgo mexicano, se encuentra la necesidad de que el púdico opine sobre el universo de lo moral, lo que se vincula con el cambio de carácter del personaje de Stockman, que en la obra publicada en 1883 es un hombre cálido y amiguero que evita la confrontación y a quien le gusta la Buena comida, y en la versión mexicana es todo lo opuesto: un hombre violento, misógino que busca la confrontación y es torpe.

Incluso, al inicio de la puesta en escena de UN ENEMIGO DEL PUEBLO al presentarse “la Voz en Off” indicándole al público que cuando el médico Luis Stockman cometa algún acto reprochable, se le arroje las burbujas de jabón que salen de las pistolas que se encuentran colocadas tras algunas de las butacas, para el uso del espectador, se piensa que será el villano de la obra.

Respecto a la escenografía del maestro Alejandro Luna, es muy práctica y movible, pues muestran los lugares claves en donde se ejecutan las acciones. Esta es presentada en tres cuadros escénicos; el primero es en donde aparece el Señor Stocker simulando encontrarse en un jardín o una zona verde, en dond se encuentran poco a poco cada uno de los demás personajes para iniciar los diálogos. El Segundo cuadro es el interior de un periódico o de la prensa local intitulado “La Voz del Pueblo”, en donde se cometen algunas arbitrariedades. Finalmente el tercero simula la plataforma política desde donde el gobernador y el medico se enfrentan cada uno con su propio discurso.

UN ENEMIGO DEL PUEBLO es un drama que le invitará a la reflexión y la podrá ver en el Teatro Julio Castillo los fines de semana bajo la producción  de la Compañía Nacional de Teatro y el INBA.

TEN CUIDADO CON LO QUE DESEAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El día de ayer jueves 19 de Julio, a las 20:00 horas se engalanó el hermoso recinto cultural del Palacio de las Bellas Artes, abriendo sus puertas para presentarse en la Sala principal y, como única función (debido a la agenda tan apretada de compromisos), a uno de los bailarines y directores artístico más destacados y reconocidos hoy en día, internacionalmente.

Me refiero al bailarín mexicano de danza contemporáneo, Master teatral y coreógrafo Francisco Córdova, quien es parte integrante de la Compañía Nacional de Ballet en Inglaterra denominada “Physical Momentum, Scenic Action”.

Con el título de TEN CUIDADO CON LO QUE DESEAS, la propuesta arquitectónica de Francisco Córdova se recreó en “El infierno”. La sinrazón y el deseo inalcanzable, son los parámetros en que la sinopsis de esta trama emotiva y sórdida, en donde lo terrible e infinito, son parte del episodio que dirige la trama hacia un lugar lleno de miedos y angustias eternas, en donde todo se reduce a la nada, al desconsuelo terno de los inalcanzable.,y, en donde los cuerpos se pliegan con movimientos artísticos sublimes que nos insinúan la historia.

TEN CUIDADO CON LO QUE DESEAS es una propuesta coreográfica matizada con los trazos corpóreos llenos de arte y cadencia ejecutados por un grupo de bailarines que recrean un mundo inhóspito y cruento inimaginable.

La Compañía “Physical Momentum, scenic action” fue conformada en el año 2007 y, actualmente cuentan con 11 años de trayectoria que celebran ante el hecho de ser reconocida en diversos escenarios que los ha vuelto internacionalmente ovacionada y reconocida en el medio dancistico.

Todo ello gracias a su calidad coreográfica y escenográfica que los ha colocado en el gusto de los conocedores tanto en países europeos, así como en la Unión Americana, Canadá, Brasil y, algunos países en Latinoamérica.

Francisco Córdova junto con Physical Momentum, scenic action” también han logrado formado parte como integrantes en distintos importantes festivales, tales como son, por nombrar algunos Xposition “O” Contemporary Dance Fiesta Festival en Singapur, Festival Tanzender Stadt en Bélgica, Festival Scheune Schaubuden Somer en Alemania, Tipperary Dance Platform en Irlanda, Festival Deltebre Dansa en España, Festival Danca em Transito en Brasil, Circuito Iberoamericanos de la Red de Teatros Alternativos  en España, o Encuentro Nacional de Danza END en México.

Hoy en día TEN CUIDADO CON LO QUE DESEAS fue producido por la Compañía Physical Momentum, scenic action, en co-producción con la Compañía Mexicana  “Fábrica Escena”.

PREMIO, ALVARO CUSTODIO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El Instituto Nacional de Bellas Artes a través de la Coordinación Nacional de Teatro unirá esfuerzos junto con la Secretaría Federal y la Embajada de España en México, mediante la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y, su Centro Cultural, para otorgar el denominado PREMIO ÁLVARO CUSTODIO a la Dirección de Escena Teatral.

Para tal efecto se reunieron el día de ayer el Coordinador Cultural de España, el Señor  Miguel Utray, quien argumentó que éste evento permitirá “visibilizar la importancia cultural entre ambos países.

También asistió al  encuentro la Directora General del INBA, la Señora Lidia Camacho y una nieta del finado Álvaro Custodio, es decir, la Señora Ximena Escalante, ello con la finalidad de aportar algunos de los pormenores sobre la personalidad y obra de su abuelo. También asistió el Director Cultural del INBA, el Señor Fernando González.

Respecto al PREMIO ALVARO CUSTODIÓ se dio a conocer algunos de los pormenores. Entre ellos se dijo que podrán participar todos aquellos directores escénicos que residan en nuestro país, ya sean mexicanos o extranjeros que hayan tenido una labor de mínimo 20 años de experiencia y con la cual hayan enaltecido al teatro mexicano.

Ellos mismos podrán auto-proponerse a sí mismos, o bien, ser propuestos por algún organismo o instituto que les sugiera.

El inicio de registro para ser posibles poseedores del premio será el 16 de julio, concluyéndose el 1º de octubre. El director que lo obtenga recibirá $100,000 (cien mil pesos mexicanos) durante la presentación de la 39 Muestra Nacional de Teatro que se llevará a cabo del 1º al 10 de noviembre del año en curso.

El galardón fue denominado PREMIO ÁLVARO CUSTODIO como una especie de reconocimiento u homenaje a la labor del hispano-mexicano Álvaro Custodio (1912-1992) quien fungiese como director, dramaturgo, guionista y abogado durante sus 35 años de estancia en México.

Álvaro Custodio fue el fundador de “La Compañía de Teatro Español” en México. Ello, tras de haber sido uno de los refugiados españoles por el régimen franquista durante el periodo del presidente Cárdenas en nuestro país, en el año de 1944, contribuyendo con su talento y creatividad a incrementar y fortalecer el arte y la cultura en México

Fue el escritor de guiones para cine de gran importancia en dicho gremio secularmente hablando, como lo fueron las películas “Aventurera”, “Coqueta”, “También de dolor se canta”, “Pobre Corazón” o “Sensualidad”.

En el ámbito teatral como director, su puesta en escena más polémica y criticada fue la famosa “Celestina” de Calisto y Melibea, atribuida a Fernando Rojas la cual en su momento fue censurada en muchos ámbitos teatrales.

Pero volviendo al tema del PREMIO ALVARO CUSTODIO, finalmente le comentaremos que la mesa del jurado estará compuesta por tres especialistas en el ámbito de la dirección artística, un representante del Centro Cultural de España en México y un representante de la Coordinación Nacional de Teatro.

NADA SIEMPRE, TODO NUNCA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

NADA SIEMPRE, TODO NUNCA no es meramente una dramaturgia teatral, sino una interacción con el público. Es un proyecto colectivo que tiene como objetivo la creatividad surgida de un grupo de jóvenes que promueven una nueva visión sobre la teatralidad, dejando la formalidad y las formas tradicionales, además de poner en voga un grito o una llamada a la reflexión qué en el caso de NADA SIEMPRE, TODO NUNCA excluye el orden establecido socialmente e inclusivo a través del arte ortodoxo.

No impone, solo, sugiere. Maneja el equívoco como un derecho y no una falta. En el foro propone deambular junto con el público asistente al cual invita a acercarse a los actores, logrando un contacto más real y cercano, que inicia incluso desde el inicio con la tercera llamada; momento en el cual la compañía intentará en el Hall del teatro con sugerencias, lograr una interacción con la gente, propiciando que cada persona tenga la posibilidad de integrase e inclusive interactuar o intentar un diálogo, aún cunado parezca absurdo, con el muro, por dar algún ejemplo.

¿Pero como surgió todo esto? Pues bien, al parecer tras de diez años de arrancar con “El Colectivo Macramé” como se denomina el grupo, incluyendo una serie de proyectos de arte en distintos géneros que abarcan teatro y arquitectura, se desempeñaron en diferentes escenarios e incluso fuera del país, para finalmente lograr un espacio escénico en uno de los foros del Instituto Nacional de Bellas Artes.

El grupo “Colectivo Macramé” el cual había sido iniciado con un joven colaborador, al salir éste del grupo por considerar otras posibilidades laborales, finalmente el colectivo quedó integrado solamente por mujeres, de manera casual. Dicho suceso le dio un giro muy diferente a la capacidad de dialogar y hacer acuerdo sobre los montajes qué como mencionara su directora escénica o creativa, se dio de manera casual.

Los proyectos tienen comúnmente actrices que son invitadas para el montaje en especial, aún cuando éste tiende a ser variado por la misma sujeción de la posibilidad de cambio e innovación.

En NADA SIEMPRE, TODO NUNCA cada una de ellas posee una especie de monólogo en el sentido en que si bien, aparecen varias actrices más, cada una de ellas parecen surgir de un mundo o cuestionamiento. Por decir algo, aparece una mujer cuyo cuerpo es una casita de muñecas, una chica en cuyos dedos de ambas manos aparecen encendidas velas con las cuales deambula, bajando escaleras y trasladándose de un lado a otro en la plataforma del escenario.

También se integra en escena una chica que busca ser reflejada por una luz, por lo cual corre tras ésta, para colocarse debajo, aún cuando por la movilidad de la luz, no lo logra con éxito.     

Si Usted además goza de juegos de reto, en el sentido en que desafía con ello su propia psiquis interna, acudir a esta obra experimental en el Teatro El Galeón, podría ser una experiencia seductora.

EL RÍO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Hoy en día como es de costumbre, las actividades culturales que ofrece la UNAM han cerrado sus ciclos de representaciones debido a unas merecida época de vacaciones, y aún cuando las puestas en escena de la obra teatral EL RÍO con fecha del 29 de junio concluyó sus presentaciones en el Teatro Santa Catarina, vale la pana hacer una remembranza sobre ella.

EL RÍO es un canto al amor infortuito destinado a repetirse una y otra vez como  una especie de condena del destino, que siente un hombre con cada una de sus amantes en turno.

El goza de la pesca de truchas la cual se origina una vez al año en abundancia, justo en una noche sin luna, en EL RÍO que circunda su vieja cabaña de madera ubicada encima de un viejo risco.

Para él es justo el momento ideal para invitar a una dama, curiosamente siempre con las mismas características físicas , buscándolas con un toque de moral relajada, a las que sueña amar, pero que al final termina alejándolas con su actitud, ante el desconsuelo irremediable de la decepción mutua que se genera en la relación de la pareja, tras dejos de mentiras y traición.

El ritual del enamoramiento trasciende en las mismas cuatro paredes de la sala dentro de su cabaña, en donde una pintura de una mujer, un vestido escarlata y unas copas de alcohol siempre están presentes. Todo ello tras de una noche de pesca en donde el joven se da a la tarea de enseñar a su bella acompañanta, al apasionante oficio del pescador de truchas dentro de EL RÍO que suena como un canto mágico para él.

EL RÍO es el texto original del escritor británico Jez Butterworth nacido en Londres, Inglaterra en el año de 1969. Más afamado por sus obras “Mojo” y Jerusalén”, ha incursionado también en el campo de la dirección escénica. Ha sido ovacionado con algunos premios con ambas obras, sin embargo EL RÍO se ha consolidado por considerarse perturbadora e interesante, por el manejo sus matices poéticos.

Otro aspecto interesante a considerar demás, es la peculiaridad de que se encuentra envuelta en los difíciles hilos de la incomprensión del amor y la pasión, vistos desde una perspectiva psicológica, que enmarca y desgarra a cada uno de los personajes, sumiéndolos en el desconsuelo.

Todo ello inmerso en el juego constante de la temporalidad, en donde el pasado y el presente de los personajes se entretejen irremediablemente; en donde el olvido y el recuerdo parecen estar inmersos en una tenue línea ahondando heridas.

Bajo la escenografía del maestro Alejandro Luna, quien propone un sólo cuadro escénico que enmarca perfectamente con la intencionalidad de la puesta en escena de la dramaturgia EL RÍO, vemos aparecer una larga escalera que lleva hacia la supuesta alcoba ubicada en el piso superior; además una cocineta al lado extremo derecho del escenario y, un grade armario proveedor de bebidas , un aparato de música y otros suplementos de utilería, que son necesarios.

Respecto a la dirección artística de ésta obra teatral, perteneciente al género vanguardista por el mismo tratamiento que el autor Jez Butterworth le infirió a su texto, el maestro Enrique Singer logra que la trama surge majestuosa, pese al grado de dificultad que la misma dramaturgia lleva implícita, en cuanto a la presentación de los personajes femeninos que aparecen en el recóndito mundo del inconsciente del hombre.

El personaje protagónico goza y se atormenta en el encierro de su mente, cautivado por bellos y tortuosos tristes recuerdos del ayer. Un artífice envuelto en un paño verde surge

como un fetiche; también es una constante en sus relaciones, en donde la verdad y la mentira son sólo un juego de palabras en el juego de la pasión y el olvido.

EL RÍO se presenta en el Teatro Santa Catarina bajo la producción de la UNAM, con la traducción al español de Alfredo Michel, el efecto sonoro de Xicoténcatl Reyes y la producción ejecutiva de Daniela Parra, quienes terminan por concretar la labor escénica adecuada.

Bajo la propuesta del vestuario de Jerildy Bosh, caracterizados por un buen elenco estelar, integrado por Sergio Bonilla, Marina de Tavira, Inés de Tavira  y Norma Flores, los personajes surgen gracias a los actores quienes actúan con gran plástica actoral, al ejecutar sus caracterizaciones con movimientos corporales acordes a la dramatización y la caracterización dramática que les infieren con la modulación tanto corporal, como de la modulación de sus voces, por lo que logran que la obra sea un deleite en cuanto a la dramatización.

DHL un viaje extraordinario hacia lo valioso de las pequeñas cosas.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Obra teatral escrita y ejecutada por Luis Eduardo Yee, que narra la historia de Felix, un hombre que trabaja en una mensajería y hace de su vida una rutina recorriendo día a día las calles de la zona en donde le corresponde entregar cartas y paquetes a sus respectivos destinatarios.

La trama inicia con la presentación en escenario de Luis Eduardo Yee que como mencioné actúa en su dramaturgia haciendo el rol protagónico de Félix. Ello mediante el recurso genérico de un monólogo mediante el cual, cuenta sus experiencias más vívidas entre las que se  destaca su primer encuentro con Rosa, su novia y único amor, a quien conoció desde la niñez mientras se negaba a dejarse deslizar en una resbaladilla de la escuela, debido a sufrir el síndrome de la aerofobia; también conocerá ahí a un niño peculiar y regordete el cual será su futuro único amigo.

Un día resulta que se le pide entregar un paquete a una dirección inexistente, situación que le pone en grandes aprietos. Tras de intentar una y otra vez dar con dicha dirección, hasta convencerse que no existe en la zona que él cubre con su trabajo.

Por otro lado y con el tiempo, Félix, quien cree tener una feliz relación amorosa con Rosa, enfrenta el rompimiento de su relación. Co ello cae en la cuenta de que, ante la sugerencia de ella por la necesidad de darle un giro a su vida, debiendo comenzar por irse conociéndose a sí mismo, decide hacer algo que resultará totalmente extraordinario. Ahí comienza realmente la aventura.

La obra de ficción resulta ser ágil y creativa en cuanto al desarrollo de la narración proporcionada por el mismo Luis Eduardo Yee, quien contando con una escenografía aparentemente vacía, en base al apoyo de alguna utilería, logrará escenificar la historia con algunos objetos entre los cuales se encuentra un poco de ropa, unos tenis y una casa de campaña, así como una maleta.

Con el juego de iluminación presentado se logra dar el efecto deseado al diálogo. También cuenta con una adecuada dirección escénica a cargo de Ricardo Rodríguez, por lo que DHL un viaje extraordinario hacia lo valioso de las pequeñas cosas” cumple con su cometido.

La puesta en escena es en la Sala Xavier Villaurrutia y se presenta los lunes y los martes en horario de las 20:00 horas bajo la producción de Instituto Nacional de Bellas Artes y la Secretaría de Cultura hasta el 14 de agosto.

SILENCIO ROMEO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

British Council y Seña Verbo Teatro de Sordos, debido a la celebración del año dual MX-UK decidieron hacer posible el montaje de la obra teatral SILENCIO ROMERO. Una obra poco común, en el sentido en que se presentan actuando tanto actores mudos, como artistas que usan su voz para caracterizar a los personajes que William Shakespeare ,en su texto mundialmente conocido y aplaudido “Romeo y Julieta” ,imaginó dándole vida a un drama en donde el amor, juega un rol en la historia, preponderante.

SILENCIO ROMEO es una puesta en escena que alterna a los personajes, dándole voz propia a la conversación vocal de un actor, quien conversa en escena con otro personaje el cual se expresa en el lenguaje callado de señas, que suelen utilizar algunos de los sordo mudos.

Pero ¿cómo funciona el entendimiento de los diálogos para el público en general? Pues

resulta que algunas personas colocadas en lo alto de las butacas del foro, le prestan vida

con su voz a los personajes imposibilitados en ofrecer palabras.

La historia de amor y la tragedia, surgen entre la música secular emitida por dos jóvenes

que con su guitarra uno y la otra con una calimba, endulzan las actuaciones durante casi

todo el tiempo escénico de 90 minutos (Luz Olvera y Sebastián Lavaniegos).

En cuanto a la trama, ésta se presenta mediante una sinopsis esplendida , en el sentido en qu e contiene los momentos más trascendentales o cruciales que recrea la vasta obra clásica shakesperiana, la cual es por muchos conocidas. Ésta narra el amor que surge entre Romeo y Julieta, dos jóvenes quienes son tocados por cupido desde el primer momento en que sus ojos se encuentran durante una fiesta ofrecida en la casa de Julieta, una adolescente perteneciente a la familia de los Capuleto; familia por cierto enemiga de los Montescos, a la cual perteneciera Romeo.

elicidad e intento de unir a sus familias, ante los duelos a muerte en los cuales Romeo se ve ante el infortunio, involucrado y por ende desterrado.

El clérigo de Verona, en donde se recrea esta historia (tierra italiana que sirve de marco de referencia en el medioevo) propondrá una fatal resolución ante la petición de Julieta de solucionar su situación impidiendo que su padre la obligue a casarse con Paris, primo del rey, quien pretende obtener    cuyo matrimonio resulta ventajoso para la familia

Capuleto.

La puesta en escena de SILENCIO ROMEO es escrita y dirigida por Carlos Corona, quien le infiere frescura a la obra, presentada en un solo tiempo escénico, bajo la escenografía e iluminación propuesta por Alita Escobedo y las actuaciones de Eduardo Domínguez,

Roberto de Loera, Daniel Ortiz, Valeria Fabbri y Estela del Rosario, alternándose éstas dos últimas.

SILENCIO ROMEO se presenta en horario matutino los fines de semana en el teatro “El

Granero, Xavier Rojas, bajo la producción del Fondo para la Cultura y las Artes y los

Miembros del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA.

EL VUELO DEL COLIBRÍ

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Esta obra teatral comenzó sus representaciones en el año del 2014. Justo en su cuarta temporada, tras de deambular por distintos foros teatrales, cumplió sus 50 representaciones, motivo por el cual la Compañía “Alternativa Escénica “tomó la decisión por quinta ocasión de presentar EL VUELO DEL COLIBRÍ ahora en el Foro Shakespeare, todos los sábados de Julio y agosto a las 17:00 horas.

Contando con las actuaciones estelares de Rogelio Obregón, Alexis Morales y Abraham Rocha, la obra original del mexicano César Espejo divierte y conmueve al público con una trama llena de mensajes de vida y sapiencia filosófica del que el personaje protagónico del Señor Arthur proyecta

A modo de sinopsis, la obra presenta al Señor Aike, el casero de un comprometido y altruista escritor llamado Arthur, quien por aras del destino un buen día aloja a un joven cuyo nombre es Sinué, con el que compartirá la renta del departamento en donde se aloja.

Con el paso del tiempo ayudará al Señor Aike a cumplir su más acariciado sueño, cubriendo el trabajo de corrector de estilo del libro que esta por concluir, así como ayudándole la  publicación del mismo e integrándole una escritura a manera de prologo y epílogo respecto al mismo, para que el Señor Aike de con ello además le dé cierto gozo a su madre, quien con largo tiempo espera tal logro de su hijo.

Por otro lado el Señor Arthrur, apoya con sus consejos al joven Sinué ayudándole a comenzar a obtener seguridad en sí mismo y con ello, lograr que pueda obtener sus metas sin perderlas de vista con la visión de derrotismo y conformismo muy característico algunas veces de nuestra gente.

Una decisión imperiosa tomada por el Señor Arthur con ya tiempo de anticipación, pero que se había tenido que postergar por los hechos acontecidos, hacen que la vida de éstos dos personajes cambien su ruta, sin caer en la cuenta con ello su futuro apremiante transformaría su camino.

La historia esta escrita bajo el género de drama, sin embargo, esta dramatización cuenta con un toque de comedia, por el tratamiento que se le infiere a la trama, que augura bienestar y libertad.

La puesta en escena es en un solo acto escénico  mostrando el interior de la sala de un departamento un tanto desordenado, lleno de libros un escritorio y una máquina de escribir, además de dos sillas que sirven de mobiliario y que ayudad a ambientar perfectamente la intencionalidad del texto; contando con un sólo tiempo de aproximadamente de75 minutos que Usted podrá pasar dejándole un buen sabor de boca, pese al desenlace aparentemente fatídico.

El autor de VUELO DEL COLIBRÍ es el Señor Cesar Espejo, quien buscó en el título de esta obra sintetizar el mensaje médular que su puesta en escena lleva implícita y que sugiere a persuadir de convencer qué la fuerza y la constancia al seguir nuestros sueños, nos llevará al éxito, empero a los obstáculos que parezcan obstruir “nuestro vuelo”.

Bajo la dirección de Rogelio Bejarano y la Producción de Edgar Fernando Martínez Fernando y las relaciones públicas de Sandra Pinal EL VUELO DEL COLIBRÍ continuará representándose para complacencia del público.

FLORES FRUTOS Y ESPINAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La “Producción Original de Textos Para Nada” es una compañía integrada en su mayoría por jóvenes creativas y entusiastas qué con la finalidad de dar un nuevo giro a los textos clásicos, logran innovaciones conjuntando algunos textos.

En el caso de FLORES, FRUTOS Y ESPINAS reúnen el escritos de Clitemnestra, o el crimen” una novela original de la escritora, traductora y poetiza nacida en Bruselas, Bélgica  (1903-1987) Marguerite Antoinette Jeanne Marie Ghislaine Cleenewerck de Clayencourt; quien ha sido más conocida en el medio internacional intelectual como Marguerite Yourcenar.

 

En su obra de “Clitemnestra o el crimen” ésta a su vez agregó algunos mitos o episodios de la tragedia relecturada moderna de Yannis Ritsos el poeta y político griego, nacido en la ciudad de Monenvasia en 1909 y falecido en 1990.

La Compañía utiliza ocasionalmente Voz en Off  que ofrece al público información complementaria sobre la historia, en tanto que las actrices Sarahi Carrillo, Cecilia Tamayo, Amparo Barcia y Amanda Polo desempeñan con gran talento histriónico su papel(estas dos últimas alternando funciones actúan en el mismo rol protagónico de Clitemnestra.

Para tal efecto cada una de las actrices trasmiten distintas emociones, así como experiencias distintas que en la ficción, que vive y sufre Clitemnestra, para matizar la psicología de dicho personaje, hace patente cada las distintas voces que según expone la adaptadora de la obra teatral, las presenta bajo el objetivo de esclarecer los diferentes pensamientos o especies de voces internas, que en la realidad cada persona ocasionalmente siente y, que supuestamente llevamos dentro.

En escena, son aflorados para darle mayor peso a la personalidad de Clitemnestra, así como las razones por las cuales actuó en contra de su amado, tan deseado y esperado marido.

Éstos son ventilados, en éste cruento drama griego qué tiene como referencia, la región de Micenas, momento en el que reinara Agamenón, esposo de Clitemnestra. Ésta tras la larga espera de diez años, lo ve envolver en una barca de la cual desembarca con su joven amante preñada, quien según explicara, fuera la princesa cautiva de Troya.

La desesperanza del olvido de Agamenón por tantos años, así como los celos por la presencia de la joven, aunados a la admiración frustrante por la gallardía y éxito de éste, la hacen planear su muerte irrevocable.

Para ello se vale del momento en que Agamenón sube cansado las escalares hasta su alcoba,  despojándose de sus vestiduras, momento en el cual Clitemnestra llama al que ocasionalmente fuese su amante, para que este detenga por las piernas a la víctima facilitándole con ello su objetivo siniestro.

Aún cuando éste se niega finalmente a hacerlo, Agamenón es atacado por su mujer con una hacha, partiendo en dos su frente, tras un intento fallido del golpe dado con la misma hacha, pero en el hombro de éste.

Tiempo más tarde Clitemnestra será apresada, encarcelada y juzgada. Durante dicho proceso ella expondrá los motivo que la llevaron al homicidio; sostendrá que buscó ocasionalmente un amante tan sólo para averiguar si podría con ello, dejar de amar a su marido Agamenón, ello ante el desconsuelo que le causara el evidente extravío del interés de su marido hacia su persona, durante su largo tiempo de ausencia.

La puesta en escena es de aproximadamente 50 minutos y se presenta los días sábados de julio y agosto, a las 6:00y 8:00 horas en el Foro Shakespeare bajo la dirección escénica y adaptación de Natalia Plascencia, la escenografía de Tana Karei, el diseño grafico de Bruno Langlet, el vestuario de Merma Negra el Couch de interpretación de Paloma Mozo, la Coordinación de Producción de Edgar Marroquí y como a-priori menciono, la producción “Original de Textos para Nada”

LA NENA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

Pieza dramática que la Compañía “Xalapa Hace Teatro” ha puesto como su Segundo Proyecto teatral . Es una obra que tiene como elenco a la primera actriz Evangelina Martínez quien junto con Laura Castro dan vida a los roles protagónicos de la madre y la hija.   En esta ocasión LA NENA cuyo texto original es del dramaturgo Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio se presentará solamente durante tres semanas, para luego continuar en gira por algunas provincias de la República Mexicana.

Bajo la dirección escénica a cargo de Ángel Luna la obra teatral se estrenó el día de ayer con gran éxito, colocándose en el gusto del público que llenó el teatro “Sergio Magaña”, el cual aplaudió y vociferó gritos de “Bravo” a las actrices quienes se manifestaron contentas de participar en  dicho drama.

Ambas actrices demostraron tener grandes tablas en el escenario al profundizar con gran emotividad y frescura a sus respectivos personajes llenos de amargura y sufrimiento, que les lleva a enfrentar una relación filial tortuosa y agonizante.

La obra precisó de un constante manejo del lenguaje coloquial altisonante que el mismo escritor le infirió para darle fuerza a la trama en donde surge un enfrentamiento verbal en el momento del ocaso de la madre. Esta pide ver a su hija LA NENA a la cual siempre odió y, a la que cita al final de su vida tan sólo para recordarle lo desagradable que fue el tenerla en vida como hija.

La primera actriz Evangelina Martínez a este respecto hizo patente el reto que para ella significó el aceptar el papel de una madre de esa condición tan distinta a la que suele tener no tan solo ella, sino casi toda madre en general.

Al respecto, en opinión del mismo autor de LA NENA y los integrantes de la Compañía expresaron textualmente:

-“Se podría suponer que la madre ama a sus hijos y por consecuencia éstos, son recíprocos a su progenitora. A veces, puede que no sea cierto, que sea un “amor” a golpe de insultos y  sabe a sangre, como en LA NENA, una obra de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM)…

La muerte puede ser el lazo para que la madre-hija perdonen sus fallas, se sanan, duelen, siguen latentes. En esta puesta en escena planean el ejercicio de un amor humano encarnado de dos personajes femeninos que ponen en tela de juicio los supuestos afectos que uno establece en sus relaciones familiares.

Xalapa Teatro plasma un amor “legomeano” en la anécdota y, como idea fundamental la exposición del individuo que se rinde ante el mundo. Seres que se han cansado de luchar por ser algo que no son y simplemente se “dejan ir”, se “dejan llevar” y curiosamente solo así sale lo mejor de ellos.”-

El personaje de LA NENA a la vez sirve de Un “Yo Narrador” quien describe al inicio  al final de la obra, las circunstancias que envolvieron el deceso de su madre, desde poco tiempo antes de acompañarla en su ultimo momento.

Con horarios de jueves a domingos LA NENA se presentará hasta el día 22 de Julio y, como finalmente expresó la Compañía “Xalapa Hace Teatro” LA NENA es un homenaje a esos familiares que amamos y con quien resulta imposible comunicarnos” .

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Una obra teatral surrealista con ideas frescas surgida de una serie de cuestionamientos acerca de la vida existencial desde una perspectiva filosofal. Preguntas que surge ante la inquietud que emerge de las cosas cotidianas de cómo las visualizamos, las sufrimos, o incluso las gozamos día a día y sentimos LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS.

Es una propuesta escénica experimental si la observamos en comparación dentro con el formulario ortodoxo que solemos presenciar en la mayoría de puesta en escena que suelen ser más tradicionales.

Es una obra teatral que sirve de parte-aguas para detenernos a pensar en nuestra breve existencia, que poco a poco se va agotando en el manantial de las pequeñas cosas. Cosas  que parecen pequeñas pero que a veces, suelen ser trascendentales en el camino que decidimos trazar, aún de manera no tan consciente.

De pronto, una cosa o una aparente insignificante determinación, cambia y conduce nuestro camino en la vida, llevándonos a rutas que no imaginábamos seguir.

Sin embargo la temática de la obra como parte medular, transcurre más en torno a la perdida de una persona querida, o bien de los objetos, de los recuerdos, o acaso de una persona querida. Y a este respecto Ángel Luna Flores, el joven dramaturgo mexicano y director de la obra expone textualmente:

-“Perder algo significa trascender en la memoria. Toda perdida comienza con un encuentro amoroso. Viajar al lugar en donde habitan los recuerdos perdidos, la amnesia voluntaria nos llena los bolsillos de nostalgia. No es tan malo estar perdido, perderse para encontrarse y adentrarse en esa isla de recuerdos de la memoria.-“

Así  es como se va desarrollando la historia, en donde un globo, pierde a su padre quien aseguró algún día volver. Su hijo, el niño globo espera a su retorno, transcurso durante el cual conoce a una mujer sin nombre, cuyos ojos se  van agrandando cada vez más.

Un día el niño globo al mudarse de lugar decide por consejo de la mujer sin nombre, escribir una carta a su padre, la cual arroja al mar con la esperanza de que él la lea dentro de una botella sellada para, que de ese modo, al encontrar dicho objeto arrojado al mar, él sepa en donde poder encontrarla.

El padre por su lado deambula sin memoria, pero algo en su interior le dice que anda en busca de algo o de alguien…

La historia es antecedida por una serie de cuestionamientos cómo ¿el porqué nos importa tanto perder una cosa, si esa cosa es independiente a nuestra existencia?, o bien, el ¿por qué nunca decimos lo que queríamos, a las personas importantes o amadas por nosotros?

Esto entre muchos cuestionamientos interesantes más, son expresados por supuesto, por los personajes de la historia de distinta manera, pero con el mismo significado. En sí, con lo anterior lo que intento comunicarle respecto de la trama de la obra teatral LA NOSTALGIAS DE LAS PEQUEÑAS COSAS es, que lleva como transfondo un mensaje importante, que es precisamente el hacer conciente al público la importancia del darse cuenta qué las cosas, por más pequeñas que nos parezcan, suelen tener al final de cuentas más importancia en nuestras vidas, de lo que parecieran.

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS se presenta en el foro “La Gruta” hasta el día 22 de julio.

 

SILENCIO ROMEO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

British Council y Seña Verbo Teatro de Sordos, debido a la celebración del año dual MX-UK decidieron hacer posible el montaje de la obra teatral SILENCIO ROMEO. Una  obra poco común, en el sentido en que se presentan actuando tanto actores mudos, como artistas que usan su voz para caracterizar a los personajes que William Shakespeare ,en su texto mundialmente conocido y aplaudido  “Romeo y Julieta” ,imaginó dándole vida a un drama en donde el amor, juega un rol en la historia, preponderante.

SILENCIO ROMEO es una puesta en escena que alterna a los personajes, dándole voz propia a la conversación vocal de un actor, quien conversa en escena con otro personaje el cual se expresa en el lenguaje callado de señas, que suelen utilizar algunos de los sordo mudos.

Pero ¿cómo funciona el entendimiento de los diálogos para el público en general? Pues resulta que algunas personas colocadas en lo alto de las butacas del foro, le prestan vida con su voz a los personajes  imposibilitados en ofrecer palabras.

La historia de amor y la tragedia, surgen entre la música secular emitida por dos jóvenes que con su guitarra uno y la otra con una calimba, endulzan las actuaciones durante casi todo el tiempo escénico de 90 minutos (Luz Olvera y Sebastián Lavaniegos).

En cuanto a la trama, ésta se presenta mediante una sinopsis esplendida , en el sentido en que contiene los momentos más trascendentales o cruciales que recrea la vasta obra clásica shakesperiana, la cual es por muchos conocidas. Ésta narra el amor que surge entre Romeo y Julieta, dos jóvenes quienes son tocados por cupido desde el primer momento en que sus ojos se encuentran durante una fiesta ofrecida en la casa de Julieta, una adolescente perteneciente a la familia de los Capuleto; familia por cierto enemiga de los Montescos, a la cual perteneciera Romeo.

El amor y la pasión entre ambos empero surge llevándolos de manera secreta al altar. Sin embargo la desgracia empaña su felicidad e intento de unir a sus familias, ante los duelos a muerte en los cuales Romeo se ve ante el infortunio,  involucrado y por ende desterrado.

El clérigo de Verona, en donde se recrea esta historia (tierra italiana que sirve de marco de referencia en el medioevo) propondrá una fatal resolución ante la petición de Julieta de solucionar su situación impidiendo que su padre la obligue a casarse con Paris, primo del rey, quien pretende obtener su mano y, cuyo matrimonio resulta ventajoso para la familia Capuleto.

La puesta en escena de SILENCIO ROMEO es escrita y dirigida por Carlos Corona, quien le infiere frescura a la obra, presentada en un solo tiempo escénico, bajo la escenografía e iluminación propuesta por Alita Escobedo y las actuaciones de Eduardo Domínguez, Roberto de Loera,  Daniel Ortiz, Valeria Fabbri y Estela del Rosario, alternándose éstas dos últimas.

SILENCIO ROMEO se presenta en horario matutino los fines de semana en el teatro “El Granero, Xavier Rojas, bajo la producción del Fondo para la Cultura y las Artes y los Miembros del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA.

VIRGENES EN PUGNA
POR: Dalia María Teresa De León Adams.

“-Este texto que hoy conoce la luz del escándalo¿ Es la inspiración virginal! Surge en una
visita a la Basílica. Ahí están estas y muchas vírgenes latinoamericanas abandonadas en
un rincón. ¿Qué hacen ahí todas reunidas? Y antes de salir al patio de la Basílica, el manto Guadalupano me cubrió de inspiración y he aquí lo que me dictaron.-“

Enoch Leaño

Con tan sólo una semana de haber sido estrenada a la prensa la obra teatral
VIRGENES EN PUGNA por Enoc Leaño, su dramaturgo y director, el teatro “Jorge
Negrete” tuvo casa llena y un cocktail final para celebrar esta puesta en escena en
donde fue invitada la talentosa actriz Cynthia Klitbo, como actriz estelar para
caracterizar a nuestra Virgen Morena de Guadalupe.
La trama un tanto peculiar, hizo reír al público asistente, quienes la ovacionaron con
efusivos aplausos al finalizar. Las funciones están planeadas los días miércoles, para
ser presentada al espectador que desee divertirse con una obra humorística, a manera
de sátira.
VIRGENES EN PUGNA presenta a varias de las madonnas latinas que son alojadas y
beneradas como vírgenes matronas en distintos países sudamericanos, como
Venezuela, Colombia, Brasil, Argentina, Bolivia y Honduras.
Por supuesto, la virgen anfitriona no podía ser otra más que la Virgen de Guadalupe
del Tepeyac. En la historia dicha figura celestial invita al resto de las vírgenes a su
recinto, en donde las deja a cargo y servicio de un atractivo querubín. Él les ofrece
tequilas y mezcal a bonanza, lo cual hará que ante el efecto de embriaguez, las
madonnas comiencen a hablar sin tapujos de sus carencias intimas o sexuales.
La reunión o “concilio”, comienza a transformarse en un acto que da cabida al debate
entre la vírgenes, quienes ante la sugerencia Divina de rivalizar por lograr sus sueños
de sentirse mujeres ante el gozo sexual, apuestan a todo, incluso a abandonar a sus
críos.
El lenguaje va subiendo de colorido alcanzando matices altisonantes y frases atrevidas
e incluso irreverentes ante la presencia divina, aspecto por el cual su mismo escritor
menciona que su texto hoy conoce la luz del escándalo, frase que por cierto, se
encuentra en el párrafo inicial de ésta nota.
En la obra teatral actúan Cynthia Klitbo (Virgen de Guadalupe)Leticia Pedrajo (Virgen
de Lujan), Idalia Figueroa (Virgen de Coromoto), Paulina Ahmed (Virgen de
Copacabana), Miriam Navarro (Virgen suplente), Mara Cuevas (Nuesta Señora de
Aparecida), Yanizel Crespo (Virgen de Suyapa) y Alondra Hidalgo (Virgen de
Chiquinquiró). Alfonso Cervantes es el Querubín y la Voz de Dios es vocalizada por
Dan Osorio.

Teatro Jorge Negrete, Ciudad de México.

LA MORDIDA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Caer en el tambo es una chinga: primero por estar enjaulado, segundo porque los coyotes te piden que aflojes por todo, para que no te agarren de encargo, para mover el bigote, para abandonarte en un colchón, para tronar el cacahuate, para atizar coliflor tostada, bueno, hasta para hacer de la chis.-

Este es el párrafo con el cual inicia el programa de mano que ofrece “El Artus” un integrante de la Compañía de Teatro Penitenciario; compañía la cual actualmente ofrece algunas obras teatrales gracias al apoyo de algunos institutos de cultura, como es la Secretaría de Cultura, el INBA y organismos independientes como el Foro Shakespeare o Gavilla Teatrera del 77.

LA MORDIDA cuyo título resume la parte medular de la trama teatral, es una puesta en escena que desgraciadamente presenta una parte de la realidad que se vive en muchos sectores de nuestro país, los cuales día a día padecen en carne viva la corrupción.

En la historia ficticia escrita por los mismos integrantes de “La Compañía de Teatro Penitenciario” aparece un joven como podría ser cualquier o cualquiera otra persona qué en aras de montar una taquería, acude a un organismo gubernamental encargado de proporcionar el permiso de que dicho pequeño puesto de tacos para ser abierto y, con ello, servirle de “modus vivendi”.

El tramite consiste en solicitar tan solo un sello y una firma sin embargo algo tan simple se convertirá en una verdadera pesadilla por vivir, en donde LA MORDIDA estará presente como una especie de beneficio y maleficio.

La obra esta dirigida por el mismo Señor Artus Chávez. La propuesta escénica esta efectuada en un solo tiempo y un solo cuadro en donde aparecen dos escritorios, una banca y  una silla, además de varios objetos de utilería que ambientan el escenario para dar la impresión de encontrarse en una oficina de gobierno cualquiera.

En escena actúan Javier Cruz, Ismael Corona, Antonio Hernández y Héctor Maldonado. Todos ellos con gran entusiasmo representan sus roles protagónicos, que son de un jefe, su asistente o secretario, y un joven. Junto con ellos aparece un actor quien cumple con diferentes caracterizaciones, que van desde un vendedor de alimentos, hasta un asistente,  de limpieza y un masajista, entre muchas atrás actividades.

La puesta en escena de LA MORDIDA es sencilla, pero cumple con el cometido del hombre de teatro comprometido en mostrar una realidad con su trabajo, además de hacer pasar un agradable momento a los espectadores, a quienes invitan ocasionalmente a colaborar durante el tiempo escénico, invitándolos a dar su propio punto de vista respecto a lo que en escena se presenta, a dar breves aclaraciones como el decir la fecha, etcétera, o a iniciar cantando de pie el himno nacional.

LA MORDIDA es en resumen, un esfuerzo colectivo de personas que desean hacer de sus vidas algo significativo, pese a la vicisitudes y penurias que enfrentan en la vida. Usted podrá apreciar la obra si asiste al teatro El Galeón, cualquier día de jueves a domingo en la próxima semana, pues será presentada solamente hasta el 1 de Julio del presente año.

DESDE LA CAJONERA

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Es un montaje de títeres para pequeñitos que la compañía “La Liga Teatro Elástico” ha montado queriéndolos hacer soñar y, ser partícipes presentes de los encantos que DESDE LA CAJONERA se pueden recrear e imaginar. Con ello se busca compartir un mundo mágico en donde duendes cobran vida en el maravilloso DESDE LA CAJONERA tradicional del antiguo zapatero remendón, como solían llamarse a las personas qué haciendo uso de dicho mueble plegable, reparaban y zurcían zapatos y zapatillas, haciendo un arte con ello en los albores del silo pasado.

DESDE LA CAJONERA surgieron cambios con el tiempo, que la modernidad gestó, y que casi la llevó al olvido. Por ello, esta obra aludiendo a aquellos tiempos invita al público infantil y a aquellos adultos que fueron partícipes o testigos de aquellos momentos que vivió el zapatero. DESDE LA CAJONERA es una actual puesta en escena que invita a recrear una cajonera que puede se observada por cada pequeñín, de donde surge un títere que dará vida a un viejo pero gentil zapatero remendón.

Pero ¿qué es una cajonera? Cae aquí preguntar. Le responderé con las palabras textuales que Jacqueline Serafín compartió en el boletín de prensa al acercarse se las vísperas de la nueva puesta n escena de DESDE LA CAJONERA:

-“Una cajonera es un objeto silente. A simple vista parecería un elemento sencillo;  sin embargo, en ella se esconde un mundo a la luz de la imaginación. En esta ocasión, entre bolsas, manos, guantes, figuras y otros personajes, al plegarse y desplegarse se convertirá en el paisaje escénico en el que los objetos recorren caminos, atraviesan puentes, saltan obstáculos y toman la siesta, todo con la intención de contra una historia de zapatos.”-

En escena aparecen dos actores que manipulan al títere, apareciendo de pronto también en escena como algún otro personaje. DESDE LA CAJONERA es un bello espectáculo de teatro mudo musicalizado, a la usanza secular es decir, con música de los años 40’s de la primera mitad del siglo pasado, momento en que las cajoneas ocupaban un importante lugar laboral en todo el país.

Le contaremos finalmente qué las marionetas cobran vida en una puesta en escena en la cual esta planeada para en cuatro tiempos escénicos. De tal modo que la obra teatral DESDE LA CAJONERA incluye una introducción que consiste en una “Danza convencional”; posteriormente se presenta el cuento de “El zapatero y los duendecillos” escrita por los afamados Hermanos Grimm; como tercer se cuenta con la recreación “De zapatos Rojos” original de Hans Christian Andersen y, para concluir presentan el número de “Colgando los tenis” momento en el cual se invita a todos los niños que deseen participar, a subir al escenario.

DESDE LA CAJONERA es una producción de la Secretaría de Cultura y el INBA y Usted la puede ir a ver los sábados y los domingos en la Sala Xavier Villaurrutia en la Ciudad de México hasta el día 12 de agosto del presente año.

ANIMALES

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Ya estrenada a partir del año del 2016 en varias ocasiones y en diversas regiones la obra teatral ANIMALES del mexicano Aristóteles Bonfil, vuelve a escenario mexicano pero en esta ocasión en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque, bajo la dirección escénica de Geovani Cortés.

La dramaturgia de Aristóteles Bonfil esta recreada esta en la obra de Henrich Karl Bukowski “Animal crakers in my soup” (Animales hasta en mi sopa). Nacido El autor en Andeirmach, Alemania, en el año de 1920-1998, se nacionalizó estadounidense debido a haber crecido en dicho país, en donde con el tiempo se convirtió en un hombre de teatro muy afamado, empero a haber sido muy controvertido por sus obras recurrentes de estilo surrealista y desconcertantes y por su estilo cruento de manejar las temáticas.

ANIMALES posee una trama que enmarca a sus personajes dentro de una sociedad qué en aras de lograr la felicidad, se enfrentan a situaciones controversiales que según el punto de vista textual del director escénico, que aún hoy en día se viven. La obra surgió ante la inquietud de mostrar una realidad que aún prevalece, aunque mostrada de manera más sutil a los espectadores mexicanos:

-“ Escenificar ANIMALES nace del interés por halar de los temas que son recurrentes en la literatura de Bukowski; el fracaso, la búsqueda de la felicidad, la muerte, la violencia; de su visión de la sociedad, cruda y descarnada, por el carácter mismo de la historia, surrealista y desconcertante”-

Y con esa expresión de desear mostrar la obra de Bukowski de una manera que llamó “más sutil”, se refirió su director Giovani Cortés al formato peculiar en que es presentada esta obra teatral, en la que el narrador y personaje protagónico es Hank, es un muñeco de tamaño humano, el cual es manipulado para cobrar vida por dos acores vestidos totalmente en negro, para contrastar con la iluminación tenue del foro, logrando de ese modo que sean menos visibles durante el tiempo escénico en que se presentan en la obra que es aproximadamente de unos 60 minutos de duraciónn.

El muñeco Hank lleva en su vientre y en su pecho unas cortinas que cubren una pantalla, en la cual mediante el uso de un acetato, se permite la transmisión de gran parte de la dramaturgia de ANIMALES. En ella aparecen de forma animada tanto Hank como el otro personaje protagónico quien es una mujer extranjera tachada por “loca”, llamada Mara; una mujer excéntrica, sensual y adinerada que posee una gran mansión en donde habita con ANIMALES salvajes. La presencia de Hank le hará vivir experiencias asombrosas e inesperadas.

Ana María Aguilar ejecuta las sombras, en tanto que Rodrigo Hidalgo y el mismo adaptador del texto, el Señor Aristóteles Bonfil, son los otros dos actores que integran el reparto estelar, aún cuando sólo prestan sus voces y manipulan como anteriormente menciono, al títere gigante.

Enmarcado dentro del género de teatro negro, la obra teatral ANIMALES es contada con un lenguaje sórdido. Por otra parte el ambiente es recreado por la musicalización  ambiental propuesta por Bonfil, además de ser presentadas dos poesías las cuales son recitadas por el personaje de Hank, en una conversación con su anfitriona Mara.

La obra ANIMALES se ha estado presentándose por la Compañía “Maldito Teatro”  a partir del día 14 de junio y se concluirá el próximo 22 de julio bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

LOS GRANDES MUERTOS, CNT

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

 

En el año 2007 se publicó la obra de la escritora mexicana Luisa Josefina Hernández

(nacida en la Ciudad de México en 1928) LOS GRANDES MUERTOS. El volumen original

consta de cuatro tomos entre los cuales aparecen once obras que ventilan la vida y

costumbres de varias generaciones de una familia adinerada ubicada en la región de

Campeche.

Luisa Josefina Hernández quien escribiera la obra “LOS GRANDES MUERTOS conformó su vasta obra en cuatro volúmenes creados entre los año de 1999 y 2000. La trama esta

inspirada en la vida de su abuelo, personaje quien cobra vida en su obra bajo el nombre de Juan José Fierro de Lugo, “ el hombre de ultramar” caracterizado bajo la plástica actoral de Antonio Rojas

Escritas de manera exquisita, la autora detalla la psicología de cada uno de sus personajes, mostrando un estilo peculiar dentro del género costumbrista. Describe con destreza el paisaje y el ambiente en el cual se rodea los personajes, aspecto entre otros muchos que llevaron a ésta obra a ser la ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes , convirtiéndose además en un hito de la literatura mexicana La Compañía Nacional de Teatro (CNT) por dicho motivo, se ha dado a la tarea de presentarla por tercera ocasión en uno de los recintos teatrales del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en el teatro Julio Castillo, pues por primera vez fue representada en el foro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural de la UNAM.

LOS GRANDES MUERTOS es ofrecida al espectador en un formato de seis puestas en

escena. de tal modo que a partir del día 6 de junio se han estado presentando al público y se tiene programada la ultima función, con fecha del 15 de Julio.

Cada una de las obras es la secuencia de otra; sin embargo están tan bien escritas y

estructuradas qué Usted puede verlas sin necesidad de haber asistido a la anterior, la cual empero, le da hilaridad y continuidad, como ya le mencionamos.

La Compañía seleccionó seis de éstas, siendo nominada la primera justamente como “El

galán de Ultramar”, la segunda como “La amante”, “Fermento y sueño”, “Tres perros y un

gato”, “La sota” y finalmente “Los médicos”, obra con la que cierra el ciclo de

representaciones.

La dirección esta a cargo de José Caballero, participando para ello Arturo Beristain,

Mariana Jiménez y Octavio Michel.

 La dramaturgia tiene como referente la región de Campeche a finales del siglo XIX e inicios de la primera mitad del siglo XX. Suceso que hizo interesarse al gobierno de dicha región, para la representación teatral de la misma, a través de su Secretaría d Cultura.

La trama de cada una ambienta la forma de vida secular en donde aún reinara el racismo y el clasismo, hasta su forma de esclavismo. Las costumbres y forma de vida son descritas con detalles que ambientan la manera de vestirse hablar y conducirse. El machismo extremo, que permitía a los hacendados a poseer a sus sirvientas, preñándolas sin dar reconocimiento a los hijos fuera del matrimonio, la frustración de la mayoría de las mujeres ante el desconsuelo de ser olvidadas ante los brazos de la amante y la religiosidad del pueblo, son algunos de los ingredientes que forman parte medular de dicho compendio de obras.

La obra ventila el amor, el desamor, la pasión, el engaño, el odio y la desesperanza, entre algunas parejas consideradas de alto rango socio-económico, quienes muestran las miserias del alma, así como el desconsuelo de las parejas de distinto estrato, quien no pueden aspirar a tener una unión conyugal. La desavenencia de los grupos marginales y la irreverencia de algunos de los personajes, que buscan cambiar el rumbo de su destinos.

Tanto las actuaciones como las direcciones escénicas son un verdadero deleite. Cuenta con el elenco estable, formado por la Compañía Nacional de Teatro, quienes son una promesa en el escenario.

La escenografía móvil, de Christian Núñez permite el cambio constante de la ubicación del gran número de personajes, interpretados por grandes talentos como son Marta Aura,

Arturo Beristain, Emma Dib, Diego Jáuregui, Julieta Egurrola, Oscar Narváez, Laura Padilla, Enrique Areola, Ricardo Leal, Mariana Graja, Pilar Padilla, Esteban Soberanes y muchos grandes actores más, que se presentan con gran plástica actoral al realizar ciertos movimientos con un dejo coreográficos propuestos por Rudy Tagle, que combinan perfectamente con la música de Alberto Rosas, en casi cada uno de los cambios de cuadro escenográfico; musicalización a la usanza secular propuesta por Edwin Tovar, Pablo Ramírez y Ricardo Lomnitz y un gran equipo de realizadores teatrales.

Si usted goza de obras costumbristas, no olvide la posibilidad de ver cada una de éstas

 

sagas. (Teatro Julio Castillo hasta el 13 junio y después en Coyoacan, sede de la CNT calle de Francisco Sosa, consulte cartelera)

EL DIFÍCIL PROBLEMA.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El inquietante cuestionamiento en torno al origen de la conciencia, abordado por el filósofo australiano David Chalmers, matizado en contraposición con el cuestionamiento metafísico posteriormente formulado por Tom Stoppard en su obra teatral, es la parte medular de la trama EL DIFÍCIL PROBLEMA.

De ese modo el público junto con los personajes ficticios de la dramaturgia teatral, de EL DIFÍCIL PROBLEMA nos sumergimos en el mundo teórico qué su texto ofrece, matizado con constantes cuestionamientos científicos experimentales. La trama es rica en formulaciones y conceptos teóricos reales que aún hoy día continúan sin responder satisfactoriamente, por el apasionante campo de la ciencia.

Tom Stoppard nacido en 1937,  es el escritor británico  de origen checo, afamado por sus obras “La costa de utopía”, ” Realidad” y “Rosencrantz y Guildenstern han muerto” y, su película “Shakespeare apasionado”.

Su texto EL DIFÍCIL PROBLEMA muestra el talento de Stoppard por escribir una dramaturgia que hace gala a la cultura y conocimientos del autor, en cuanto al campo científico de la neurociencia, que va más allá de la medicina, la psicología y de la filosofía.

De tal modo qué en la puesta en escena aparece el personaje protagónico de Hilary, una joven doctora en psicología, quien pondrá en jaque a los científicos interesados en investigar los componentes materiales del cerebro y, en específico, el de la mente. Ello al intentar demostrar que más allá de los componentes materiales, existe un plus en el mundo racional que engendra la conciencia.

De tal modo qué en la puesta en escena, los personajes se cuestionan literalmente:

-“¿Cuál es la diferencia entre el cerebro y la mente? ¿Una computadora piensa o es una licuadora compleja? ¿Qué ha de ser de lo sublime en un mundo racional y material? ¿Es posible el altruismo o todos los actos bondadosos surgen del interés propio? ¿Los humanos somos egoístas por naturaleza?”- 

La escenografía en EL DIFÍCIL PROBLEMA de Philippe Amand tiene un gran impacto e importancia en el desarrollo de ésta trama con duración de casi 3 horas qué por cierto, se pasan sin sentir, gracias al texto bien estructurado e inteligente, con una magnífica escenografía, gran dirección y la buenas actuaciones  del reparto estelar.

Éste conformado por Sofía Sywin, Jerónimo Best, José Cremayer, Valentina Garibay, María Inés Pintado, Jorge Gidi,  Altomaro, Hannah Cabrera,  Mayela Hernández y el primer actor Juan Carlos Vives.

 

EL DIFÍCIL PROBLEMA se presenta a través de El Aleph, el Festival de Arte y Ciencia y la dirección de Teatro UNAM, en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz.

TRÉPLEV, Taxidermia en cuatro actos.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Una puesta en escena que no se conforma con ser la reproducción de un texto dramático. De dicha manera parte la intencionalidad del director escénico, de ésta puesta en escena teatral difícil de por sí, por ser una obra de vanguardia psicológica realista. Considerado su autor como incursionista además dentro del género teatral  y naturista. Me refiero al destacado dramaturgo, novelista, cuentista, además de médico ruso Antón Pávlovich Chéjov (1869-1904).

TREPLEV es nada menos que la adaptación de su obra teatral “La gaviota” la cual fue escrita en 1896. Bajo el título de “La gaviota” ha sido considerada como una de las más representadas del autor.

Pero en esta ocasión TRÉPLEV, como  denominan la adaptación colectiva dirigida por e l mexicano Alonso Iñiguez, gira entorno a la figura de su personaje protagónico y, cuyo nombre es precisamente TRÉPLEV.

Dicho personaje es matizado bajo una figura romántica, siempre en busca de afecto y reconocimiento, el cual poco recibe empero a sus esfuerzos. TRÉPLEV se sienta en su silla para observar los éxitos y los fracasos de los demás, además de vivir constantemente idealizando a su joven compañera actriz Nina, a quien sueña enamorado a través de los distintos personajes que protagoniza y que él, vive como ciertos en su mundo incierto y solitario.

Planeada para ser ofrecida al público a través de tan solo 24 funciones, se tiene contemplado el caracterizar al personaje secundario de Nina, por parte de diferentes actrices afamadas ya en el mundo del espectáculo teatral.

Por ello es que comenzaron con la actriz y hoy en día directora, Mariana Jiménez, la cual fue muy ovacionada al final de la función, con los aplausos prolongados de mucho de los espectadores.

La compañía dice que la puesta en escena de TRÉPLEV, en ésta ocasión: -“ es un proyecto teatral que propone una disección sobre el texto de Antón Chéjov, La gaviota, tomando como columna vertebral y punto de partida el texto original y planteando la construcción de una trayectoria alterno-cultural del protagonista”-  

Como según mencionara en entrevista el mismo Alonso Iñiguez, quien como mencionamos a-priori, es el director de ésta puesta en escena que actualmente se presenta en el teatro Orientación.

La producción de TRÉPLEV corre a cargo de la UNAM y del IMBA, quienes unieron esfuerzos para que fuera posible la nuevamente la representación de la misma, la cual anteriormente ya había sido escenificada en uno de los foros del Centro Cultural UNAM.

   

 

LOS PROHOMBRES

POR: Dalia María Teresa De León Adams

 

Una historia impactante esta presente e la dramaturgia de Noé Morales denominada LOS PROHOMBRES por su temática que ventila el caso real de un hombre alemán, oriundo de  Rotemburgo, llamado Armin Meiwes quien practicaba el canibalismo..

Trama teatral muy peculiar que narra un encuentro pactado tras una cita a ciegas concertada vía Internet en el cual, ambos convienen el degustar a un ser humano.

Al respecto la Compañía de Xalapa  “Maldito Teatro” bajo la producción de ” El Circulo Teatral CDMX”, argumentaron al respecto en el boletín proporcionado a la prensa; ello de manera textualizada de la siguiente manera:

-“Aunque cause asombro, horror o morbo, el caso va más allá de las escenas nauseabundas que provoque pensar  en comer carne de otro humano, a decir del dramaturgo. LOS PROHOMBRES es una “bofetada a los prejuicios” la historia que ha pasado de la realidad a la ficción, nos pone en jaque al realizar el trasfondo de cada personaje, detalla Morales, juzgar que la calidad moral de los hechos y pensar qué pasa por la cabeza de dos personas que se desarrollan en un país primermundista.”-

LOS PROHOMBRES es una obra teatral que tiene como referente el país de Alemania hacia el año de 2001. Es un acercamiento a la psiquis de personas que parecen sacadas de una historia de terror, pero que en la realidad, viven en completa cotidianidad entre nosotros.

Es uno de los distintos casos sorpresivos que Usted podría sufrir, teniendo a ciegas encuentros con personas que se anuncian vía Web. Por otro lado también en la obra se aborda el tema hoy día muy en boga del homosexualismo. Ello traducido en uno de los personajes protagonizados por Alan Blasco y César Medina, quienes cubren los roles de Frankie y Sepo. El hombre gay aparece con constantes intento fallidos por seducir a su contactante.

Sin embargo, ambos se reúnen bajo una misma constante y, que es, la soledad que cada uno sufre; entre esta se preparan platillos y estudios en aras de dicha dieta.

LOS PROHOMBRES sin embargo, es una puesta en escena con toques de humor negro, a cargo de Ismael Gallegos quien en un sólo acto escénico con aproximadamente 60 minutos de duración que transcurre con la presentación de un cuadro escenográfico que muestra el interior de una sala habitación.

En el mismo en donde aparece un “tercer personaje”, y que es un manequí, que hace las veces de manera sutilmente imaginaria que el director artístico de PROHOMBRES Geovani Cortés, propuso para mostrar a la víctima que será degustada..

La obra teatral se esta presentado desde el pasado 27 de mayo, en el foro del teatro La Capilla en Coyoacán, bajo la dirección artística de Geovani Cortés. Los días domingos a las 18 horas.

LA SEMANA DE LAS NUEVE DRAMATURGIAS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



El Centro Cultural del Bosque, dándole seguimiento a la Sexta Edición del anteriormente denominado “Theaterwelt”, se prepara para iniciar la temporada con compañías mexicanas que efectuarán algunos semi-montajes con tres grandes dramaturgos contemporáneos europeos.

Estos tres escritores son, Thilo Reffert, proveniente de Alemania, quien presentará seis de sus textos; Thomas Köck de Austria y, Darja Stocker oriunda de Suiza. Éstos dos últimos además se escenificar algunas de sus obras, ofrecerán talleres y charlas en torno a las dramaturgias, teniendo como colaboradora a la prestigiada escritora teatral mexicana, la Señora Ingmar Bergman quien ofrecerá una cátedra moderada por el director artístico, también mexicano, David Gaitán.

De esta manera tano la Secretaría de Cultura, como el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), a través del Goethe Institute Mexiko sumarán esfuerzos para hacer posible la “Sexta Edición” que en este año presentaran las embajadas de Alemania, Austria y Suiza en nuestro país, como un evento cultural.

El proyecto se ha ido realizando bianualmente, con la finalidad de dar a conocer a algunos de los actuales creativos teatrales europeos, trayéndolos para tal efecto a tres importantes dramaturgos de manera personal, a los escenarios e instituciones mexicanas con la finalidad de interpretar algunas de sus obras.

Todo ello esta planeado para dar inicio el próximo día 5 de junio 2018 con entradas de manera gratuita, para todos aquellos que deseen asistir, concluyendo el evento cinco días después, es decir, el día10 de junio 2018.

Thomas Köch junto con la compañía “Bola de Carne, se presentará en el Teatro el Granero, Xavier Rojas del 5 al 9 de junio. Darja Stocker con el Colectivo Macramé, ofrecerán funciones del 6 al 10 de junio en el mismo foro del teatro El Granero, Xavier Rojas y del 8 al 10 de junio se presentará también con el Colectivo Escénico Arce.

Finalmente Thilo Reffert presentará junto con la Compañía Circonciente en el Teatro El Galeón, los días 9 y 10 de junio,  dos de sus obras. Las temáticas a tratar son diversas, siendo algunas dirigidas al público infantil, más no así los talleres, los cuales han sido planeados para aquellos adultos interesados en el apasionante mundo de la dramaturgia contemporánea.

(www.teatro.inba.gob.mx) (@inbateatro en Instagram)(@TeatroINBA en Twitter)

NO TAN KOSHER.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Bajo la dirección artística de Angélica Rogel, la obra teatral NO TAN KOSHER cerró el pasado día jueves 17 de mayo su temporada en el Foro Shakespeare.  La puesta en escena consistió en un compendio de varios teatros breves, es decir en la presentación de 4 historias que presentan algunas costumbres que siguen manteniendo la comunidad hebrea en México.

Como es de todos bien sabido, los judíos en diáspora han intentado mantener tanto su idiosincrasia, como su religión y sus costumbres al margen del resto de las comunidades entre las cuales, se encuentran inmersos. Y es precisamente de algunas de estas normas socio-culturales, que trata la temática de la obra. Sólo que vistas desde una manera un poco chuscas o exageradas, rasgos que vistos de esa manera, arrancan la carcajada de algunos de los espectadores, quienes disfrutaron de NO TAN KOSHER durante las dos horas de tiempo escénico.

En los años 2015 y 2016 la misma productora y el mismo equipo técnico de la Fundación Teatral Davar ya habían presentado la obra teatral SUCEDIÓ EN POLANCO en el mismo Foro Shakespeare. La dramaturgia estaba escrita bajo la misma tónica,  es decir, el presentar varias historietas que hacían gala o ventilaban algunos de los rasgos culturales judaicos, bajo textos sencillos que se maquillaron con un toque de risibilidad, al igual que NO TAN KOSHER.

De hecho, ayer, durante la revelación de la placa a cargo del Señor Alberto Lomitz, el directivo del Instituto Nacional de Bellas Artes NBA-teatro, y del Señor Enrique Singer, quien es el director de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), se hizo referencia a las dos temporadas en que incursionó la obra teatral SUCEDIÓ EN POLANCO. De tal modo qué de alguna manera NO TAN KOSHER podríamos considerarla prácticamente como una continuidad, en cuanto a género y temática se refiere.

La obra teatral NO TAN KOSHER esta compuesta por la dramaturgia de Jacobo Leve intitulada “Ojo por ojo”, así como la presentación de “¿Gay o Goy?, original de Sharon Kleinberg, “Una parte de mi”, escrita por Hugo Yoffe y finalmente, “El mensaje” de José Appo.

Las cuatro se encuentran bien escritas y bien estructuradas, reflejando el pensamiento judío como ya antes mencionamos, sin embargo, cada una de ellas presentan una temática diferente, siendo la primera en torno al sentimiento de la envidia, ésta vista como una constante que puede alcanzar y modificar la vida de terceras personas; la segunda penetra al mundo oculto de los sueños interpretados mediante el psicoanálisis; la tercera pone en evidencia la rivalidad que en algunas ocasiones se gesta entre hermanos por los celos y recelos entre éstos; finalmente la cuarta dramaturgia hace manifiesto el sentimiento del posible contacto del ser humano y lo divino mediante sueños y señales.

Todas ésta 4 breves puestas en escena son manifiestas bajo la constante hebrea del significante de NO TAN KOSHER, y Usted seguramente se preguntará, pero ¿a qué se refiere? Al respecto el programa de mano, así como el inicio introductorio a la obra mencionan literalmente:

-“ El termino KOSHER de acuerdo con la ley judía se usa para denominar a aquellos alimentos aptos para su consumo ya que se ajustan a las leyes derivadas principalmente del Levítico y Deutoronomio. Coloquialmente ese término también puede ser utilizado para referirse a acciones y actividades consideradas como apropiadas –KOSHER-o, en su caso, no tan apropiadas –NO TAN KOSHER-

En el reparto actuaron Diana Bovio, Verónica Bravo, Mario Alberto Monroy y Fernando Memije y todos ellos fueron ovacionados con largos aplausos.

ÁNGELES EN AMÁRICA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

ÁNGELES EN AMÉRICA, la obra teatral del estadounidense Tony Kushner galardonada con el premio Pullizer. Por primera ocasión es estrenada en el foro Juan Ruiz De Alarcón en el Centro Cultural UNAM, bajo la dirección escénica de Martín Acosta.

En ella aparece el excelente reparto estelar conformado por Laura Almeda, Diego, Fernando Álvarez Rebeil, Fabián Corres, Mario Eduardo de León, Tanya Gómez Andrade, Diana Sedano y Nacho Tahhan.

ÁNGELES EN AÉRICA fue escrita y publicada en 1990. Un año más tarde en 1991 se estrenó como dramaturgia teatral causando gran polémica al tratar el tema gay, y  sobre todo por su manera de expresar las situaciones políticas que realmente se vivían en la década de los 90’s. Aún cuando el escritor escribía utilizando supuestamente personajes de ficción, hacía aparecer dentro del mundo de la política situaciones muy comunes, homosexuales y, por consecuencias propias de la época, la aparición del Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida o enfermedad del SIDA, como consecuencia de la práctica meramente homosexual.

ÁNGELES EN AMÉRICA Fue merecedora al premio Pullizer en 1992 y reescrita poco después por su escritor con la aparición de la segunda parte.; parte que por cierto, también pretende presentar la Compañía Nacional de Teatro UNAM en el mismo teatro Juan Ruiz de Alarcón.

La trama plantea varias historias paralelas que finalmente se van entrelazando para dar coherencia al desenlace de la obra. Ésta se encuentra puesta en escena en tres tiempos escénicos, en donde se enmarca la llegada de la oleada judía en América, bajo el diálogo breve de un rabino.

Con él se da paso al personaje de un político importante e influyente en la Unión Americana, personaje cual fue comparado en la vida real con políticos estadounidenses como lo fueron MacCarty, Nixon o Reagan.

Por otro lado también se toca un poco el tema del antisemitismo, la miseria del alma y las falsas posturas y moralismos sociales. Temas de los cuales hoy en día se puede hablar sin tanto tapujo, pero que todavía a finales del siglo pasado eran tratados con mayor disimulo o discreción.

Es por ello que David Olguín expresa a colación, de ello en el programa de mano, al comentar acerca de la parte temática medular de ÁNGELES EN AMÉRICA:

-“En esta mezcla explosiva de política bretchiana y moralismo a la Melville, disparates y furia satírica, ingenio y misticismo, terror y poesía, Roy Cohn es el hilo conductor que une las apasionantes vidas que explora Kushner porque la historia, la esfera pública, aún cuando nos declaramos apolíticos, cerca de manera radical nuestras vidas. A la luz del presente, esta “fantasía” reaparece como un retrato de la contienda política, cultural y espiritual del Estados Unidos contemporáneo.”-

ÁNGELES EN AMÉRICA es una producción que fue realizada en colaboración con CARLART Center for New Performance.

NO TAN KOSHER.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Bajo la dirección artística de Angélica Rogel, la obra teatral NO TAN KOSHER cerró el pasado día jueves 17 de mayo su temporada en el Foro Shakespeare.  La puesta en escena consistió en un compendio de varios teatros breves, es decir en la presentación de 4 historias que presentan algunas costumbres que siguen manteniendo la comunidad hebrea en México.

Como es de todos bien sabido, los judíos en diáspora han intentado mantener tanto su idiosincrasia, como su religión y sus costumbres al margen del resto de las comunidades entre las cuales, se encuentran inmersos. Y es precisamente de algunas de estas normas socio-culturales, que trata la temática de la obra. Sólo que vistas desde una manera un poco chuscas o exageradas, rasgos que vistos de esa manera, arrancan la carcajada de algunos de los espectadores, quienes disfrutaron de NO TAN KOSHER durante las dos horas de tiempo escénico.

En los años 2015 y 2016 la misma productora y el mismo equipo técnico de la Fundación Teatral Davar ya habían presentado la obra teatral SUCEDIÓ EN POLANCO en el mismo Foro Shakespeare. La dramaturgia estaba escrita bajo la misma tónica,  es decir, el presentar varias historietas que hacían gala o ventilaban algunos de los rasgos culturales judaicos, bajo textos sencillos que se maquillaron con un toque de risibilidad, al igual que NO TAN KOSHER.

De hecho, ayer, durante la revelación de la placa a cargo del Señor Alberto Lomitz, el directivo del Instituto Nacional de Bellas Artes NBA-teatro, y del Señor Enrique Singer, quien es el director de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), se hizo referencia a las dos temporadas en que incursionó la obra teatral SUCEDIÓ EN POLANCO. De tal modo qué de alguna manera NO TAN KOSHER podríamos considerarla prácticamente como una continuidad, en cuanto a género y temática se refiere.

La obra teatral NO TAN KOSHER esta compuesta por la dramaturgia de Jacobo Leve intitulada “Ojo por ojo”, así como la presentación de “¿Gay o Goy?, original de Sharon Kleinberg, “Una parte de mi”, escrita por Hugo Yoffe y finalmente, “El mensaje” de José Appo.

Las cuatro se encuentran bien escritas y bien estructuradas, reflejando el pensamiento judío como ya antes mencionamos, sin embargo, cada una de ellas presentan una temática diferente, siendo la primera en torno al sentimiento de la envidia, ésta vista como una constante que puede alcanzar y modificar la vida de terceras personas; la segunda penetra al mundo oculto de los sueños interpretados mediante el psicoanálisis; la tercera pone en evidencia la rivalidad que en algunas ocasiones se gesta entre hermanos por los celos y recelos entre éstos; finalmente la cuarta dramaturgia hace manifiesto el sentimiento del posible contacto del ser humano y lo divino mediante sueños y señales.

Todas ésta 4 breves puestas en escena son manifiestas bajo la constante hebrea del significante de NO TAN KOSHER, y Usted seguramente se preguntará, pero ¿a qué se refiere? Al respecto el programa de mano, así como el inicio introductorio a la obra mencionan literalmente:

-“ El termino KOSHER de acuerdo con la ley judía se usa para denominar a aquellos alimentos aptos para su consumo ya que se ajustan a las leyes derivadas principalmente del Levítico y Deutoronomio. Coloquialmente ese término también puede ser utilizado para referirse a acciones y actividades consideradas como apropiadas –KOSHER-o, en su caso, no tan apropiadas –NO TAN KOSHER-

En el reparto actuaron Diana Bovio, Verónica Bravo, Mario Alberto Monroy y Fernando Memije y todos ellos fueron ovacionados con largos aplausos.

YO SOY EL REY DEL MAMBO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Bajo la Coordinación de la Compañía mexicana “Conjuro Teatro”, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes, con el apoyo del Consejo Provincial de las Artes Escénicas de la Habana, Cuba, regresa la obra original del dramaturgo e investigador cubano, Ulises Rodríguez Febles.

Dicho escritor, en base a su libro “¡Mambo que rico é él!” narra la vida de su legendario compatriota Dámaso Pérez Prado, como homenaje a haber ya cumplido el año pasado, 100 años luctuosos.

De ahí, el texto traspasó fronteras para convertirse en la dramaturgia o puesta en escena que se presentará del 9 al 13 de mayo en el Teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque.

YO SOY EL REY DEL MAMBO es como se intitula ahora la obra teatral, haciendo referencia por supuesto, al apelativo con el cual se le conoce al creador del ritmo del “Mambo”, al Señor Dámaso Pérez Prado, cuya fecha de nacimiento y reconocimiento como creador de dicho género musical, en algunas ocasiones sea puesto en duda, quitándole el crédito.

Empero a ello, en el mayor de los casos se advierte qué el músico Dámaso Pérez Prado fue el creador del Mambo y, que nació el día 11 de diciembre de 1917 en la ciudad de Matanzas, Cuba, y que falleció en nuestra Ciudad de México (entonces D.F.)un día 14 de septiembre de 1989.

YO SOY EL REY DEL MAMBO es considerado por su propio autor Ulises Rodríguez Febles, como un espectáculo multidisciplinarlo al que denomina “mambo-drama”, por lo que precisa del apoyo tanto coreográfico, como musical y teatral para ser escenificado.

La dramaturgia ventila varios de los momentos trascendentales en la vida del gran creador del ritmo del “Mambo”, el cual impactó en su momento, no a solo en su país, sino además a un gran conglomerado de aficionados cruzando fronteras para imponerse en América Latina, en los Estados Unidos y parte de los países Europeos.

YO SOY EL REY DEL MAMBO además de ubicarse dentro del género teatral de tipo bibliográfico, constituye un espectáculo musical en el que se toca en vivo composiciones original de Dámaso Pérez Prado, como lo son sus Mambos número 5 y 8, interpretados por una orquesta venida de Cuba, y el trabajo coreográfico de Luis Villanueva, la creación audiovisual y la iluminación a cargo de Alain Kerrioú y el diseño de maquillaje y peinados a la usanza de la época de Dámaso Pérez Prado, por parte de Alí Lecona.

La dirección artística se encuentra a cargo de la Mexicana Dana Stella Aguilar, quien presenta al actor Gerardo Trejoluna en el rol protagónico del Rey del Mambo, quien pese a no parecerse físicamente a Dámaso Pérez Prado, logra caracterizarlo perfectamente a base de maquillaje y, sobre todo, metiéndose en la caracterización del personaje, mediante modulaciones faciales, corporales y de la voz, así como en la manera peculiar de vestirse y peinarse que le hizo único en el escenario al maestro Pérez Prado. Junto con Trejoluna actuarán Héctor Hugo Peña, Ernesto Álvarez, Fabián Perzabal, Luz Marina Acros, Julio Olivares y Omar Codines.

YO SOY EL REY DEL MAMBO es una producción teatral de México-Cuba .

POR JODIDOS Y HOCICONES MATARON A LOS ACTORES.

POR : Dalia María Teresa De León Adams.

 

Dramaturgia y dirección de César Enríquez bajo la musicalización de Eduardo Puebla, POR JODIDOS Y HOCICONES MATARON A LOS ACTORES es una puesta en escena al estilo cabaret, en donde el público bien puede intervenir, a la vez de dar vida ocasional como una parte del escenario. En ella se muestran a tres humildes muertos que deambulan por la tierra sin saber ¿quienes son? ni quienes fueron?

La farsa es el género que les da vida a esas tres almas vagabundas qué tras los albores del siglo XIX, van narrando la historia con sus dientes. De ese modo las tres cuentan y ventilan pormenores de nuestro pasado Porfirista mexicano entremezclado con la ficción.

Los tres muertos, ante la falta de un nombre que les devele su identidad, optan por llamarse “El Compa”, “Compiadre” y “Este Güey”, aludiendo al tercero, el cual utiliza como forma de memoria su guitarra. Ellos habiendo sido en realidad tres “valientes” cómicos Y son asesinados. Y menciono aquello de “valientes” por haberse ganado el sustento y hasta la muerte, a base de contar historias vergonzosas, como las clasificara en aquel entonces, la sociedad al enterarse de algunos sucesos reales.

De ese modo son narrados pasajes históricos verídicos como por ejemplo, el caso que en la época Porfirista causó gran escándalo, tras de haber sido descubiertos “41 caballeros” con ropajes de mujer, bailando de parejas unos con otros y, al parecer, sodomizándose algunos de ellos, en un centro nocturno a puertas cerradas.

El escándalo realmente se suscitó al descubrir que eran supuestos finos jóvenes de alcurnia, entre los cuales se encontraban políticos y clérigos, junto con el Sr. De la Torre, nada más y nada menos que el yerno del mismo Don Porfirio Díaz. Y de ese estilo se cuentan algunas más.

Los actores se presentan ataviados con trajes coloridos a la usanza casi de Clowns,  recurriendo a un lenguaje igualmente colorido en tanto que utilizan palabras constantemente altisonantes, pero cargadas de gracia y picardía que le infieren un doble sentido a sus frases, las cuales por cierto, arrancaban risotadas de varios de los espectadores, por la manera tanto insolente pero chuscas de narrar los acontecimientos.

 

Como podrá observar la obra por su contenido es interesante pero, en realidad, el mensaje subliminal se intenta dar al público más allá del divertimento, es  decir que los actores tienen como consigna el intentar concientizar la parte humana del espectador, para que NO se continúe permitiendo que sucedan más atropellos sobre la dignidad e integridad de NINGUNA PERSONA.

POR JODIDOS Y HOCICONES MATARON A LOS ACTORES se presenta los días miércoles a las 20:30 horas en el teatro del Centro Cultural Helénico. Espectáculo de César Enríquez Cabaret y Mariano Ducombs.

35 AÑOS TATUAS.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Si Usted desea saber algo acerca de la Compañía TATUAS, le contaremos qué como homenaje por haber cumplido 35 años de haberse consolido por su fundador, el Señor Óscar Liera en el año de 1982, se efectuó una celebración a través del Instituto Nacional de Bellas Artes el día de ayer jueves 26 de abril,.

Dicho evento se llevó a cabo en las instalaciones del foro El Galeón, del Centro Cultural del Bosque, lugar en donde inclusive se develó por tal motivo una placa, estando presente el directivo del Instituto, quien hizo de nuestro conocimiento que dicha empresa lleva presentando 4000 puestas en escena en territorio nacional y 75 en el extranjero.

En dicho proyecto se propuso poner en escena dos obras, las cuales forman parte del repertorio icónico del Taller de Teatro de la Universidad Autónoma de Sinaloa y, que son,“El Estanque”, dramaturgia original de Roberto Corella bajo la dirección artística de Rodolfo Arriaga (jueves 26 y viernes 27) y “Ciudad de tres espejos” escrita y dirigida por Saúl Enríquez la cual tendrá cabida en el mismo espacio el sábado 28 y el domingo.

El TATUAS además ha servido de centro de creación, difusión, promoción y formación dentro del quehacer artístico teatral en nuestro país y, más concretamente en el Estado de Sinaloa, en donde se encuentra la sede.

Y como le mencionamos, la obra teatral presentada fue nada menos que una de dichas creaciones del TATUAS. De modo qué “El Estanque” cumplió su cometido. Con características de obra costumbrista, por el manejo de elementos culturales que se muestran durante la trama, (montada en un solo acto) nos introduce en el mundo rural, en donde una mujer de edad madura se da a la tarea de intentar localizar a su hijo, introduciéndose para ello, en un mundo totalmente hostil.

En dicho montaje actúan Marcela Beltrán, Andrés Vizar, Zeira Montes, Marichú Romero, Emma Sánchez, Martín Peralta, Eduardo Arriaga, Luis Ángel Velazco, Enrique Rivera, Aurelio Osunajau y Genaro Sahagún.

La mayoría de ellos participarán también junto con Enrique Rivera en “La Ciudad de los Tres Espejos”. En dicha obra, la temática a tratar es en referencia a algunas situaciones adversas suscitadas en la Ciudad de Culiacán, lo cual la coloca finalmente en una obra de denuncia social.

Ambas obras retoman problemáticas que aún hoy en día se pueden observar, desgraciadamente en nuestro país, sin causar mucha extrañeza, pero que tal vez se deban recordar, para poder finalmente algún día evitarlas.

Todo esto que le mencionamos es posible gracias a la producción de La Secretaría de Cultura y el INBA.

EL MALENTENDIDO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams-

 

Obra trágica del escritor argelino-francés Albert Camus (Le Malentendu) que se estrenara hacia mediados del siglo pasado, concretamente en el año de 1944, la cual fue presentada en tres actos escénicos. La tónica a seguir de Camus en EL MALENTENDIDO la podríamos resumir más o menos de la siguiente manera:

- En un mundo desprovisto de fe y de moral, Dios ha cerrado sus oídos a los lamentos, en un mundo vacío y frío en donde los humanos deciden sus destinos, tomando las vidas de otros por asalto-

Estas palabras son un apróximamiento de la opinión crítica en general de EL MAL ENTENDIDO, obra considerada como tragedia clásica en su género. Albert Camus (1913-!96) continuaría con el mismo formulismo al cual recurriese en sus obras llenas finalmente de desolación, obras como “The Possessed”, “Calígula” “Los justos” o “Estado  de Sitio”.

EL MALENTENDIDO por estos y otros motivos más, es nuevamente recreada bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro, compañía la cual vuelve apostar con la puesta en escena de Albert Camus, por su riqueza en cuanto a género trágico del siglo XX.

Los elementos dramáticos salen a flor de piel en cada uno de los personajes interpretados por parte del reparto fijo estelar, con el que cuenta la CNT, siendo en ésta ocasión Ana Ofelia Murguía, Laura Padilla, Rodrigo Vázquez, Erika de la Llave y Andrés Weiss quienes la representan nuevamente. Ellos actuando como siempre, con gran talento histriónico.

De ese modo cobran vida los personajes de EL MALENTENDIDO en donde un hombre felizmente casado, exitoso y rico, decide regresar a su lugar de origen con ansias de recuperar a su madre y a su hermana, a quienes veinte años atrás dejase solas. Dichas mujeres viven en un blanco, pulcro y frío hostal, en donde alojan a personas entre las cuales, deciden ocasionalmente asesinar para apoderarse de sus bienes materiales.

De ese modo surgen cinco personajes en escena, Jan el hombre que regresa a la región de Baviera, lugar que el escritor utiliza como referente, junto con su mujer llamada María. Ambos dan fácilmente con La Madre y su hermana María con pretensiones de que sean ellas quien lo reconozcan al verle y hablar con él; Ellas son dos mujeres que apoyadas por un Viejo sirviente, viven deseando escapar de sus destinos envueltos en hastío y soledad.

La obra se presenta en el foro del teatro Orientación, en el Centro Cultural de Bosque, con un tiempo aproximado de 100 minutos, en un solo cuadro y un solo tiempo escénico que enmarca perfectamente los pormenores de ésta trama cruenta, la cual por cierto le diremos,  en la primera ocasión de ser representada en un teatro de Paris, causó gran impacto en Francia.

35 AÑOS TATUAS.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.

 

Si Usted desea saber algo acerca de la Compañía TATUAS, le contaremos qué como homenaje por haber cumplido 35 años de haberse consolido por su fundador, el Señor Óscar Liera en el año de 1982, se efectuó una celebración a través del Instituto Nacional de Bellas Artes el día de ayer jueves 26 de abril,.

Dicho evento se llevó a cabo en las instalaciones del foro El Galeón, del Centro Cultural del Bosque, lugar en donde inclusive se develó por tal motivo una placa, estando presente el directivo del Instituto, quien hizo de nuestro conocimiento que dicha empresa lleva presentando 4000 puestas en escena en territorio nacional y 75 en el extranjero.

En dicho proyecto se propuso poner en escena dos obras, las cuales forman parte del repertorio icónico del Taller de Teatro de la Universidad Autónoma de Sinaloa y, que son,“El Estanque”, dramaturgia original de Roberto Corella bajo la dirección artística de Rodolfo Arriaga (jueves 26 y viernes 27) y “Ciudad de tres espejos” escrita y dirigida por Saúl Enríquez la cual tendrá cabida en el mismo espacio el sábado 28 y el domingo.

El TATUAS además ha servido de centro de creación, difusión, promoción y formación dentro del quehacer artístico teatral en nuestro país y, más concretamente en el Estado de Sinaloa, en donde se encuentra la sede.

Y como le mencionamos, la obra teatral presentada fue nada menos que una de dichas creaciones del TATUAS. De modo qué “El Estanque” cumplió su cometido. Con características de obra costumbrista, por el manejo de elementos culturales que se muestran durante la trama, (montada en un solo acto) nos introduce en el mundo rural, en donde una mujer de edad madura se da a la tarea de intentar localizar a su hijo, introduciéndose para ello, en un mundo totalmente hostil.

En dicho montaje actúan Marcela Beltrán, Andrés Vizar, Zeira Montes, Marichú Romero, Emma Sánchez, Martín Peralta, Eduardo Arriaga, Luis Ángel Velazco, Enrique Rivera, Aurelio Osunajau y Genaro Sahagún.

La mayoría de ellos participarán también junto con Enrique Rivera en “La Ciudad de los Tres Espejos”. En dicha obra, la temática a tratar es en referencia a algunas situaciones adversas suscitadas en la Ciudad de Culiacán, lo cual la coloca finalmente en una obra de denuncia social.

Ambas obras retoman problemáticas que aún hoy en día se pueden observar, desgraciadamente en nuestro país, sin causar mucha extrañeza, pero que tal vez se deban recordar, para poder finalmente algún día evitarlas.

Todo esto que le mencionamos es posible gracias a la producción de La Secretaría de Cultura y el INBA.

 

HEROÍNAS TRANSGRESORAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El monólogo operístico HEROÍNAS TRANSGRESORAS tras de cubrir 50 representaciones, fue homenajeada el día de ayer miércoles 28 de febrero, con la revelación de una placa a cargo de Horacio Franco y Pilar Boliver.

HEROÍNAS TRANSGRESORAS es una obre compuesta por piezas operísticas presentadas e interpretadas por su escritora Luz Angélica Uribe, quien presenta 7 hermosas Arias. Son cantos que hablan de “La Locura Femenina” vista desde una perspectiva social machista, tanto por hombres como por mujeres que repudian a mujeres que se atreven a salirse de la línea metafóricamente marcada por la sociedad, como aceptable.

HEROÍNAS TRANSGRESORAS es un monólogo musical cuya creadora  funge como cantante y actriz estelarizando el personaje de Cunegonda; ello matizado bajo una literatura romántica, cuyo final siempre suele ser fatídico. El personaje es una diva enamorada de su marido quien le es totalmente infiel y, con quien comparte su vida artística pues a la vez es su maestro de canto.

El marido es representado por un maniquí el cual permanece durante toda la puesta en escena. Ésta obra operística es un monólogo muy bien estructurado, en cuanto a que no precisa de otros actores con los cuales compartir créditos, pues esta escrita de tal manera que Cunegonda logra expresar sus sentimientos y acontecimientos con ésta trama divertida.

HEROÍNAS TRANSGRESORAS comprende siete arias operísticas, interpretadas como ya dijimos con la magnífica voz de la cantante soprano Luz Angélica Uribe, la cual es acompañada de la interpretación al piano de Mario Alberto Hernández, quien sin embargo no aparece en escena en ningún momento.

La obra es un drama, escrito a manera de humorismo negro, de tal modo qué pese a lo cruento de su final HEROÍNAS TRANSGRESORAS termina dejando un buen sabor de boca al espectador que ríe con la gracia que la actriz logra otorgarle a su personaje.

Ésta puesta en escena nos sumerge en la literatura romántica, género en el cual se ubica por el tratamiento de  su historia, en cuanto al fatalismo en que incurre el personaje protagónico quien no logar escaparse de su destino. Por otro lado también, debido al  rol asumido como ente femenino quien debe sufrir su castigo en la adversidad.

Cunegonda es un espíritu que revive momentos que le llevase el convertirse en una estrella operística. Su voz le permite amasar grandes éxitos en escena; empero a su fama, sufre el desasosiego que le causa la promiscuidad en que se desenvuelve afanosamente su marido, a quien decide asesinar.

La locura y el suicido son elementos repetitivos y justificados dentro del género romántico y mucho más frecuentes en los personajes femeninos en Pro de libertad, de atreverse a ser ellas mismas o, al intentar un cambio radical dentro de la sociedad machista predominante en los siglos pasados.

HEROÍNAS TRANSGRESORAS se presenta en el teatro Sergio Magaña hasta el día 23 de marzo.

INJUSTICIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Si Usted busca en la página Web, dedicada a la reciente obra teatral INJUSTICIA, ésta se inicia argumentando:

-“INJUSTICIA es la falta o ausencia de justicia, ya sea en referencia a un suceso, acto o situación de hecho (statu quo). Puede estar referida a un sujeto o a un grupo social. La INJUSTICIA -y por extensión la justicia- puedes ser considerada de distinta forma según los sistemas jurídicos vigentes en los distintos países.

Usted tal vez se pregunte del ¿porqué mostrar la anterior cita textual? A lo cual le responderemos que es debido a ser la temática medular de la trama, de la obra teatral original del dramaturgo y director Edén Coronado llamada INJUSTICIA.

INJUSTICIA ¿para quien? Y justicia ¿para quien? La respuesta se encuentra en torno a la persona que la padece o la goza. Es por ello que tal incógnita surge a colación dentro de los diálogos que expresan los distintos personajes en  la obra teatral INJUSTICIA.

Y para poder ser más clara en mi referencia, debo recurrir un poco a la sinopsis de parte de la trama teatral de INJUSTICIA. Ésta comienza con la presentación en el escenario de un supuesto grupo de jóvenes guerrilleros. Por ello, la compañía expresa respecto a la sinopsis

-“ Un atentado contra un personaje de la oligarquía en el poder se verá aniquilado gracias a los conflictos internos de una célula de guerrilleros.”-     

En base a esto, se verán en la postura de resolver la situación, pretendiendo para ello detonar una bomba fabricada por la única mujer integrante del grupo accionista. Con ello creen que salvarán la vida de muchas personas que comulgan con ellos, en cuanto a pertenecer al mismo grupo social, al cual protegen. Sin embargo, justo en el momento en el cual se planea hacer accionar la bomba, surge un imprevisto que cambiará el objetivo de la mayoría de los integrantes.

Por ende se da un conflicto entre los guerrilleros al cuestionarse si fue correcto o fue un error el hecho de que la persona encargada del explosivo, se negase a cumplir al final con su misión.

Los personajes actúan en un espacio poco iluminado, con paredes negras y una puerta en donde el único mobiliario es un viejo escritorio con una silla y una antigua máquina de escribir. Todo ello sirven de escenografía para desarrollar  y ambientar la historia con ciertos matices bélicos.

En la obra actúan Diana Fidelia, Ricardo Moreno, Jorge León, Jesús Corona, Antonio Orta y Lizandro Cisneros, en un sólo acto, con sólo cuadro escenográfico que acabamos de describirle.

INJUSTICIA es una de las producciones a cargo de la Compañía Nacional de Teatro que se presenta en el teatro Orientación los días miércoles a las 20:00 horas.  

 

100 AÑOS DE VANGUARDIA ARTÍSTICA.

El Teatro de la Ciudad

POR: Dalia María Teresa De León Adams.



Una joya arquitectónica con bellas decoraciones al estilo neoclásico esta por cumplir 100 años de albergar a grandes baluartes artísticos en la Ciudad de México. Me refiero con ello, al hermoso Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”, ubicado en el centro de nuestra ciudad, en la calle de Donceles.

Su construcción estuvo a cargo de los arquitectos Ignacio Capetillo y Federico Mariscal, quienes iniciaron la obra el día 3 de mayo de 1917, pese a los conflictos bélicos en los cuales aún estaba inmerso nuestro país.

El recinto fue el legado de la actriz de teatro, vedette y cantante mexicana Esperanza Iris, motivo por el cual, el teatro se honró en llevar su nombre dándose a conocer como “ El Teatro de la Ciudad, “Esperanza Iris”.

Esperanza Iris nació en el año de 1888 en Villahermosa y murió en el Distrito Federal en 1962. Su verdadero nombre fue María Esperanza Bofill Ferrer, pero ante la negativa de sus familiares de llevar el apellido ya siendo actriz, utilizó el del que fuese su padrino, el Señor Iris.

Por su talento Esperanza Iris fue considerada la reina de la opereta en México, siendo contemporánea de otras grandes artistas como lo eran María Conesa y Mimí Derba.

En mayo de 1918, en presencia del entonces presidente Venustiano Carranza, se dio apertura del tan majestuoso recinto y, hoy día, 28 de febrero se dio cita a grandes personalidades del medio para ovacionar la ocasión, además de dar a conocer la programación planeada para el presente año 2018.

El Teatro de la Ciudad de México Esperanza Iris se destacar por su belleza arquitectónica. Le diremos qué dicho edificio, fue inspiró en templos griegos y romanos en cuanto a la construcción de sus monumentales columnas y balaustradas.

El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris ha abrigado en su escenario a grandes figuras de talla tanto nacional como internacional, comprendiendo diversos géneros artísticos que van desde la presentación de músicos, cantantes, como bailarines de ballet, folkor y danza, así como la presencia de compañías teatrales, clowns, etc.

Actualmente El Teatro de la Ciudad de México forma parte del patrimonio de la Nación, como lo estipulara la UNESCO a partir del año de 1987.

 

DESAZÓN

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Tres historias, tres caminos distintos por recorrer. El infortunio es el único lazo en común entre tres mujeres vulnerables, que cuentan los pormenores de sus desafortunios. María Müller, Amanda Campos y Consuelo Armenta son caracterizadas por tres magníficas actrices en la puesta en escena en DeSazón.  

DESAZÓN es una dramaturgia comprometida, del fallecido baluarte de la dramaturgia Mexicana Víctor Hugo Rascón Banda, que bajo la dirección escénica de José Caballero y el montaje de Alejandro Luna se presenta actualmente en el foro del Teatro Orientación, del Centro Cultural del Bosque.

DESAZÓN nos adentra a la psiquis de tres mujeres marginales, pertenecientes a diversos grupos étnicos minoritarios en nuestro país. Una mujer menonita es caracterizada por la actriz Julieta Egurrola,  en el rol de una Señora de la Sierra de Chihuahua se cuenta con la actuación de Angelina Peláez y finalmente, una fugitiva tarahumara es recreada bajo la estelarización de Luisa Huerta.

Cada una de ellas protagonizan un monólogo con gran estética actoral, gracias a los movimientos corporales y faciales que realzan sus actuaciones, así como a las modulaciones y entonaciones de sus voces qué como recursos escénicos, utilizan las actrices para advertir al público los diferentes estados emocionales tanto felices, como padecidos por cada una de las tres mujeres.

DeSazón es una obra llena de sabores y de olores que recrean los recuerdos de cada una de éstas mujeres autóctonas, quienes esbozan un deje del marco socio-cultural al cual pertenecen.  El DeSazón de su pasado perdido, es narrado entre los recuerdos evocados por el sazón de platillos, contando las recetas con una mezcla de ingredientes y de DeSazón.

Su autor, el Doctor en Derecho Víctor Hugo Rascón Banda nació en 1948 en Uruáchic, Chihuahua, lo cual le dio por la cercanía, la posibilidad de recrear su obra DESAZÓN en las tierras vecinas de las mujeres que recreó en su obra. Fue reconocido por su labor como creador de obras didácticas, como es el caso de DESAZÓN pues ilustra con su pluma, sobre la realidad de algunas de las mujeres marginales en nuestro país.

Por otro lado le contaremos qué la dramaturgia del mexicano Víctor Hugo Rascón Banda DESAZÓN ha sido presentada por la Compañía Nacional de Teatro, durante 5 largos años de representaciones lo cual se dice fácil pero es una labor titánica colocarse en la preferencia del público, por tan largo tiempo.

Por ello y por cumplirse el décimo aniversario luctuoso de su escritor Víctor Hugo Rascón Banda ( 31 de julio del 2008) tanto la CNT, como el Instituto Nacional de Bellas Artes por tan importante ocasión decidieron homenajear la puesta en escena, así como a su autor, este domingo 18 de febrero, debelando una placa. Para tal efecto estuvieron presentes muchas personas importantes del gremio para la ovación.

 

DEBIERA HABER OBISPAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El pasado viernes 16 de febrero se dio inicio de temporada a la obra teatral DEBIERA HABER OBISPAS original de Rafael solana. La primera actriz Susana Alexander representa el rol protagónico de esta divertida comedia considerada como un clásico de la literatura mexicana.

Escrita por el poeta y dramaturgo Rafael Solana Salcedo en el año de 1953 con diálogos inteligentes y bien estructurados, muestra el lado oscuro de una pequeña ciudad de provincia.

Rafael Solana fue el autor de poemas y obras teatrales pertenecientes al género dramático narrativo. Fue considerado un escritor muy representativo dentro de la corriente modernista y surrealista del siglo XX. Nació en Veracruz en el año de 1915 y murió en la Ciudad de México en 1992.

Sin embargo la obra teatral DEBIERA HABER OBISPAS, por su tratamiento temático incursiona en la comedia costumbrista, mostrando el lado moralista y la hipocresía social de un pueblo, en donde la religión aún tiene gran peso dentro de la conducta de los feligreses.     

Como mencionamos a-priori, la Señora Susana Alexander actúa caracterizando al personaje protagónico de Matea, una ama de llaves sencilla y humilde mujer solterona quien tras de haber trabajado durante muchos años al servicio de un viejo párroco, el cual fallece, vivirá un cambio radical tanto económico como social en su vida, que le hará empoderar se ante el pueblo el cual anteriormente, le tratasen con desprecio y constantes humillaciones.

Esta puesta en escena empero a todo, resulta muy divertida. Su escritor desenmascara las desavenencias del poder y el convencionalismo, dándole un toque risorio a la crítica política y social.

Es la obra más representativa del repertorio de Rafael Solana, hecho que le ha permitido ser llevada e interpretada en escenarios tanto mexicanos como en el extranjeros, además de ser galardonada.

Por primera ocasión DEBIERA HABER OBISPAS se estrenó en el año de 1954, teniendo la actuación protagónica de la destacada actriz María Teresa Montoya. Posteriormente la estelarizarían otras grandes actrices de la talla de Gloria Marín, Ofelia Gilmain, Carmen Montejo, Silvia Pinal, Anita Blanch y Marilú Elizaga.

DEBIERA HABER OBISPAS esta dirigida por la misma actriz Susana Alexander, quien se acompaña con Roberto D’Amico, Cecilia Romo Julio César Luna, Pilar Flores del Valle, Caribe Álvarez, Julio César Luna y Enrique Bécker. Todos ellos bajo la producción Alfred y Didier Alexander-Katz.

DEBIERA HABER OBISPAS se presenta en el Teatro Rafael Solana en Coyoacán de viernes a domingos.

DON QUIJOTE Y EL TITIRITERO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

* Aplicación gratuita para su móvil

 

La Capilla Gótica del Centro Cultural Helénico, ayer viernes 16 y hoy sábado 17 de febrero, se vistió de gala con la presentación de la puesta DON QUIJOTE Y EL TITIRITERO. Tal vez Usted se pregunte acerca de dicho evento.

Pues bien, le contaremos que DON QUIJOTE Y EL TITIRITERO como su propio título lo expone, es un espectáculo en donde se da cabida a contar la historia de uno de los fragmentos del afamado “ El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha”; para ser exactos, del capítulo XXVI, en su segunda parte.

Escrita como es de todos bien sabido por el poeta, novelista y dramaturgo Don Miguel de Servantes Saavedra (quien dicho sea de paso, naciera en Alcalá de Hanares en 1543 en el año y, fuese considerado como el máximo exponente del siglo de Oro Español) “El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha” es una de las obras más escenificadas en gran parte del mundo entero, haciendo alarde de la valiosa pluma de su escritor español, nacido en , España.

Ésta obra a la vez ha servido de inspiración a muchos otros talentosos, como fue el caso de Manuel de Falla, quien escribiera inspirado en “Las andanzas del Hombre de la triste figura” (como es conocido también el Quijote) la obra épica-musical “El retablo de Maese Pedro”.

Dicha pieza fue compuesta a manera de concierto en Paris, para complacencia de la princesa Polignar. Tiempo más tarde sería puesta en escena por primera vez, en el año de 1923 en el foro teatral Fernando en Sevilla.

Hoy en día forma parte de la aplicación interactiva para dispositivos móviles denominada DON QUIJOTE Y EL TITIRITERO, la cual, como a-priori mencionamos, se acaba de presentar en La Capilla Gótica.

Como se podrá dar Usted cuenta, finalmente ambos escritores peninsulares dieron vida en consecuencia, a la creación del DON QUJOTE Y EL TITIRITERO. Sólo que en esta ocasión, bajo el formato de función de muñecos manipulados de manera móvil, con la voz recreada por bellos cantos operísticos y con la música en vivo ejecutada por músicos de cámara dirigidos por Benjamín Juárez y la importante colaboración de Pablo Cueto.

Se cuenta con la presencia de la soprano Marisa Canales, del tenor  José Luis Ordóñez, el barítono Héctor Vázquez y, el clavecín de Josefina Hernández López. Todos ellos acompañados por la Orquesta Sinfónica de la Universidad Panamericana y gracias al apoyo de la Secretaría de Cultura y el Centro Cultural Helénico, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Urtex Digital, UDC media y Benjamín Juárez Echenique.

Para concluir le informaremos que dicha aplicación Usted podrá aún gozarla, si la descarga en dispositivos con plataforma Android e IOS, de manera totalmente gratuita. En ella aparece en formato de guión fílmico, la reducción de la partitura, subtitulada en español y,, contiene toda la galería de imágenes.

 

LA DIVINA ILUSIÓN.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Original deL canadiense Michel Marc Bouchard (nacido en Saint Cour de Marie, en 1958) la obra teatral LA DIVINA ILUSIÓN se vuelve a presentar tras de una exitosa temporada que cubrió el año pasado en El Foro “La Capilla” en Coyoacán. Ahora, bajo la misma dirección artística de Boris Schoemann y el mismo equipo de trabajo, El Centro Cultural Helénico la acoge bajo la producción de la Secretaría de Cultura.

El director francés Boris Schoemann, traductor de la dramaturgia LA DIVINA ILUSIÓN, desde hace varios años atrás se ha dado a la tarea de presentar, dirigiendo varias de las obras de Michel Mar Bouchard, autor nominado, dicho sea de paso, por los premios Genie, Osella de Oro y Canadien Scream Award.

De hecho, el mismo Boris Schoemann invitó a Michel Marc Bouchard a la ciudad de México cuando presentó otra de sus obras, en esa ocasión era “Tom en la Granja”. Fue por ello que Boris Schoemann expresó públicamente de manera textual al respecto:

-“Cuando Michel Marc Bouchard vino a México Para develar la placa de Tom en la Granja, estaba en medio de la escritura de su nueva obra y tuve la oportunidad de escuchar las primeras escenas de LA DIVINA ILUSIÓN en voz de su autor. Desde entonces supe que se trataba de una obra maestra. Una obra que reivindica el teatro y su vigencia, en un mundo cada vez más inquietante y caduco de ideas.”-

LA DIVINA ILUSIÓN es un deleite por sus actuaciones y sobre todo por su trama interesante, atrevida y bien estructurada, así como por las presentación escénicas y, por supuesto, por la dirección de Schoemann.

La trama tiene como referente la ciudad de Quebec, en diciembre de 1905. Presenta como uno de los personajes protagónicos al de un joven de condición económica muy desahogada, quien tras de ingresar al seminario, se dedica afanosamente a estudiar respecto al arte escénico y, en específico centra su interés, así como su admiración, en la diva del momento, es decir Sarah Bernhardt, una mujer madura y egocéntrica, quien por azares del destino comienza a trabajar en un teatro local de dicha ciudad canadiense y a la cual enviará un mensaje.

Paralelamente conoce a un párroco, quien aparentemente le brinda su ayuda, así como a un compañero seminarista, el cual,  en aras de salir de la pobreza, pretende hacer votos de castidad como eclesiástico, siendo conducido por su madre y hermano menor para tal efecto, con grandes esfuerzos. El destino hará que surja un lazo casual y peculiar entre todos ellos.

La obra pertenece por su tratamiento temático, al género teatral dramático, por lo cruento de su temática. Empero a ello, el manejo de los diálogos resultan chuscos, lo cual hace que la puesta en escena sea un deleite. Por el trasfondo de la trama, LA DIVINA ILUSIÓN tiene un claro mensaje a manera de consigna, convirtiéndola en una obra de denuncia con una crítica hacia la injusticia y empoderamiento de la clase dirigente o pudiente, pero además, es una clara crítica respecto a algunos integrantes de la comunidad eclesiástica.

LA DIVINA ILUSIÓN solamente tiene planeada 9 funciones más, las cuales se efectuarán en días lunes, hasta el 16 de abril del año en curso.

TERCER CONGRES DE TEATRO

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Con el afán de convocar a la comunidad teatral e incluso, a aquellos ajenos al mundo del teatro, la Secretaría de Cultura a través del Instituto Nacional de Bellas Artes (IMBA)desde su Coordinación Nacional de Teatro, en colaboración con el Centro Cultural Helénico, convocaron el día de hoy a la prensa para dar a conocer los pormenores para efectuar el TERCER CONGRESO NACIONAL DE TEATRO.

Todo ello, bajo la tónica de tanto dar a conocer, como articular proyectos, relacionados bajo tres tópicos a seguir y, que son mediante “Leyes”, “Redes” y “Educación Colectiva”.  Debido a ello se reunieron ésta mañana 12 de febrero, en el Centro Cultural del Bosque para presentar a los representantes de la mesa directiva quienes dieron a conocer los pormenores respecto a los planes y programación en voga.

Los panelistas del Comité estuvieron formado por Ana Francis Mor, Eloy Hernández y Micaela Gramajo. Siendo parte del panel, tanto Agustín Morgan, como Bryant Caballero, quienes estuvieron ausentes por el momento, siendo, el Señor Alberto Lomnitz, quien fungió como presidente de la mesa directiva, durante la rueda de prensa.  

Comunicaron que se planea dar inicio al TERCER CONGRESO DE TEATRO a partir del día 21 hasta el 23 de mayo, teniendo como Sede del encuentro a uno de los recintos del Centro Cultural Helénico. Ello con la finalidad de conformar una plataforma que colabore con el diseño de las políticas y de las dinámicas culturales, con miras a replantear y mejorar el “Quehacer Teatral”.

El Comité comentó el cómo desde los inicios de los dos anteriores CONGRESOS DE TEATRO se desarrollaron y se trabajaron diversas líneas temáticas en base a algunos aspectos legales, económicos y políticos los cuales se enmarcaron en “La Muestra Nacional de Teatro” dentro de un contexto social, logrando que los participantes compartiesen algunos formularios de cooperación, para con ello lograr incidir en algunas de las problemáticas que afectaban y (algunas de ellas) aún continúan persistiendo a la comunidad teatral.

Respecto a las condiciones laborales el CONGRESO DE TEATRO intentará realizar algunos proyectosde mejoras y fomentará la realización de estudios de arte dramático. Además propiciará encuentros que permitan llevar hacia la reflexión dentro de la disciplina teatral, en cuanto a su contexto y distintas perspectivas, en laboratorios.

Con tales fines se propiciará un espacio mediante un Comité que coordine las jornadas a partir de las propuestas que fomenten el diálogo y el análisis conceptual dentro de la comunidad teatral, en base a una construcción  colectiva.

El TERCER CONGRESO NACIONAL DE TEATRO pondrá a disposición de todos sus planes y programas en diversas redes sociales y que son :

www.teatro.bellasartes.gob.mx

Coordinación Nacional de Teatro en Facebook

@teatroINBA en Twitter

@inbateatro en Instagram

EL VIAJE DE ALI.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Muchas veces vemos el mundo sólo desde nuestra perspectiva. Muchas veces nuestra Mirada esta determinada por la ira, la nostalgia o la prisa. Las cosas malas parecen crecer sin motivo y todo aparenta ser más grave de lo que en realidad es. Los adultos y los niños nos parecemos mucho… Se trata de ser niños felices durante toda nuestra vida. Así que antes de tirarte al piso, patear el árbol, romper un juguete o romper en llanto: respira. Sólo inhala y exhala las veces que sea necesario y sin pensar en nada más.

Porque todos tenemos un poder que nos permite cambiar el mundo. ¿Tú ya sabes cual es el tuyo?”-

Estas son las bases filosóficas o a manera de consigna en torno a las cuales gira la trama de la obra teatral infantil EL VIAJE DE ALI que expone McNu.

En muchas ocasiones las obras escritas para los pequeñitos, realmente dan verdaderas enseñanza de vida, aún cuando por su contenido sencillo con temáticas coloquiales y cotidianas, los adultos salgamos sin consciencia de lo profundo de sus consignas.

EL VIAJE DE ALI es un cuento breve en el cual el papel protagónico se encuentra a cargo de un muñeca títere manipulada por Ana Díaz Barriga, quien le da vida con su voz y con el manipuleo que precisa un muñeco. Junto a ella aparece en escena Verónica del Alba quien interactúa haciendo las veces del personaje del padre, de la madre, de la profesora, del hermanito y de una compañera de clase.

Ello usando en escena algunos artefactos como un bigote con goma, una especie de mascara y unos muñecos papirotes; además de apoyarse  con movimientos corporales y gesticulaciones; pero sobre todo con la modulación de la voz, que hace que la interpretación de cada personaje sea evidente.

En el escenario para otorgarle un toque mágico, aparece el personaje de Barush, interpretado por los actores Marcos Duarte y José Klauer. Barush es un ser imaginario, nacido del corazón de la niña llamada Ali, el personaje protagónico.

Barush aparece tras del sufrimiento que padece la pequeña al enfrentar un mundo en donde los adulto (incluyendo a sus propios padres) la censuran por “hacer todas las cosas mal”. Ali como represalia comienza a tener cada vez un peor comportamiento, ante el resentimiento por la baja estima que se le tiene y, ante todo, por la frustración que le causa el olvido y rechazo de sus padres, con quien anteriormente compartiera de muy gratos momentos, los cuales quedaron poco a poco en el pasado y por supuesto en el olvido de su familia.

Sin embargo la presencia de Barush hará comprender a la pequeña qué actuar mal, solo le hará y producirá a los demás un constante sufrimiento y sobre todo una vida de frustraciones y resentimientos. La presencia de su ser interno mágico la hará reflexionar y comprender qué, en sus manos está el cambiar y ser, y hacer feliz a los demás.

La dramaturgia se encuentra a cargo de Verónica De Alba, bajo la dirección escénica de Mari Carmen Núñez y  la realización de títeres y teatro de papel, por parte de su misma escritora, Verónica De Alba.

La escenografía consta de una cama, una ventana, una cómoda; aparentes muebles con un diseño infantil dibujado, que logra la apariencia de un cuento, que atrapa la atención de los pequeñitos de a partir de 3 años, a quienes esta dedicada la obra teatral EL VIAJE DE ALI, la cual se presenta en el teatro Orientación, los sábados y domingos en función matinal, bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

INSTANTÁNEAS DE LA CIUDAD

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

El día de ayer, sábado 10 de febrero, en el Foro Teatral “El Foco” se llevó a cabo el homenaje a la labor como cuentista y dramaturgo, el Seños Miguel Ángel Tenorio. Ahí en el escenario, en donde además momentos después se develó para tal efecto una placa, el autor nos comentó pormenores de su deambular por los escenarios y convertir en libros sus cuentos breves de los cuales nos hizo partícipe con algunos de ellos.

Con la gracia que le caracteriza, leyó algunos, en tanto que de memoria a manera de monólogo, interpretó otros. La función dio inicio con la introducción de tres de las legendarias canciones del afamado grupo “The Beatles” con las cuales marcó las tres llamadas con el que se frecuenta introducir cualquier obra teatral.

Tras la armonía musical se presentó Miguel Ángel Tenorio, haciendo gala de los viajes realizados, gracias a ser invitado por países como Estados Unidos, Canadá, Colombia y Panamá. Hizo saber que además a veces fueron fuente de inspiración para escribir algunos de ellos en su estancia en Canadá, en donde fue contratado para crearlos con su estilo de INSTANTÁNEAS DE LA CIUDAD.

Pero, ¿cómo surgieron? Pues le diremos qué tras de ser motivado por la leyenda mexicana en la cual se narra que una mujer tras de estar presa, dibujó en una pared un barco el cual lucía tan real, qué al cuestionar ¿qué era lo que le faltaba para ser real? Le contestaron: ¡“Nada”, sólo que navegue! Dicho barco al final le serviría a la presa para escapar del reclusorio.

Ya en 1993, en Radio Educación tras de trabajar en su espacio radiofónico, comenzó la que inicialmente fuera tímida introducción  al mundo de los cuentos; cobraría entonces vida lo que llamaría INSTANTÁNEAS DE LA CIUDAD.

INSTANTÁNEAS alude a la tónica en la cual todos sus cuentos incurren y que son, el hablar de la espontaneidad en que surge una relación de pareja, ya sea sentimental o sensual. Y digo sensual porque no aborda el tema de manera tajantemente sexual.

INSTANTÁNEAS DE LA CIUDAD alude a la urbe mexicana, en donde la prisa, el estrés, y muchas cosas más, dan sin embargo siempre cabida al amor de una pareja. Sus cuentos recurren al afán por descubrir y ser reiterativo en su atracción por las piernas femeninas, las cuales son casi siempre una constante en su narrativa bajo un toque por supuesto, sensual y original.

Describe la atracción entre parejas de clase popular. Así surge el personaje del empleado mecánico con su relación con una mujer casada, quien se emplea domésticamente mientras espera el retorno de su pareja, el cual radica en la unión Americana por cuestiones laborales, como muchos mexicanos. Otro de sus cuentos menciona el constante comensal, que acude siempre al mismo Sanborns con el afán de ver a la mesera de quien se ha interesado; o bien, el cuento en donde un alumno que admira y desea a su madura profesora, a la cual suele siempre espiar y, a quien decide finalmente llamar a su puerta.

Miguel Ángel se presenta en el foro “El Foco” en donde posteriormente planea presentar otras de sus obras que forman el repertorio de INSTANTÁNEAS DE LA CIUDAD.

* La imagen blanco y negro es su obra sobre el 68.

BRUNCH SOBRE LOS PROYECTOS INBA-TEATRO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

A manera de Brunch, la Coordinación Nacional de Teatro (CooNT)presentó los proyectos que la Compañía contempla llevar a cabo durante el presente año 2018. Dentro de los prospectos a seguir, éstos se integrarán con la colaboración de la Dirección General Editorial y Cultural de la Secretaría de Educación Pública.

Los planes a seguir incluye el plan denominado “Jóvenes en escena” a los cuales mediante una convocatoria se les invitará a colaborar. Dicho programa iniciará integrando a 7 estados de la República Mexicana, los cuales son Hidalgo, Tlaxcala, Querétaro, Puebla, el Estado de México, Morelos y la Ciudad de México.

También se continuará llevando algunas obras a los recitos educativos de niveles básicos o medios, con la finalidad de iniciar a los pequeños a introducirse en el mundo mágico escénico, con obras acorde a sus edades. Dicha función se llevó a cabo el año pasado con éxito, lo cual hizo que varias instituciones le hayan pedido al CooNT, reanudar dicha actividad.

Las puestas en escena en los recintos teatrales del INBA son hasta el momento 35 dramaturgias seleccionadas, en donde habrá diversidad de géneros teatrales y se contará con grandes dramaturgias y hacedores de teatro.

Por otro lado se celebrarán encuentros con otros estados a manera de “Festival de Nuevas Dramaturgias”  en lengua alemana. Proyecto que ya anteriormente fue iniciado, llevando por nombre “Theaterwelt”, el cual muy probablemente cambiará, en colaboración con el Instituto Goethe-institut Mexiko.

También se continuará presentando la Feria del Libro Teatral “FeLit”, la cual lleva funcionando como programa, desde hace 39 años. Por otro lado se planea para el público infantil la onceava edición tradicional del “Maratón de Teatro” para jóvenes y niños, en funciones matutinas, contándose actualmente con 28 interesantes puestas.

Se continuará ofreciendo temporadas de “Obras Cabaret” y, se dará continuidad a las puestas en escena de colaboración regional teatral, es decir, el “Festival Otras Latitudes”, el cual se ha ido presentando en el marco de 12 años consecutivos.

Finalmente le contaremos que se planean mejoras en los escenarios que sirven de ensayo de la CooNt y préstamos de bodegas, así como reajuste en mejoras presupuestos y pagos por ensayos. Además se contempla a muy corto tiempo enumerar las butacas de los teatros con que cuenta el INBA, con la finalidad de dar un mejor servicio al público asistente, el cual cuenta en algunas ocasiones con descuentos considerables de las tarifas del pago de boletos, como es el caso de los días jueves de cada semana, durante los cuales, al público en general se le pide una cuota realmente simbólica por la obtención de sus boletos, así como descuentos a estudiantes y maestros en cualquier periodo. Con todo ello es que la CooNT pretende integrar cada vez más, a un número de espectadores que se incremente, deleitándose en el MAGICO MUNDO DEL TEATRO.

EL CORAZÓN DE LA MATERIA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.


El dramaturgo, pedagogo, promotor y actor José Ramón Enríquez, junto con el prestigiado director escénico, pedagogo, cofundador y creador de escuelas de teatro (como el CUT y la Casa del Teatro) el Señor Luis de Tavira y, el joven actor José María de Tavira, en base al ensayo del autor francés Pierre Teihard de Chardín (1881-1955), titulado EL CORAZÓN DE LA MATERIA, se han dado a la tarea de presentar la obra teatral que lleva el mismo título.

Sin embargo, el texto de estos tres baluartes del teatro contemporáneo no presenta el contenido del libro como tal, pues en la puesta escénica que hoy día se presentada en el Teatro de las Artes, se incluye al mismo autor, que como le comentamos es Pierre Teihard de Chardín.

Hombre jesuita, ilustrado, cuya vida ha se considera totalmente azarosa, es mostrada dentro de su propia obra. Así EL CORAZÓN DE LA MATERIA, ensayo que conforma un compendio de volúmenes entre los que se encuentran nominado con el mismo título de manera inicial, es decir “El corazón de la material” y “Lo Crístico”, además de continuar con el ensayo titulado “La misa sobre el mundo” y diversos opúsculos; todos ellos como un legado que Pierre Teihard de Charín no llegó a editar.

Con una larga duración de 3 horas, como suelen ser las puestas en escena de Luis de Tavira, EL CORAZÓN DE LA MATERIA es un deleite escénico y creativo, también característico de tan talentoso director.

Diversos cuadros escénicos son expuestos gracias a la magia multimedia, a una variada escenografía movible con el diseño propuesto por diversos talentosos realizadores, entre los cuales encabeza el Señor Macedonio Cervantes, bajo la espléndida producción de Enrique González Torres.

En la obra teatral actúan gente con muchas tablas, como son Laura Almela, José Caballero, Eugenio Rubio, Marina de Tavira, Uriel Ledezma, Carlos Corona, José María de Tavira, Juan Carlos Vives, Eugenio Rubio, Azur Zagada, Pedro de Tavira Egurrola, Isabel Ruiz, Miguel Flores, Carlos Ordóñez y Ana Clara Castañón.

Durante algunos momentos escénicos, la trama es amenizada por la voz del tenor Evanivaldo Correa y un coro de 3 cantantes que representa las voces pueblo  y que son Tadeo Rojas de Tavira, Ignacio de Tavira Weiss y Alan Corkidi.

Todo ello enriquece la dramaturgia de EL CORAZÓN DE LA MATERIA, una puesta en escena para un público exigente y conocedor.

NUMANCIA.

POR: Dalia María Teresa de León Adams.



NUMANCIA es la obra reestrenada de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) que aún no siendo una de las más conocidas por el público, demuestran la gran pluma del dramaturgo español fallido Miguel De Cervantes Saavedra, quien la escribiera e el año de 1585 bajo el formato de tragedia.

Como marco de referencia, le diremos que la obra se ubica en la época renacentista. El pueblo de NUMANCIA bajo la consigna secular de “Conseguir la victoria en la derrota” tras el firme sentimiento y la demostración de la “dignidad”, coloca a ésta por encima de la derrota del pueblo y de la inminente victoria del enemigo romano quien, contando con un ejercito poderoso de 8,000 soldados, invade la región de NUMANCIA el cual tan sólo cuenta con 3000 habitantes.

NUMANCIA ha sido la obra que durante mucho tiempo la literatura barroca fue considerada como el prototipo de la literatura dramática de la lengua española. Al respecto, Ignacio García considera la aseveración con la que cuenta esta dramaturgia a manera de consigna de “Conseguir la victoria en la derrota, de la siguiente manera, como se muestra de manera textual en el programa de mano de ésta puesta en escena teatral:

Con este simple decasílabo, sin alardes ítmicos ni retruécanos barrocos, pero con una lucidez de un paradoja elocuente, nos coloca Cervantes en el camino de NUMANCIA en el año en que celebramos los 400 años de su muerte. Y con ese verso enmarca una reflexión importante sobre la identidad de los perdedores, de los derrotados, sobre la dignidad que, como dice Borges, tiene la derrota por encima de la victoria, y sobre el modo de hacer de la pérdida un camino de aprendizaje y mejora.

Miguel de Cervantes Saavedra  (Alcalá de Henares 1547-1616 Madrid)no en balde fue alineado en la armada española, conociendo por ello el desarrollo de las guerras y sus pormenores seculares, hecho que se refleja en su obra de NUMANCIA lo cual le infiere mayor credibilidad al texto, aún cuando la ficción de la agonía de un pueblo que decide suicidarse en aras de libertad, sea tan sólo parte del talento y la imaginación de Cervantes, quien detalla los hechos con gran maestría.

Por su temática NUMANCIA también puede ser considerada como una obra perteneciente al género épico, pues transcurre el texto en la mayor del tiempo escénico, en el campo retórico y real de una batalla que para el pueblo de NUMANCIA sin embargo, se vislumbra de antemano en la derrota, ante un ejercito poderoso y mayormente numeroso.

El honor, la valentía, la solidaridad y el sacrificio son los valores que realzara Cervantes en ésta obra escrita en la tragedia de un pueblo, dispuesto sin embargo a enfrentar al enemigo qué con su presencia presagia el horror, la opresión y la violencia que se gesta en cada guerra, de cualquier lugar .

NUMANCIA es una puesta en escena presentada en un solo acto escénico, y se presenta bajo una propuesta escenográfica muy espléndida a cargo de Víctor Said Esparza en cuanto a que ofrece al espectador una gran visión sobre la entrada y el interior del pueblo de NUMANCIA, con escenografía movible, manipulada por los mismos actores, que recrean perfectamente los distintos tiempos escénicos de la trama.

Ello aunado a un magnífico reparto estelar en el que sobresale la actuación de Arturo Beristain, en el rol del líder del pueblo de NUMANCIA, el gran equipo de tramoyistas y de vestuario y peluquería de A. Paulette Caro del Castillo.

La Compañía bajo la dirección artística de Juan Carrillo, no empero a respetar en máximo el texto de Cervantes, lo enriquecieron con “elementos intertextuales retomados de varios escritores como Séneca, Cristóbal de Virués, Francisco de Quevedo, Jorge Luis Borges y Emilio Prados, bajo el objetivo de potencializar el texto de NUMANCIA en cuanto a drama se refiere.

En NUMANCIA se descubre la intención oculta de Cervantes de alabar y tomar partido tal vez no sólo del pueblo imaginario de NUMANCIA, sino también por rescatar un poco los valores que ya en su época, poco a poco se comenzaban a minar.

NUMANCIA  se presenta en el teatro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque este mes de febrero de jueves a domingos bajo el patrocinio del INBA y la Secretaría de Culturaen nuestra ciudad de México.

 

LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN. EL CIRCO DEL HORROR.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Nathan Larson presentó en 1999 en la Unión Americana su guión cinematográfico denominado en el idioma ingles “Boys don’t cry” (LOS NIÑOS NO LLORAN) dirigida por Kimberly Pierce, con las actuaciones protagónicas de Hillary Swank y Chloë Sevigny, el cual fue ovacionado por sus espectaculares actuaciones. Esta película tiene un paralelismo con la obra teatral LOS ÑIÑOS TAMBIÉN LLORAN, una temática medular en torno a la incapacidad que durante largo tiempo ha sufrido el género masculino por demostrar sus sentimientos y, por supuesto, por su inhabilitación al NO LLORAR.

Bajo este rublo surgió posteriormente el texto de Julián Arnaut, Erika Islas, Valerio Vázquez y Yurief Nieves sus creadores de LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN. Es un espectáculo cabaret propio para toda la familia el cual centra su temática aborda la prohibición del llanto que socialmente se le imponen a los niños. De dicho modo aparece la puesta en escena LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN a manera de reflexión, que es la consigna o mensaje que sus creadoras intentan p dirigir a su público.

Considerado como un espectáculo cabaret, por la constante invitación del reparto estelar a que los espectadores colaboren durante todo el tiempo escénico, la obra infantil termina siendo un deleite creativo, en cuanto a qué empero a tratar una temática un tanto cruenta, se efectúa con una gran dosis de risibilidad, originalidad y creatividad que le otorgan Julia Arnaut, Erika Islas y Yurief Nieves, las dramaturgas y actrices de LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN.

El espectáculo esta planeado para ser presentado todos los días sábados y domingos a partir de hoy, sábado 3 de febrero, hasta el 11 de marzo. LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN ya había sido anteriormente presentada en algunas calles de colonias populares en nuestra Ciudad de México. Su aceptación motivo al equipo Circo del Horror Itinerante a reestrenarla, pero en esta ocasión en el Foro del Teatro “La Capilla” en Coyoacán.

En la puesta en escena se presenta música en vivo a cargo de Yurief Nieves, reconocido en el medio como “El Hombre Bala” quien además funge como director de esta peculiar obra teatral con formato circense, cérquense y, cuenta con una gran trayectoria escénica.

Esta obra pese a tener formato infantil, es como el mismo grupo dice “Un Guiño” para los padres de familia” a quienes invitan a desafanarse de la educación ortodoxa o tradicionalista, quien a base de chanclazos y malos tratos, han obligado a los hombres desde pequeños, a reprimir su llanto y, con ello, sus emociones.

LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN es una historia que transcurre en un diseño escenografico de Monserrat Mejía y el diseño del vestuario de Itala Aguilera. Durante todo el tiempo escénico parece una pequeña carpa, en donde tanto fuera como dentro de ella transcurre la trama divertidísima, cobrando vida un presentador cérquense, un niño, un presidente, una madre de familia y un merolico. Entre varios números del “Circo de Horror Itinerante” aparece el número de ”El Varón que Llora” al cual intentarán con engaños, qué -derrame el tristerato de sus ojos- pues LOS NIÑOS TAMBIÉN LLORAN

LAS CARTAS DE FRIDA KAHLO.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

La “Ópera de Toilette” como la llama su creadora artística Marcela Rodríguez es una puesta en escena cuyo objetivo es el presentar realmente LAS CARTAS DE FRIDA KAHLO. Éstas fueron escritas por la controvertida artista plástica internacional, en diversos momentos de su vida y sirvieron 11 de ellas, de texto para la dramaturgia original de Marcela Rodríguez.

Tal vez Usted se cuestione al igual que la prensa lo hicimos sobre el origen de éstas y sobre todo de la manera por la cual tuvieron acceso a ellas. Pues bien, dichas cartas escritas la mayoría del puño y letra de Frida Kahlo ( pues algunas son escritas a máquina) fueron encontradas en el baño personal de la “Casa Azul” de la pintora justo en el año 2004, casa la cual sea dicho de paso como Usted bien sabe, hoy en día se presenta al público como la casa-museo de Frida Kahlo y Diego Rivera en Coyoacán.

Es por ello que las piezas operísticas ofrecidas se denominan “Opera Toilette” que traducido al español significan Obra (en italiano) y “Baño” (en francés). Continuando con el relato, le contaré que dicho baño había permanecido cerrado durante 50 largos años, tras los cuales Elena Poniatowska y Jesusa Rodríguez fueron invitadas para reconocer los objetos que aún permanecía ahí llenos de moho. Entre dichos objetos se encontraron las cartas, las cuales compartieron en su lectura con Marcela Rodríguez quien les encontró musicalización, y con ello surgió la idea de esta ingeniosa obra teatral operística.

La puesta en escena es en un solo acto y, bajo la creación escenográfica de Jesusa Rodríguez quien además aparece en escena,  aparecen colgadas algunas cortinas de papel que sirven como mega pantalla, para transmitir imágenes y algunos Close up de parte de los fragmentos de dichas. Además aparece un enorme judas al estilo de los que Frida Kahlo mantenía en la entrada de su casa y una tina que utilizan dándole varios usos durante el tiempo escénico, que es de 1 hora con 10 minutos aproximadamente.

LAS CARTAS DE FRIDA KAHLO son el testimonio real de varias de las vivencias de la pintora mexicana en el extranjero. Ventilan su idiosincrasia y manera de ver la vida, además de mostrar algunas de las relaciones amistosas con grandes pintores seculares, como André Breton, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Joan Miró entre otros grandes de la época, matizándolos con su peculiar manera de verlos en su vida cotidiana.

Frida Kahlo nació en Magdalena Carmen, Coyoacán, en la Ciudad de México el día 6 de julio de 1907 y falleció en el año de 1954. Su nombre completo era Frida Kahlo y Calderón. Frida era una de las cuatro hijas de un padre judío-húngaro y una madre de ascendencia indígena-mexicana. Sufrió de poliomielitis, además de haber sufrido un accidente mientras viajaba en un tren, que la llevó a vivir en una silla de ruedas, además de verse impedida a engendrar familia alguna. Hecho que se narra dentro de la trama.

Las imágenes de algunos de sus cuadros más reconocidos y afamados no podían faltar, como el de “Las dos Fridas”, “La Frida Venado” o la “Frida accidentada en la sala quirúrgica”.

Frida Kahlo es estelarizada tanto por la soprano Catalina Pereda y por la actriz y directora Jesusa Rodríguez, junto con dos jóvenes actores. LAS CARTAS DE FRiDA KAHLO son realmente un deleite y se presentarán en el Teatro Helénico.

PROGRAMACIÓN ESCÉNICA PARA EL PRIMER SEMESTRE DE 2018.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Con seis estrenos de dramaturgias mexicanas y nueve temporada de obras teatrales que ya han realizado algunas giras, tanto nacionales como internacionales, LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO (CNT) convocó a la prensa con la finalidad de dar a conocer los pormenores respecto a su PROGRAMACIÓN ESCÉNICA PARA EL PRIMER SEMESTRE DEL 2018.

Con tal motivo su titular o Director General Artístico del CNT, el Señor Enrique Singer, se presentó en el Teatro Julio Castillo junto con Alberto Lomnitz coordinador del Instituto Nacional de Bellas Artes y, el actor y director Arturo Beristain, quienes junto con las actrices Luisa Huerta y Julieta Gurrola se dieron a la tarea de dirigir la mesa directiva para dicho efecto.

Casi al finalizar la rueda de prensa, presentaron a algunos de los autores y directores de los  montajes que están por estrenar, así como a las actrices y los actores del elenco estable de la Compañía, entre quienes se encontraban, Farnesio de Bernal, Ricardo Blume, Rosenda Monteros, Ana Ofelia Murguía, Mercedes Pascual, Angelina Peláez, Luis Rábago, Adriana Roel, Marta Verduzco, así como Marta Aura, Marco Antonio García, Gastón Melo, Óscar Narváez, Laura Padilla, Teresa Rábago, Juan Carlos Remolina y Roberto Soto.

A la vez se hizo de nuestro conocimiento qué por periodo de cada dos años, un 20% de dicho repertorio estelar estable del CNT, es renovado por otros talentosos actores los cuales compiten por el cargo, tras de una convocatoria que ya efectuarán con proximidad.

Otro de los proyectos de LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO será el entablar nuevas puestas en escena en coproducción, con compañías teatrales independientes de distintas regiones de país. Le diremos que ya en su primera fase planearon trabajar con la Compañía teatral “El rinoceronte enamorado”. Este es un grupo entusiasta que pertenece a la región de San Luis Potosí. Ello con la finalidad de enriquecer sus propuestas y la calidad de sus producciones.

También se llevarán a cabo “Laboratorios de Creación Escénica Contemporánea, iniciando con el Proyecto SED de la directora Laura Uribe quien hizo propuestas de montajes de línea de teatro experimental, además de conducir el laboratorio escénico transdisciplinario que tiene como propuesta plantear la problemática de la escasez del agua.

 

Por otro lado, finalmente le contaremos qué a manera de homenaje mortuorio al maestro Víctor Hugo Rascón Banda, la COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO tras de quince años de éxito en varias regiones del país y en los países de Guatemala y Colombia, volverá con la obra “DeSazón” a hacer una puesta en escena que arrancará el próximo 1ª de enero en el mismo recinto teatral del foro Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque, siendo el mismo lugar, como a-priori mencionamos, en donde LA COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO OFRECIÓ UNA AMPLIA PROGRAMACIÓN ESCÉNICA PARA EL PRIMER SEMESTRE DE 2018.

LA VAGINA DE LOS (monólogos) DIÁLOGOS.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

No cabe duda que el talento se desborda por todos lados. Me refiero con estas palabras a que aún siendo teatro independiente, podemos gozar del talento y la creatividad de nuevos escritores. Ello sin considerar el mayor esfuerzo que cuesta el hacer posible poner una puesta en escena. Por otro lado al poco apoyo que reciben de gran parte de los críticos teatrales, quienes no las toman en consideración por la falta de promociones masivas. Pero lo cierto y agradable de indagar es que aún sin fuertes producciones que les respalde, las obras teatrales independientes no dejan de hacer gala de su gran creatividad.

LA VAGINA DE LOS MONÓLOGOS inicialmente se tituló “Si lo tengo que pedir ya no lo quiero” como su creador, el dramaturgo y director de esta obra el Señor Renato Gómez Herrera tenía en mente. Sin embargo le daría un giro tomando en consideración la temática medular en torno a la cual la obra teatral basada.

LA VAGINA DE LOS MONÓLOGOS explica de manera gráfica, real y sin tapujos, un tema aún hoy en día difícil de abordar con claridad, como lo es el sexo. Por ello se intenta graficar la peculiar manera de sentir, demandar e intentar, vista de manera objetiva entre el sexo femenino y masculino.

LA VAGINA DE LOS MONÓLOGOS presenta lo que nuestra pareja siente y opina sobre nuestra sexualidad, personificando para ello a los genitales. Asé es como Renato González Herrera se dio a la tarea de escribir en el lapso de dos años, LA VAGINA DE LOS DIÁLOGOS en base a la experiencia, tras de dialogar abiertamente con la que fuese su pareja.

La trama no esta trastocada bajo un matiz machista, pese a ser un poco mostrada bajo el empoderamiento del sexo femenino; sin embargo presenta dos diálogos que en general enmarcan la idiosincrasia y comportamiento de la pareja heterosexual, bajo un lenguaje coloquial, matizado con palabras altisonantes que logran que el mensaje de los problemas que acosan a nuestra sociedad en dicho sentido, sean más claros para el público adulto que acude a ver la obra teatral.

La idea de elegir el reparto estelar, inicialmente fue considerado por el Director y dramaturgo Renato Gómez Herrera, con la idea de contratar actores con una edad aproximada de 45 años. Sin embargo tras de ver actuar con gran tenacidad gracia y naturalidad a su actor protagónico Baruch Su, Renato Gómez Herrera optó por contratar a una actriz joven, acorde a la edad de éste.

Con un poco de tiento en el sentido de que una joven actriz no se desempeñara con naturalidad interpretando un texto un tanto “atrevido”, por así decirlo, si lo observamos bajo el tabú que impera en torno al sexo. Empero a ello Renato Gómez Herrera quedó gratamente sorprendido por el magnífico desempeño que mostró la joven actriz Aída Treviño, según nos hizo saber en entrevista, con sus propias palabras.

LA VAGINA DEL MONÓLOGO se inspiró un poco en la controvertida comedia de la estadounidense Eve Ensier, que bajo un toque feminista en contra de la violencia de género escribió su controvertida obra.  Esta fue representada por primera vez en la Unión Americana en1996. Posteriormente la Compañía Teatro OCESA bajo la producción del Señor Morris Gilber y Federico Campean compró los derechos y la montaron con éxito en la Ciudad de México.

Ellos mismos presentarían un poco después la obra “Defendiendo al cavernícola” de Rob Becker, estelarizado por Cesar Bono, cuya trama surgió como contraposición de la posición feminista que mostró Los monólogos de la Vagina”, dando una visión sino podemos llamar totalmente machista, por lo menos desde la psique masculina.

LA VAGINA DE LOS MONÓLOGOS de Renato Gómez Herrera retoma un poco esta tónica al intentar presentar una supuesta explicación sobre el nacimiento de las relaciones sexuales en la época primitiva, sin embargo, en nuestra opinión, con un sentido más real y un gran toque de comicidad.

Esta obra presentada en un solo acto escénico, le hará pasar a Usted un momento muy divertido, si se despoja de prejuicios y desea entender más la manera distinta de vivir, gozar y expresar la sexualidad de su pareja.

LA VAGINA DE LOS MONÓLOGOS se presentará en corta temporada en el pequeño pero hermoso foro teatral “Bellescene” ubicado en la calle de Zempoala 90, col Narvarte Oeste , los días domingos a las 18:00 horas, bajo la presentaci

TESTOSTERONA: Una discusión sobre el poder y como acceder a él.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Como un reto surge la dramaturgia original de Sabina Berman TESTOSTERONA con una temática actual y en sí interesante, pues nos atañe de alguna manera a todos, pues se trata del juego del poder surgiendo entre otras cosas, en el enfrentamiento entre los dos sexos dentro de una sociedad machista, que generalmente brinda más poderío a los hombres, además de la disputa entre el amor y la guerra callada que se gesta en el ámbito laboral.

Es una obra teatral que podría tomarse como un parte-aguas para cuestionarnos el problema del poder, si realmente se intenta acceder a él competir en el sector laboral entre los sexos opuestos el femenino y el masculino, o incluso entre uno sólo con el artífice de la seducción o de la corrupción.

El sexo en diversas connotaciones al parecer, según sugiere el texto de Berman, va más allá y podría influir en la manera o competitividad ante la pretensión de obtener un mejor nivel económico-laboral dentro de una empresa.

La temática del texto no esta tratado a la ligera. Recordemos que la escritora mexicana Sabina Berman antes del logro de cualquiera de sus puestas en escena, suele dar un salto entre libros y medios de información para lograr darle coherencia, subjetividad y sobretodo credibilidad a sus obras, las cuales por supuesto, le han otorgado un gran reconocimiento dentro del medio teatral.

Sabina Berman nació en la Ciudad de México en el año de 1955. Ha sido reconocida por su labor como escritora y periodista, logrando acumular gran éxito en el ámbito teatral con obras como son “Entre Villa y una mujer desnuda”, la cual logró presentarse en cines, Moliere, “Extras” y “Feliz nuevo siglo Señor Freud”. Con ellas se ha presentado en otros países latinoamericanos, en Los Estados Unidos, Canadá y en algunas regiones europeas.

TESTOSTERORA promete ser una puesta en escena con gran calidad tanto en el aspecto histriónico, con la presentación de dos actores con grandes tablas, como lo son Cecilia Suárez y Enrique Areola, así como por su dirección escénica a cargo de la talentosa Ana Francis Mor, y por su puesto, por la dramaturgia redonda y bien estructurada.

 -“La idea central de la obra fluye en una discusión sobre el poder y cómo acceder a él. La historia parte de la siguiente premisa ¿Son los méritos, el conocimiento y  la experiencia elementos suficientes para subir en la escala social o son las intrigas, los juegos sucios y el chantaje los mejores instrumentos para conseguir el poder.”-    

Este párrafo textual que aparece en el boletín de prensa otorgado por el departamento de Difusión, enfoca la tónica mediante la cual se pretende  que el publico advierta algunos de los matices que encierra el poder y, por supuesto con la intrínseca intención de poner en escena que haga reaccionar al público.

De alguna manera puede ser un granito de arena para concientizar al espectador de qué la problemática que se aborda, no es la gestora del conflicto entre los dos sexos, como algunas personas piensan (tema ya abordado por el dramaturgo Benjamín Bernal)  sino que este más bien es gestador de poderío, dando como resultado una sociedad en donde las mujeres tenemos menos oportunidades generalmente, problemática qué por demás esta decirlo, precisa de un reajuste social en torno a cómo se mira y qué se espera de cada sexo.

 

Todo esto se nos hizo saber en rueda de prensa aún cuando fueron formulados los objetivos con distintas palabras y con la presentación de dos breves actos escénico que ofrecieron a la prensa a manera de probadita, invitándonos a gozar de las próximas funciones que se ha estado llevaran a cabo  a partir del 18 de enero del presente año en el Foro teatral El Granero , Xavier Rojas del Centro Cultural del bosque y que ya arrancó agotando funciones.

MI CENA CON ANDRÉ

 

POR: Dalia María teresa De león Adams.

 

 

Wallece Michael es un actor y dramaturgo estadounidense, nacido en Nueva York en el año de 1943. También conocido en el medio artístico como Wallece Shawn, conoció en el teatro corriendo el año de 1970 a André Gregory. Es en base a esta real amistad en donde surgió la idea de escribir un texto, dando con ello vida a la dramaturgia MI CENA CON ANDRÉ surgida sin embargo de la confrontación entre dos diferentes ideologías y formas de vida entre ellos,

 

En la trama el personaje de Wallece Gregory narra su experiencia con André Shawn, un afamado director teatral que fuese quien hiciera posible su debut en Nueva York, con una obra de gran éxito en taquilla. Empero a ello, André Shawn justo en aquel momento de gran reconocimiento en el medio artístico, desapareció sin razón aparente del circulo creativo.

 

Con MI CEN CON ANDRÉ , Wallece Shown justifica la ausencia de André, narrando las experiencias extravagantes y locochonas de André Gregory  durante una cena. El diálogo entre ambos deja saber la decisión de André por vivir experiencias fuera de lo común, inspirado por su conversación de otro gran director, como fuera Jerzy Grotowski, citando a Samuel Beckett, a la influencia negativa de Alfred Hitler y expresando una filosofía adquirida en su visita al Tíbet.

 

La trama en sí es un deleite en cuanto a la narrativa entre dos diálogos, el de André Gregory  con su pupilo Wallace. Este ultimo es un personaje cuadrado, quien lleva una vida difícil en cuanto a lo material, pero convencional y más o menos feliz. Preocupado sólo por su economía, tras de una vida infantil llena de comodidades, comienza a preocuparse por sobrevivir día a día en la ciudad de Nueva York, con su oficio de dramaturgo y una mesera como pareja sentimental.

 

Por otro lado en contraposición, se deja entrever la amplia capacidad económica de André Gregory la cual le permitiera un largo tiempo de asueto, viajando y experimentando cosas nuevas, poco comunes como el ser enterrado en la arena con sus pertenencias a cuesta, como una PRE-experiencia de su futura muerta real.

 

Dos diferentes mundos hacen coincidir a esos dos hombres de teatro, en un elegante restáurate en donde transcurre la historia. La obra da inicio con la presentación multimedia de un video en donde Wallece acude a su cita con André. En él se muestra el momento en que entra al restaurante  Wallace Shawn.

 

Dicho personaje es caracterizado por el actor y director Manuel Ulloa Colonia, quien además es el que introduce al público a la historia, con una narrativa en el que se presenta como un Yo, en primera persona. En su narrativa explica como conoció a André Gregory y deja ver su aparente renuencia por el encuentro entre ambos.

 

Por otro lado, el actor y director teatral Boris Schoemann, personifica el rol  protagónico de André maravillosamente, otorgándole un gran toque de naturalidad que le caracteriza. André es un personaje creativo, intuitivo, culto y locochón, un hombre de teatro, quien aún gozando de gran fama, decide dejar todo para probar fortuna en aras de la incertidumbre de no haber vivido lo sufriente en este mundo.

 

Con un pensamiento profundo y una manera filosófica peculiar en cuanto al significado y la importancia de la vida, de pronto se ve confrontado por Wallece, un hombre sencillo y metódico, que ve la vida de manera práctica y, quien suele gozar de las cosas triviales.

 

MI CENA CON ANDRÉ fue estrenada en el año de 1981 en Nueva York en formato de guión cinematográfico. Tuvo gran éxito, lo cual le llevó a ser galardonada en Inglaterra un año más tarde, como mejor película y mejor guión, obteniendo el premio BSFC.

 

La producción de “Le miroir qui fume” y “Los endebles” hoy en día hacen posible la puesta en escena de MI CENA CON ANDRÉ bajo la dirección artística de Daniel Bretón, discípulo de Boris, quien logra una gran ambientación con la propuesta de un escenario compuesto por mesas y sillas que dan la apariencia de estar realmente en el interior del restaurante con encontrarse los actores, en donde aparece en escena un mesero quien ofrece de manera gratuita una copa de vino tinto a toda la audiencia, por cortesía de la Compañía viticultora española “Enante”, lo cual hace más agradable el tiempo escénico que cuenta con 1hora y 40 minutos.

 

 

MI CENA CON ANDRÉ se presentará hasta el día 25 de febrero en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque, de jueves a domingos.

C UARTETO DE UNA PASIÓN.

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“Nuestro intento no es sólo contra a través  de un texto lo desequilibrado que puede estar nuestra percepción, la demencia que ocultamos en la apariencia de una razón y una serie de sentimientos impecables. Es la culpa la que hemos elegido como nuestra voluntad creativa. Nuestra creencia esta depositada n el pecado, cuando en verdad son la impecabilidad y la inocencia las que debieran trazar las líneas de nuestras vidas.”-

Salvador Garcini

Escrita y dirigida por Salvador Garcini la obra teatral CUARTETO  DE UNA PASIÓN se encuentra estelarizada por Olivia Colins, Gema Garoa, Jessica Decote (o Fernanda Vizzuet) y Alex Sirvent. Es una puesta en escena que se ha estado presentando en el Foro Xavier Villaurrutia desde el día 11 de enero, contando con gran audiencia, pese a la polémica que ha causado su reparto estelar, por ser parte del medio televisivo,  varios de ellos.

Este hecho llevó a algunas personas del gremio teatral a reclamar ante el cuestionamiento sobre las facultades del elenco, argumentando qué mejor bien podrían haberse presentado en foros con producciones comerciales privadas, en vez de ocupar el sitio de uno de los teatros del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Pero se opine lo que se opine, lo que es cierto es que realmente los actores están realizando un magnífico trabajo en cuanto a plástica actoral se refiere, la escenografía y la dirección, por supuesto con el apoyo de una dramaturgia muy bien estructurada e interesante, que matiza la temática de la pasión, abordada desde varias perspectivas psicológicas y sociales, lo cual le da gran credibilidad a la trama.

La obra de manera introductoria ofrece un diálogo presentado por un breve monólogo ofrecido por Olivia Colins, mediante el cual explica  y sustenta varios de los ingredientes de la pasión, como son los celos, la adicción, la envidia, el amor, la posesión, e incluso la locura.; sentimientos qué como es bien sabido, se despiertan ante una pasión desenfrenada que lleva algunas veces hasta la traición. Y es precisamente la traición, la parte medular de la trama, la cual generalmente lleva a triangular una relación amorosa, caso que se ilustra perfectamente en la puesta en escena de CUARTETO DE UNA PASIÓN.

Cuarteto, en cuanto a que la trama ofrece cuatro diferentes posibles deshelases de la trama, en el momento en que se descubre qué la mejor amiga de una joven actriz a punto de contraer nupcias, se acuesta con su novio y además queda preñada.

 

La temática sin duda es actual y suele suceder en nuestra sociedad machista, en donde un hombre acepta sin límites, el hecho de ser seducido por una tercera persona cercana a la pareja, pese a estar comprometido.  

DEUS EX MACHINA


POR: Dalia María Teresa De León Adams.


Con el afán de ir más allá de lo que el teatro tradicional ofrece, la Compañía “Teatro Ojo”

ofrecen una nueva propuesta escénica. Tal vez con estas palabras no quede claro el objetivo

que se han trazado “Teatro Ojo” por lo cual intentaré ser más explícita.
“Teatro Ojo” es un grupo creativo colectivo que ante el juicio de que todo debe cambiar

o ser innovado, y por supuesto también “el teatro” el cual se ofrece generalmente dentro de un foro,

con una obra teatral conformada por una trama dramatizada por los actores que representan

a uno o más personajes, etcétera, etcétera, como es bien sabido.
Pues bien, para “Teatro Ojo”, el teatro es mucho más y puede adquirir otras formas menos ortodoxas

, es decir, puede y debe cambiar de formato, de tal modo que durante todo el sexenio trabajaron

para reunir material conformado en gran parte por máquinas e información.
En base a ello el espectáculo ofrecido lleva por título DEUS EX MACHINA.

Y, continuando con la explicación sobre esta forma creativa de darle un giro al teatro convencional,

le diré que DEUS EX MACHINA se ofrece a un público que tiene la posibilidad de acceder

dentro del foro del Teatro “El Galeón”, y permanecer dentro de él, el tiempo que desee,

salvo a algunos espacios restringidos como son los camerinos, por ejemplo.
Todo esto con un margen de 4 horas durante las cuales podrá colocarse en su butaca

escuchando una serie de llamadas telefónicas a números que realmente existen en distintos

puntos de la República Mexicana, con la finalidad de que también participen de este evento teatral,

gente ajena a la puesta en escena.
De tal modo que si Usted decide asistir, escuchará las preguntas en vivo que realizan a muchas

familias mexicanas, con preguntas simples como que tipo de música suelen escuchar y cosas

similares que no comprometen a nada.
Pero si Usted prefiere deambular por el foro entre las máquinas y las personas que colaboran

en ésta puesta en escena peculiar, podrá hacerlo libremente solo o acompañado, presenciando

todo los movimientos y manera de trabajar, en ésta creación colectiva llamada DEUS EX MAQUINA.


Al frente de las butacas teatrales se encuentran colocados un grupo de jóvenes que manipulan

las computadoras y que marcan de manera telefónica al azar, los números telefónicos que

se encuentran al frente de todos ellos, en una mega pantalla que presenta  una gran serie

de dichos números telefónicos.
En DEUS EX MACHINA participan Héctor Bourges, Karla Rodríguez, Laura Furlan, Patricio Villareal,

Fernanda Villegas y Alonso Arrieta..

Todos ellos se presentarán hasta el día 18 de febrero en el Centro Cultural del Bosque

de jueves a domingos bajo la producción del INBA y La Secretaría de Cultura..

NADA

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

El texto de Janne Teller titulado NADA fue escrito en el año 2000, vuelve a ser recreado por un grupo de jóvenes entusiastas, bajo la dirección escénica de Mariana Giménez con el propósito de interesar al público que no suele ir al teatro, para interesarlo con ésta puesta en escena que invita a  la reflexión sobre el lado obscuro que anteriormente y actualmente se vive, no solo en nuestro país, sino en el mundo entero.

Es por ello que su directora escénica decidió no darle un toque de mexicanidad o indicios de pertenencia a una nacionalidad, grupo social o país, tomando en consideración de que es una problemática que desgraciadamente se vive más allá de las fronteras del mundo.

La trama comienza presentando a unos niños casi adolescentes que se conocen en una escuela. En dicho plantel asiste el primer día de clases un alumno llamado Pedro ( Pierre Antón ) quien un buen día decide dejar el colegio, cuando cree descubrir que NADA tiene valor en esta vida. Ante esa tajante aseveración, sus compañeros piensan Pedro vive en un gran error, e intentarán demostrárselo con hechos extremos qué por lo contrario, los llevaran a vivir situaciones adversas. Acumulan objetos en una fábrica  abandonada para con ellos intentan probarse a sí mismos, al igual que a Pedro, que existe siempre un móvil al cual llaman “el significado “  para darle valor a su existencia.

En un solo cuadro escénico, con una escenografía muy  suficiente para deshilar la trama de esta cruenta obra, a la obra en términos teatrales se le ubica como un drama, por el manejo del desarrollo de la trama.

NADA es una obra teatral que ya había sido puesta en escena anteriormente con la misma compañía productora , dirección artística y reparto estelar, Tuvo éxito, lo cual hizo posible esta segunda temporada en el foro del Teatro Santa Catarina, en Coyoacán, con el apoyo de la Difusora UNAM.

El elenco esta formado por Nick Angiuly, Lila Avilés, Pablo Marín, Andrea Riera, Lucía Uribe y Leonardo Zamudio. Todos ellos actuando con gran versatilidad sus variados personajes, los cuales en sí son difíciles de interpretar, pero que lograron matizar con gran emotividad.

La adaptación escénica de esta dramaturgia es de Bárbara Perrín, quien por supuesto se baso en el texto de  Janne Teller, el cual, según afirmó el mismo grupo creativo, durante la entrevista que ofrecieron a la prensa al final de la función dedicada a los medios, ha sido una novela la cual ha logrado últimamente colocarse como uno de los diez libros con mayor venta en nuestra ciudad.

 

También se expresó que el texto de NADA tras de haber sido puesta en escena por primera vez (Barcelona 2011) fue prohibida en su país, pero que sin embargo, hoy en día se lee como libro texto en la Escuelas Teatrales.

COSAS RARAS

POR: Dalia María Teresa De León Adams.

 

Todo a medias luces, como solamente podía presentarse el drama intitulado COSAS RARAS de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, con un dejo de tristura es como se narra el reencuentro entre dos hermanos en edad adulta, tras de compartir una trágica historia familiar que les separó, pero que a la vez, los unió tanto filialmente como en el baúl de la memoria.

Con COSAS RARAS le diremos qué la Coordinación Nacional de Teatro del INBA arrancó con la presentación de sus obras matutinas, en el Centro Cultural del Bosque, en el presente año que estamos iniciando.

Esta obra fue galardonada en cuanto l texto, con el premio Bellas Artes 2016 y por el

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA), como obra teatral infantil.

Propuesta para niños a partir de los 12 años. Sin embargo, lo cruento de la temática nos

hace sugerir, que bien podría mejor ser presentada para público adulto, pese a no tener

escenas comprometidas que le hizo ser postulada como matinal.

Dos grandes talentos histriónicos unen sus esfuerzos para caracterizar a dos personajes

versátiles en cuanto al manejo de la temporalidad, que no es lineal en la obra, y por lo tanto precisa de constantes retrospecciones temporales.

Es decir, dos hermanos se encuentran en un duelo y afloran los sentimientos y experiencias compartidas desde su niñez. Ambos actores, Olivia Lagunas y Adrián Vásquez, caracterizan además a otros personajes que no aparecen en escena, pero que logran hacerlos presentes en la trama, a través de la modulación de sus voces y movimientos corporales con los cuales logran que los espectadores adviertan la ilación de la trama y los sucesos simulados, pese a actuar dentro de un escenario en el cual solamente aparecen botellas de refrescos vacías, las cajas de éstos, una silla acomodada dando la espalda al público, entre el aparente marco de una puerta.

Y sin más pretensiones, la escenografía de Auda Caraza y Hugo Arrevillaga resultan

totalmente suficientes para ambientar este drama el cual presenta además la vocalización musical de dos pequeños, que sin actuar, sugieren al público ser los personajes protagonista en su etapa infantil, en un momento escénico.

COSAS RARAS se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura, los días sábados y domingos a las 13:00 horas hasta el 25 de marzo 2018.

SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO

POR: Dalia María Teresa De león Adams.

 

Iniciando con una leyenda huichol, la dramaturgia de Felipe Rodríguez SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO a partir de un proceso de creación colectiva, dio inicio el día de ayer, domingo 14 de enero, en el foro del Centro Cultural Helénico, a las 13:00 HORAS, bajo la intención de ser dedicada a la memoria del maestro Rafael Covarrubias.

A colación de esto podemos leer a manera de sinopsis en forma textual, en el programa de mano ofrecido por la Compañía Producida por Adrián Alarcón y Eloy Hernández. Comienza con las siguientes frases que inspiraron a la realización de dicho proyecto:

-“Cuentan los huicholes que en el principio no había nada más que agua. Y que en medio de ese mar infinito y oscuro vivían tres dioses que no hacían más que nadar y flotar… hasta que se aburrieron. Entonces, cerraron los ojos y comenzaron a imaginar.”-

Y es a partir de ésta metáfora étnica es que la obra teatral de corte infantil tomó forma y, comienza el relato escénico de la puesta SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO.

Los personajes ataviados con ropa confeccionada con coloridos hilos de leds y, dicho sea de paso diseñados por Yolotzin García a la usanza de la cultura huichol, logran la atmósfera perfecta para personificar a los tres dioses “Kanyumani”, Takutsi” y Maxacuaxi”, sus personajes protagónicos. Junto con ellos también aparece en escena un lobo y tres gigantes, todos ellos actuando bajo la dirección escénica de Nora Manneck.

El reparto esta interpretado por los actores Asur Zágada, María José Vargas, Erick Israel Consuelo, Juan Acosta, Bruno Benítez, Bernardo Benítez y Adrián Alarcón, contando con las suplencias de Atiza Y Miguel Pérez Enciso.

La obra amenizó a los pequeñitos, quienes ocasionalmente tras de involucrarse en la obra, interrumpieron los diálogos con sus graciosas intervenciones verbales casuales, como suele suceder comúnmente con el público de infantes, los cuales fueron invitados a pasar al escenario, de manera masiva, casi al final de representarse la dramaturgia.

Un mundo mítico mágico retoma vida en el escenario con el apoyo multimedia de proyecciones animadas reflejadas en las tres partes de los muros que forman el foro. Ello gracias a los efectos del diseño en pantalla de Edgar Sánchez, que hace con ello las veces de la escenografía con diseños animados que reflejan el mar, la playa, la fauna y la flora.

Y en resumen le diremos que con todo ello la génesis de la cultura huichol que intenta explicar el inicio de la creación, es animada bajo una historia creativa y divertida desarrollada por la inventiva de Felipe Rodríguez, quien como antes mencionamos escribió el texto infantil y, con ello ilustró un poco al público sobre la idiosincrasia del grupo étnico huichol, haciéndolos partícipes del proceso de que SALIMOS DEL MAR Y SOÑAMOS EL MUNDO.  

La obra la puede Usted ir a ver con su familia los fines de semana a las 13:00 horas.